Filme von Gabriel Abrantes, Pimpaka Towira, Réka Bucsi, Ben Russell, Mahdi Fleifel, Christoph Girardet & Matthias Müller

25 Kurzfilme aus 21 Ländern bewerben sich in diesem Jahr um den Goldenen und den Silbernen Bären in der Konkurrenz Berlinale Shorts. Außerdem werden eine Nominierung für den European Film Award und der mit 20.000 Euro dotierte Audi Short Film Award vergeben. Die Kurzfilmjury 2016 bilden die Kuratorin und Direktorin der Sharjah Biennale aus den Vereinigten Arabischen Emiraten Sheikha Hoor Al-Qasimi, die griechische Kuratorin und Autorin Katerina Gregos und der israelische Filmemacher Avi Mograbi. Außer Konkurrenz wird außerdem LOS MURMULLOS von Rubén Gámez aus dem Jahr 1976 gezeigt.

Die ersten fünf Filme, die sich bei der Berlinale 2016 um den Goldenen Bären bewerben, stehen fest: Es sind vier Spielfilme und ein Dokumentarfilm. Der amerikanische Regisseur stellt das Science-Fiction-Drama MIDNIGHT SPECIAL vor. Zu den Darstellern gehören Adam Driver, Kisten Dunst und Michael Shannon. Ebenfalls ins Rennen um die Bären geht die deutsch-französisch-britische Neuverfilmung von Hans Falladas Roman JEDER STIRBT FÜR SICH ALLEIN. Regie führt der Schweizer Vincent Perez, es spielen Emma Thompson, Daniel Brühl und Brendan Gleeson.

Zu den weiteren bisher bekannt gegebenen Beiträgen gehört GENIUS (GB/USA) von Michael Grandage. Das Filmregiedebut des Schauspielers und Theaterregisseurs erzählt die Geschichte des Lektors Maxwell Perkins, der bei Scribner’s unter anderem die Bücher F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway und Thomas Wolfe betreute. Colin Firth übernimmt die Rolle vom Perkins. Vor der Kamera stehen auch Nicole Kidman, Jude Law und Dominic West. Der kanadische Berlinale-Beitrag ist BORIS SANS BÉATRICE von Denis Coté, Gewinner des Alfred-Bauer-Preises von 2013. ZERO DAY heißt der Dokumentarfilm von Oscarpreisträger Alex Gibney über die Opfer von Cybercrime, der sich ebenfalls um den Goldenen Bären bewirbt.

Der neue Film von Joel und Ethan Coen HAIL, CESAR! eröffnet die Berlinale am 11. Februar 2016. Der Film spielt am Set eines guten, alten Hollywood-Monumentalschinkens - weil es die Coen-Brothers sind, gehört auch eine Detektivgeschichte dazu. Unter den Darstellern sind Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Ralph Fiennes, Jonah Hill, Scarlett Johansson, Frances McDormand, Tilda Swinton und Channing Tatum. Roger Deakins war für die Kamera verantwortlich, das könnte Oscarnominierung Nummer 13 werden, und die Filmmusik komponierte Carter Burwell. Nach THE BIG LEBOWSKI, der bei der Berlinale 1998 im Wettbewerb lief und dem Eröffnungsfilm von 2011 TRUE GRIT, kommen die Coens bei der 66. Auflage zum dritten Mal zum Festival. Kinostart in Deutschland ist am 18. Februar 2016.

Quelle / Source: Deutsche Kinemathek, © Haro Senft

Die Retrospektive der 66. Internationalen Filmfestspiele Berlin widmet sich deutschen Filmen des Jahres 1966 aus dem Osten und dem Westen. Sie umfasst rund zwanzig Spiel- und Dokumentarfilme aus Kino und Fernsehen der Bundesrepublik Deutschland und der DDR. Dazu gehören international ausgezeichnete Filme von Peter Schamoni, Volker Schlöndorff und Alexander Kluge und in der DDR von der DEFA produzierte aber vom 11. Plenums des Zentralkomitees SED verbotene Filme zum Beispiel von Egon Günther, Jürgen Böttcher und Herrmann Zschoche. Darüber hinaus mehr als dreißig kurze und mittellange Filme, wie sie für die Zeit typisch waren, in Filmprogrammen und als Vorfilme zu sehen sein.

1966 hatten Peter Schamoni für SCHONZEIT FÜR FÜCHSE, für Volker Schlöndorff DER JUNGE TÖRLESS und Alexander Kluge für ABSCHIED VON GESTERN mit ihren Debütfilmen Preise auf internationalen Festivals gewonnen. Schamoni den Sonderpreis der Jury auf der Berlinale, Schlöndorff den FIPRESCI-Preis der internationalen Filmkritik in Cannes und Kluge den Spezialpreis der Jury in Venedig. In der DDR dagegen hielt Kurt Hager, Leiter der Ideologischen Kommission des Politbüros, am 16. Dezember 1965 beim 11. Plenums des Zentralkomitees SED eine Rede mit dem Titel „Die Kunst ist immer Waffe im Klassenkampf“. Es folgte das, was man später den Kahlschlag nannte. Der betraf Bücher und Theaterstücke und acht DEFA-Filme, rund die Hälfte aller Filme des DEFA-Produktionsjahres. Mit Hermann Zschoches KARLA und Jürgen Böttchers JAHRGANG 45 zeigt die Retrospektive zwei verbotene Filme sowohl in den Zensurfassungen, die den Stand bei Abbruch der Arbeiten zeigen, als auch in den Verleihfassungen von 1990. In zwei Versionen ist auch ein Kurz-Dokumentarfilm von Kurt Tetzlaff zu sehen: ES GENÜGT NICHT 18 ZU SEIN, Titel der zensierten Version: GUTEN TAG – DAS SIND WIR.

Die dreifache Oscar-Gewinnerin Meryl Streep wird Jury-Präsidentin der 66. Berlinale. Für Streep ist das eine Premiere: Sie saß noch nie bei einem internationalen Filmfestival in der Jury. Die Schauspielerin bekam 2012 den Goldenen Ehrenbären für Ihr Lebenswerk und nur wenige Tage nach der Berlinale ihren dritten Oscar für THE IRON LADY. 2014 und 2015 erhielt sie die Oscar-Nominierungen Nummer 18 und 19. Wer weiß, vielleicht bekommt Meryl Streep 2019 den Goldenen Ehrenbären zum 70. Geburtstag für das Lebenswerk reloaded.

Die Berlinale 2016 beginnt am 11. Februar.

Offensichtlich haben die Worte von Jury-Präsident Darren Aronovsky über VICTORIA "this film rocked my world and will rock audiences around the world" bei der Bärenverleihung für Aufmerksamkeit gesorgt. Wie das amerikanische Branchenmagazin Deadline meldet, hat der New Yorker Filmverleiher Adopt Films die US-Rechte des Films von Sebastian Schipper erworben und will den Film im Spätsommer oder Herbst 2015 in die amerikanischen Kinos bringen. VICTORIA-Kameramann Sturla Brandth Grøvlen wurde mit dem Silbernen Bären für seine "herausragende künstlerische Leistung" ausgezeichnet.

Goldener Bär für den Besten Film (für den Produzenten)
TAXI von Jafar Panahi

Silberner Bär für die Beste Darstellerin
Charlotte Rampling 45 YEARS

Silberner Bär für den Besten Darsteller
Tom Courtenay für 45 YEARS

Silberner Bär Großer Preis der Jury
EL CLUB von Pablo Larrain

Silberner Bär Alfred-Bauer-Preis für einen Spielfilm, der neue Perspektiven eröffnet
IXCANUL von Jayro Bustamante

Silberner Bär für die Beste Regie
Radu Jude für AFERIM! und
Malgorzata Szumowska für BODY

Silberner Bär für das Beste Drehbuch
Patricio Guzman für EL BOTO DE NACAR

Silberner Bär für eine Herausragende Künstlerische Leistung aus den Kategorien Kamera, Schnitt, Musik, Kostüm oder Set-Design
Sturla Brandth Grøvlen (Kamera) in VICTORIA und
Alexey German jr., Ivgeni Privin (Kamera) UNDER ELECTRIC CLOUDS

Wer sollte die Bären gewinnen. Nachdem ich 16 der 19 Filme gesehen habe, die im Wettbewerb in der Konkurrenz laufen - wie würde ich die Bären verteilen?

Goldener Bär für den Besten Film (für den Produzenten)
EL CLUB (Juan de Dios Larraín) von Pablo Larraín

Silberner Bär Großer Preis der Jury
TAXI von Jafar Panahi

Silberner Bär Alfred-Bauer-Preis für einen Spielfilm, der neue Perspektiven eröffnet
VICTORIA von Sebastian Schipper

Silberner Bär für die Beste Regie
Laura Bispuri für VERGINE GIURATA

Silberner Bär für die Beste Darstellerin
Alba Rohrwacher für VERGINE GIURATA

Silberner Bär für den Besten Darsteller
Elmer Bäck für EISENSTEIN IN GUANAJUATO

Silberner Bär für das Beste Drehbuch
Małgorzata Szumowska und Michał Englert für BODY

Silberner Bär für eine Herausragende Künstlerische Leistung aus den Kategorien Kamera, Schnitt, Musik, Kostüm oder Set-Design
Sturla Brandth Grøvlen (Kamera) in VICTORIA

Aber was weiß ich schon?

Nina Simone war eine der besten Jazz- und Bluessängerinnen aller Zeiten. Sie wurde in den Sechziger Jahren auch eine Ikone der Civil Rights Bewegung in den Vereinigten Staaten. „She was one of the greatest live performers ever, hands down“, sagt ihre Tochter Lisa Simone Kelly im Dokumentarfilm von Liz Garbus. Trotzdem war Nina Simone nicht das, was sie sein wollte: eine klassisch ausgebildete Pianistin, die die großen Werke klassischer Komponisten interpretiert. Bach ist der Komponist, den sie in Interviews nennt. „I wanted to play Bach.“ Und die Enttäuschung, dass sie damit kein Publikum fand, hört man sogar noch in den Interviews, die ein wichtiger Baustein des Films sind.

Ins Zentrum stellt die Regisseurin Nina Simones Stimme – ihre Sprechstimme ist genauso unverwechselbar wie die Singstimme. Dazu kommt die Musik und ihr Klavierspiel und zum Glück gibt es viele Ausschnitte, die gerade ihrem außergewöhnlichem Können am Klavier gerecht werden. Denn das war immer da, wie die Aufnahme eines späten Auftritts in einem Rotterdamer Club beweist, den Simone in ihrer charakteristischen Offenheit als „heiß und hässlich“ beschreibt. Ihr Gesang litt unter den Medikamenten, die sie gegen ihre Depressionen nehmen musste. Trotzdem hatte ihr Gesang noch immer Ausdruck und die langen Improvisationen am Klavier waren überraschend und genial.

Schon früh hatte Nina Simone erfahren, dass man ihr keine Karriere als klassische Pianistin zutraute. Da hieß sie noch nicht Nina Simone, sondern Eunice Waymon. Nach jahrelangem Klavierunterricht in North Carolina studierte sie ein Jahr an der Juillard School of Music in New York, aber an der renommierten Curtis Institute of Music in Philadelphia gab man ihr kein Stipendium. Also spielte sie Jazz in Atlantic City und sang nach kurzer Zeit auch, weil man sie sonst nicht weiter engagiert hatte. Das war 1954, Nina Simone war gerade einmal 21 Jahre alt und trug einen wichtigen Teil zum Einkommen ihrer Eltern und Geschwister bei.

Ihr Erfolg begann 1958, als ihre Version von George Gershwins „I loves you, Porgy“ und das darauffolgende Debut-Album „Little Girl Blue“ ein Hit wurden. Es folgten zahlreiche Studio und Live-Alben, darunter 1964 „Nina Simone in Concert“. In den Songs „Old Jim Crow“ und vor allem „Mississippi Goddam“ zeigte die Songwriterin Simone, dass sie auch eine politische Meinung hatte. Die vertrat sie mit Vehemenz. „She told Dr. King I’m not a non-violent person“, sagt ihr langjähriger Gitarrist und Musical Director Al Schackman in einem der vielen Interviews. „Mississippi Godddam“ spielt sie auch da, wo es gefährlich und wichtig war ihn zu spielen, so auch auf einem Selma-to-Montgomery-Märsche in Alabama 1965. Die Archivaufnahmen zeigen sehr deutlich, wie gefährlich das war. Im Civil Rights Movement gehörte sie zu den radikalen Stimmen. Das zeigt auch der Film deutlich. Die Energie, mit der sich Simone für ihre Ziele einsetzte, hat mit den lauen Benefizaktionen von Musikern nichts zu tun. Dass dieses Engagement auch ihrer Karriere schadete, war Simone egal.

Es gab die Musik, es gab das politische Engagement, aber Liz Garbus klammert auch das Privatleben von Nina Simone nicht aus. Das sind sicher die traurigsten Momente im Film. In den Siebziger Jahren geht Simone erst nach Barbados. Es folgt eine unglückliche Zeit in Liberia. Ihre Tochter Lisa Simone Kelly begleitete sie nach Liberia und ging dort ein Jahr zur Schule. Aus ihren berichten wird deutlich, wie schlecht es ihrer Mutter bereits damals psychisch ging und in welcher Gewalt sich das äußerte. Lisa Simone Kelly zog wieder zu ihrem Vater in die USA.

Nina Simone selbst ging zunächst in die Schweiz, dann nach Paris. Aufnahmen aus den frühen Achtziger Jahren zeigen sie in einem fürchterlichen körperlichen und geistigen Zustand. Der Film beschönigt hier nichts. Eine Besserung gibt es erst, als ihr Freunde in Paris helfen. Ein Arzt diagnostiziert eine bipolare Störung. Medikamente haben Nebenwirkungen, die man bei ihren Auftritten sehen und hören kann. Aber sie kann wieder auftreten und das Publikum, vor allem in Europa, will sie sehen. Noch im Jahr 2002 gab sie Konzerte. Nina Simone starb am 21. April 2003 kurz nach ihrem 70. Geburtstag an Brustkrebs in Frankreich. Zwei Tage zuvor hatte ihr das Curtis Institut in Philadelphia, das sie ein halbes Jahrhundert zuvor abgelehnt hatte, ein Ehrendiplom verliehen. Wie heißt es im Englischen? Too little, too late.

Sergej Eisenstein scheiterte 1930 mit Filmprojekten in Hollywood und ging anschließend nach Mexiko, um das Revolutionsdrama Que Vivo Mexico? zu filmen. Financiers waren eine Gruppe von Privatleuten um den Upton Sinclair und seine Frau Mary. Der Film sollte eine Art Reisebericht werden. Peter Greenaway liefert eine fiktive und vor allem hoch subjektive Erzählung von Eisensteins Aufenthalt in Guanajuato vom 21. Bis 31. Oktober 1931. In diesen zehn Tagen dreht sich für den Regisseur alles um zwei Dinge, die Menschen von jeher beschäftigen: Sex und Tod.

Eisenstein kam nach Mexico nach einer riesigen Enttäuschung: Hollywoods Paramount Studio hatte mit ihm einen Halbjahresvertrag zur Entwicklung von Filmstoffen ab. Im Mai 1930 reiste der Regisseur in die USA. Er traf Filmgrößen wie Chaplin, Disney, Griffith und Vidor. Die Projekte einer Verfilmung von Sutter’s Gold und des Theodore Dreiser Romans An American Tragedy scheiterten allerdings. Für das Dreiser-Projekt lieferte Eisenstein im Oktober 1930 sogar ein Drehbuch. Aber wenig später löste das Studio den Vertrag auf. Ob es vor allem am Drehbuchentwurf oder an der antikommunistischen Stimmung in den USA lag, wer weiß. Greenaways Sergej Eisenstein (Elmer Bäck) befindet sich bei seiner Ankunft in Guanajuato in einer manischen Stimmung, die zwischen Chaos und Kreativität oszilliert. Ebenso schwankt sein Benehmen zwischen dem eines ganz liebenswerten aber zeitweise böswilligen Kindes und dem eines manisch-depressiven Clowns.

Peter Greenaway wählt dazu die passende Bebilderung: Split Screens, Jump Cuts mit Wiederholungen, aber vor allem eine farbenfrohe und teils surreale Ausstattung. Großartig sind das Matte Painting der Stadtansicht oder auch die Figur des blinden und tauben Glöckners, der aussieht wie ein um den Verstand gebrachter Maya-Priester. Hinzu gesellen sich Bilder von Berühmtheiten wie Chaplin, von mexikanischen Revolutionären, von Eisensteins pornographischen Kritzeleien und Ausschnitte aus Eisensteins Filmen.

Mit dem Sex ist es zunächst nicht soweit her. Der nackte Eisenstein springt unter der Dusche herum und spricht mit seinem Schwanz. Allerdings stellt sich heraus: Sergej ist eine Jungfrau. Rettung naht in Form von Eisensteins Reisebegleiter Palomino Cañedo (Luis Alberti). Cañedo ist Lehrer für Vergleichende Religionswissenschaft und hat Frau und zwei Kinder, aber er schaut Eisenstein an, wie eine Schlange das Kaninchen. Der Tod ist in Mexico allgegenwärtig. Alles bereitet sich während des Aufenthalt von Eisenstein auf den Día de los Muertos, den Tag der Toten, vor. In der Zeit vom 31. Oktober bis zum 2. November gedenken die Mexikaner der Toten, Kinder springen in Skelettkostümen herum und verzehren buntes Zuckerzeug in Totenschädelform.

Sex und Tod stehen also bereit und Greenaway steuert seinen Film auf einen Höhepunkt zu. In einer Gewitternacht schreitet Cañedo mithilfe einer großzügigen Portion Olivenöl zur Entjungferung. Der quiekende Eisenstein ziert sich etwas, findet dann aber Gefallen an den Penetrationskünsten des Mexikaners. Der Regisseur Eisenstein ist so glücklich wie nie zuvor. Nach dem doppelsinnigen Höhepunkt dieser ausgedehnten Fickszene hat der Regisseur Greenaway allerdings ein Problem: Die Luft aus seiner Geschichte ist raus. Der Film schleppt sich so dahin. Der Streit mit den Sinclairs um die Filmfinanzierung weckt trotz einer schwindelerregenden minutenlangen Kreisfahrt der Kamera wenig Interesse. Den Film Eisenstein in Guanajuato erfasst genauso das Siechtum, wie das Filmprojekt Que Vivo Mexico?. Die Handlung versandet, Greenaways Ideen zünden nicht mehr, der Film verliert an Tempo und Spannung. Die letzte halbe Stunde ist schlicht überflüssig. Die Zeit in Mexiko geht zu Ende. Im richtigen Leben muss der Regisseur Eisenstein nach einem weiteren einmonatigen Aufenthalt in den USA wieder ins stalinistische Moskau zurück. Eros hat die Ekstase gebracht, aber Thanatos hat gesiegt – wie immer.

POD ELECTRICHESKIMI OBLAKAMI ist kein Film, deshalb ist dies keine Filmkritik. Die 130 Leinwandminuten nutzt der Regisseur Alexey German jr. nicht um eine Geschichte zu erzählen, sondern lediglich, um eine Ansammlung von Metaphern, Symbolen und Konzepten vorzuführen, die in ihrer Plattheit und Fülle ermüdend sind. Die Handlung des Films ist keine Handlung, sondern nur die Behauptung einer Handlung. Die Charaktere des Films sind keine Charaktere, sondern Platzhalter, die hin- und hergeschoben werden. Die Dialoge sind keine Dialoge, sondern ein Generalbass in Form eines bedeutungsschwangeren Raunens ohne Bedeutung. Die Leinwandminuten summieren sich zu 130 Minuten verlorener Lebenszeit.

Vier Priester und die Nonne Schwester Monica leben in einem heruntergekommenen Haus in einem armseligen Kaff irgendwo an der chilenischen Küste. Drei der Priester trainieren einen Greyhound für Rennen. Der Hund ist schnell und hat schon einiges an Preisgeld gewonnen. Dann schickt die Kirche Priester Matias, der auch in das Haus einziehen soll. Als die Schwester dem Neuankömmling die Hausordnung vorliest und der wütend protestiert, wird deutlich: Die Mitglieder dieser Priester-WG haben sich schwerer Vergehen schuldig gemacht und wurden deshalb von der Kirche an diesen einsamen Ort geschickt.

Plötzlich taucht vor dem Tor ein Bettler auf und veranstaltet ein riesiges Geschrei: Er beschuldigt Pater Matias und andere, dass sie ihn schwer missbraucht hätten, als er noch ein Junge war. Immer lauter beschreibt er in allen schmutzigen Details, wie ihn Matias penetriert habe. Die Priester und Schwester Monica geraten in Panik. Sie drücken Matias eine Pistole in die Hand und fordern ihn auf, den Bettler zu verscheuchen. Der Pater geht aus dem Haus, auf den Bettler zu – ein Schuss fällt. Matias bricht zusammen. Er hat sich mit einem Kopfschuss getötet. Die fünf ursprünglichen Insassen des Hauses stimmen sich ab und erzählen der Polizei einen Tatverlauf, in dem ein wichtiges Detail fehlt – der Bettler und seine Beschuldigungen.

Allerdings scheint die Kirche diese Selbstmordversion nicht zu glauben. Sie schickt den Ermittler Pater Garcia, der die Wahrheit herausfinden soll. Der smarte Pater Garcia sieht sich als Vertreter einer neuen Kirche. Eine der dunkelsten abgründigsten Geschichten, die ich seit langem im Kino gesehen habe, nimmt ihren Lauf. Über jeden der vier anderen Pater und auch über Schwester Monica hat Pater Garcia ein Dossier. Der Gründe für die Verbannung sind vielfältig: Missbrauch, Fehlverhalten als Militärpfarrer, Geldgier, Kindesmisshandlung. Pater Garcia schont niemand, von Reue ist allerdings wenig zu hören, jeder der Beschuldigten findet für sein Verhalten andere Erklärungen. Nach und nach kommt der Vermittler auf eine Spur. Seine Entdeckung setzen gewollte und viele ungewollte weitere Entwicklungen in Gang. Am Ende steht eines fest: Was Schuld ist, wie Reue und vor allem Strafe und Sühne aussehen, bestimmt die katholische Kirche immer noch selbst.

Regisseur Pablo Larraín ist ein beklemmendes Filmdrama gelungen, das emotionale Wucht hat und trotzdem mit großer analytischer Tiefe zeigt, wie die Machtsysteme Religion und Kirche und der menschliche Glaube Werte wie die Menschlichkeit, die Vernunft oder die Rechtsstaatlichkeit außer Kraft setzen. Dieser Klub wird sich nie ändern.

Der Bass pumpt, das Stroboskoplicht blendet und Victoria (Laia Costa) tanzt. Victoria ist mitten drin am Berliner Nachtleben und wir auch – durch das Kameraauge von Sturla Brandth Grøvlen. In den nächsten 140 Minuten gibt es keinen Schnitt. Danach hat sich alles verändert für Victoria aus Madrid und die vier Berliner Mackertypen Sonne, Boxer, Blinker und Fuß. Die trifft Victoria morgens um vier vor dem Club und lässt sich von Sonne bequatschen, „real Berlin, we’ll show you“ zu erleben.

Die fünf ziehen weiter auf ein Dach. Die Jungs geben an und erzählen ein bisschen von sich. Boxer (Franz Rogowski) war mal im Knast „because I smashed someone“. Aber Boxer ist ein „good guy“. Das findet auch Victoria. Dann nimmt Victoria Sonne (Frederick Lau) mit in das Café, in dem sie arbeitet und das sie in zum Frühstück öffnen soll. Sonne baggert Victoria unbeholfen an, aber Victoria gefällt das. Plötzlich stehen die drei anderen Jungs wieder vor der Tür. Sie wollen ganz offensichtlich ein krummes Ding drehen. Dabei wissen sie noch nicht mal genau, worum es geht und wer eigentlich ihr Auftraggeber ist. Weil das Geburtstagskind Fuß besoffen ausfällt, soll Victoria den Wagen fahren. Es geht ja nur um ein erstes Treffen. Es ist alles ganz harmlos. Victoria macht mit. Eine kurze Autofahrt, das Tor einer Tiefgarage öffnet sich, dahinter stehen finstere Typen mit Knarren. Der Auftrag ist ein Bankraub, mit dem Boxer Schutzgeld aus Knastzeiten begleichen soll. Wann soll die Sache steigen? Sofort natürlich, noch im Morgengrauen.

Sonne, Boxer und Blinker bekommen Waffen. Die Gangster geben ihnen und auch Victoria ein paar Drogen – das gibt Mut und macht aggressiv. Dann setzen sich die vier in das Auto und fahren los. Fuß pennt im Laderaum weiter seinen Rausch aus. Regisseur Sebastian Schipper schickt uns und seine Protagonisten auf eine Reise, die auch ein Trip ist. Der zieht uns in die Geschichte des Irrsinns, der immer plausibler wird. Bis auf ein paar Plot-Details funktioniert der Film bestens. Die häufig improvisierten Dialoge sitzen, die Digitalkamera ist dynamisch ohne zu nerven und die Situation wird immer auswegloser.

Schipper hat mit VICTORIA viel gewagt und viel gewonnen. Dreimal hat er den Film von seinen Darstellern in einem Rutsch durchspielen lassen. Den letzten Durchgang sehen wir jetzt auf der Leinwand. Kino ist nicht mehr oft so spannend, schon gar nicht bei der Berlinale. Dieser Film ist aufregend.

Wer hätte das gedacht: Werner Herzog macht einen epischen Liebesfilm. Er macht das sehr gut. QUEEN OF THE DESERT ist unterhaltsam, gut erzählt und brillant gefilmt. „Watching a master tackling something new“, sagte Nebendarsteller James Franco in der Pressekonferenz zu seinen Erfahrungen beim Dreh. Die Königin der Wüste ist die englische Historikerin, Archäologin und Diplomatin Gertrude Bell (Nicole Kidman). Sie flieht Anfang des 20. Jahrhunderts aus der Ödnis und der Enge des viktorianischen Englands in den Mittleren Osten.

Zu dieser Flucht gibt es keine Alternative: Gertrude Bell sieht sehr gut aus, ist intelligent und hat eigene Pläne. Das bringt ihr im England kurz nach 1900 eine denkbar schlechte Position auf dem Heiratsmarkt ein. Debile Jungaristokraten schwärmen ihr entweder von Rinderherden vor und wollen sie auf eine schnelle Nummer in der Scheune einladen oder prahlen mit ihren Jagderlebnissen in den Kolonien. Gertrude weiß erstens mehr über die Kolonien als ihre Tanzpartner und hat zweitens eine scharfe Zunge. Ihre Möchtegernkavaliere dagegen sind sogar zu dumm, um ihre Ironie zu verstehen.

Gertrude geht an die britische Botschaft nach Teheran. Dort verliebt sie sich in den Botschaftssekretär Henry Cadogan (James Franco), der ihre Interessen für persische Kultur und die Geschichte des Mittleren Ostens teilt. Er macht Gertrude einen Heiratsantrag, aber die Liebe findet ein tragisches Ende. Werner Herzog findet dafür beeindruckende Bilder ohne Green-Screen-Kaspereien und die poetische Sprache, die auf der Korrespondenz seiner Hauptfigur beruht. Das ist zwar emotional, aber driftet nicht ins Peinliche ab. Weil Herzog eben Herzog ist, nutzt er zur Bebilderung einer Liebeserklärung die Überreste einer Luftbestattung nebst Geiern.

QUEEN OF THE DESERT wird getragen von der Hauptfigur und damit seiner Hauptdarstellerin. Mit Ausnahme des Auftakts ist Nicole Kidman in jeder Szene zu sehen. Werner Herzog zelebriert ihre Leinwandaufritte, wie es die Hollywoodfilme der guten alten Zeit getan haben. Nicole Kidman sieht immer gut aus, ob in Scheichpalästen, Beduinenzelten oder auf dem Dromedar. Dabei hilft es ungemein, dass der Drehbuchautor Herzog für die Bilder des Regisseurs Herzog eine intelligente Story geschrieben hat. Gertrude Bell ist eine Frau, die Ziele hat, die etwas erreichen will, und die allein entscheidet, welche Risiken sie eingeht. Auch wenn das die zunehmend inkompetenten Politiker, Beamten und Soldaten des untergehenden British Empire in der unübersichtlichen Randzone des Ersten Weltkriegs zunehmend zur Verzweiflung bringt.

Gertrude Bell ist eine Frau, die ihre Motivation nicht aus enttäuschter Liebe, der Loyalität zu einem Mann oder anderen abgedroschenen Storylines weiblicher Filmfiguren zieht. Sie ist souverän, unabhängig, denkt analytisch und politisch. Gefühle, Liebe und Privates spielen darüber hinaus durchaus eine wichtige Rolle im Film. Andere Autoren und Regisseure können von Werner Herzog lernen, dass das auch ohne hanebüchenes Psychologisieren und schnöde Sentimentalität geht.

Die Berlinale hat die ersten Wettbewerbsfilme bekannt gegeben. Bären-Gewinner Terrence Malick zeigt seinen neusten Film KNIGHT OF CUPS. Die Hauptrolle spielt Christian Bale. In weiteren Rollen sind Cate Blanchett und Natalie Portman zu sehen. Die Produktionsfirma kündigt den Film mit der Tagline A man, temptations, celebrity, and excess an und gibt ansonsten nur preis, dass er im Movie Business spielt. Das macht Hoffnung, dass Malick nicht eine seiner versponnenen, pseudo-philosophischen Filmmeditationen in der Art von TREE OF LIFE vorlegt, sondern einen Film, der etwas mehr vom Hier und Jetzt handelt. Der KNIGHT OF CUPS ist eine Tarot-Karte, die den Ritter mit Pokal auf einem Schimmel zeigt. Ebenfalls im Wettbewerb starten die deutsch-französische Koproduktion ALS WIR TRÄUMTEN von Andreas Dresen und Peter Greenaways EINSTEIN IN GUANAJUATO.

Ramasan (Ramasan Minkailov) ist elf Jahre alt. Vor sechs Jahren ist er mit seiner Mutter Aminat (Kheda Kazieva) und seinen beiden kleinen Schwestern aus Tschetschenien geflohen. Jetzt lebt er mit ihnen in einer Wohnanlage am Rand von Wien mit anderen Flüchtlingsfamilien. Ramasans Vater ist im Tschetschenienkrieg ums Leben gekommen. Fotos von ihm hängen wie in einer Art kleinem Schrein in der Wohnung der Familie, zusammen mit einem verzierten Krummsäbel. Dann taucht Isa (Aslan Elbiev) auf. Ein Freund des Vaters, der mit ihm im Krieg gekämpft hat. Bei sich hat er eine Uhr, die Ramasans Vater gehörte und ein Familienfoto.

Ramasan macht, was viele elfjährige Jungs machen: Unsinn, Fußball spielen, sich mit anderen Jungs messen. Aber oft muss er auch Verantwortung übernehmen: Er muss seine kleinen Schwestern vom Kindergarten abholen, wenn seine Mutter arbeitet und er muss bei Behördengängen übersetzen, weil er viel besser Deutsch spricht als sie. Mit Isa hat Ramasan auf einmal so etwas wie eine Vaterfigur. Isa kann Sachen reparieren, schnitzen und er ist bereit Ramasan zu zeigen, wie das geht. Bald verbringen die beiden viel Zeit miteinander. Doch als Isa erzählt, dass er und Ramasans Vater sich im Krieg auch „dumm“ verhalten hätten, schlägt die Bewunderung des Jungen in Wut um. Dass jemand das Idealbild seines Vaters angreift kann er nicht ertragen. Seine Verwirrung wird noch größer, als er durch Zufall ein Gespräch seiner Mutter belauscht und etwas über seinen Vater erfährt, was kein Junge über seinen Vater wissen will.

Der österreichische Beitrag der Regisseurin Sudabeh Mortezai ist eine von mehreren Coming-of-Age-Geschichten im diesjährigen Wettbewerb. Ihre ersten beiden Langfilme CHILDREN OF THE PROPHET und IM BAZAR der GESCHLECHTER waren Dokumentationen und auch ihr erster Spielfilm setzt auf eine dokumentarische Ästhetik. Sie hat ausschließlich mit cecasteten Laienschauspielern gedreht. Das hat Vor- und Nachteile: Gerade die Hauptfiguren werden so eindringlicher und authentischer, das gilt besonders für das Zusammenspiel von Ramasan Minkailov, Aslan Elbiev und Kheda Kazieva. In einigen Szenen werden aber auch die Grenzen eines Laienensembles sehr deutlich, was den Zuschauer immer wieder kurz aus dem Film wirft. Trotz dieser Schwächen ist MACONDO ein spannender, detailreicher Film. Er zeigt, mit welchem Druck ein Elfjähriger fertig werden muss, wenn er nicht nur früh Verantwortung übernehmen muss, sondern auch noch mit den überhöhten Männerbildern fertig werden muss, die ihm seine Umgebung vorlebt. Und es ist auch sehr gelungen, wie Mortezai vermittelt, dass die Tatsache Flüchtling zu sein, diesen Druck noch erhöht. In dieser Situation können ganz normale Fehler eines Elfjährigen weitreichende Auswirkungen haben. Das Schönste an MACONDO ist die Schlussszene: Eine Szene ohne Worte, deren Botschaft sehr komplex, trotzdem verständlich und vor allem hoffnungsvoll ist.

Die Zuschauer haben entschieden: Der Panorama-Publikumspreis für den besten Spielfilm geht in diesem Jahr an DIFRET und der für die beste Dokumentation an DER KREIS. In DIFRET zeigt Regisseur Zeresenay Berhane Mehari die Geschichte der 14-jährigen Hirut. Sie wird, wie es Brauch ist, von der Familie ihres zukünftigen Bräutigams entführt. Sie wehrt sich und erschießt ihren zukünftigen Mann. Der Film hat vor einigen Wochen bereits den Publikumspreis beim Sundance Festival gewonnen. DER KREIS, die filmische Dokumentation von Stefan Haupt, blickt zurück auf die Geschichte der Schweizer Schwulenorganisation Der Kreis. Mitte der Fünfziger Jahre tritt der junge Lehrer Ernst Ostertag dem Interessenverband bei. Er lernt dort den Travestie-Star Röbi Rapp kennen und verliebt sich in ihn.

von Tiziana Zugaro und Steffen Wagner

BOYHOOD von Richard Linklater ist ein einzigartiger Versuch: Die Langzeitbeobachtung einer Familie. Nicht als Dokumentation, das hat es schon öfter gegeben, sondern als Spielfilm. Im Zentrum steht der sechsjährige Mason (Ellar Coltrane). Mit seiner Mutter Olivia (Patricia Arquette) und seiner Schwester Sam (Lorelei Linklater) lebt er in einer Kleinstadt in Texas. Wir lernen Mason als verträumten Jungen kennen, der von seiner älteren Schwester bevormundet wird, sich aber, wenn es sein muss, gut wehren kann. Die Mutter hat sich schon vor längerer Zeit vom Vater Mason sr. (Ethan Hawke) getrennt. Linklater hat den Film über einen Zeitraum von zwölf Jahren mit seinem festen Schauspielerensemble gedreht. Mason und Sam wachsen also auf der Leinwand auf. Die dabei notwendigen Zeitsprünge inszeniert Linklater so geschickt, dass sie nicht als Brüche wahrnehmbar sind. Es entsteht ein Handlungsstrom, der uns über 164 Minuten nicht mehr loslässt.

Zu Beginn des Films kommt der Vater nach längerer Zeit aus Alaska nach Houston zurück – ein großes Ereignis für Mason und Sam. Als er plötzlich in seinem bestens gepflegten alten Sportwagen vor der Haustür steht, ist er für die Kinder der Held. Im Lauf der Jahre wird klar, dass der Vater mehr ist als der Wochenend-Daddy im coolen Sportwagen. Mason sr. baut zu Mason jr. Ein gutes Verhältnis auf und bleibt für beide Geschwister ein wichtiger Fixpunkt.
Das Leben geht weiter und für Mason und Sam ist es so wie für alle Kinder: Die wichtigen Entscheidungen im Leben treffen die Eltern. Die Mutter nimmt ihr Psychologie-Studium wieder auf und schließt es mit Erfolg ab. Außerdem heiratet sie einen Professor und alleinstehenden Vater von zwei Kindern. Einige Zeit geht die Beziehung gut. Die Kinder kommen nach kurzer Eingewöhnung gut miteinander klar. Das Familienleben funktioniert. Dann beginnt der neue Ehemann zu trinken und die Harmonie endet in der Eskalation. Auch der nächste Ehemann macht zunächst einen guten Eindruck, kommt dann aber mit seinem Leben als Kriegsheimkehrer nicht zurecht. Auch er beginnt zu trinken und ist irgendwann aus dem Leben von Olivia und den Kindern verschwunden.

Die Langzeitstudie über das Familienleben zeigt vor allem eines: Ungeplantes und Krisen sind im Leben der Normalfall. Mutter und Mason sr. machen viele Fehler, aber noch mehr richtig. Daraus folgt die zweite wichtige Erkenntnis: Kinder sind glücklicherweise anpassungsfähig und krisenfest. Denn obwohl Mason und Sam schwierige Situation erlebt haben, manövrieren sie ziemlich erfolgreich durch ihr eigenes Leben und ihre eigenen Krisen.

Besonders faszinierend ist, wie Linklater uns ganz nebenbei die Zeitsprünge vermittelt: Anhand der Computergames, die die Kinder spielen, an der Musik, die sie hören, den Frisuren und Klamotten. Irgendwann ist Wahlkampf, und Mason sr. und jr. Verteilen in Texas (!) Obama-Wahlkampfschilder in Vorgärten – und klauen dabei schon mal das eine oder andere McCain-Schild. Allmählich formen sich die Kindergesichter zu denen von Erwachsenen, manche Charaktere machen überraschende Wandlungen durch: Die anfangs wahnsinnig dominante und überdrehte Sam wird zu einem geradezu zurückhaltenden Teenager, während sich bei Mason das Verträumte als Konstante durch seine Kindheit und sein Teenagerleben ziehen wird. Linklater muss ein erstaunliches Gespür für seine jungen Protagonisten an den Tag gelegt haben – denn man hat das Gefühl, dass die Rollen auf eine subtile Weise mit den Schauspielern mitwachsen.

Auch wenn das Hauptaugenmerk auf den Kindern liegt: Auch die Erwachsenen entwickeln sich auf faszinierende Art und Weise weiter. Aus dem jungenhaften Cowboy-Typ Mason sr. wird ein bodenständiger und reflektierter (Zweit-) Familienvater, die am Rande des Existenzminimums herumwerkelnde Olivia wird zur seriösen College-Lehrerin.

Sehr schön fasst Mason sr. zum Schluss seinem Sohn gegenüber seine Sicht auf das Leben und seine Herausforderungen zusammen. Und in diesem Moment spricht aus ihm vermutlich auch Linklater selbst: „Wir wissen nicht genau, was das Leben eigentlich bedeutet, aber wir versuchen, es von Tag zu Tag so gut wie möglich zu meistern.“ Dieser kleinen Patchwork-Familie genau dabei zusehen zu dürfen, ist ein großes Glück.

In ALOFT beginnt die Regisseurin Claudia Llosa, eine originelle Geschichte zu erzählen: Im Zentrum stehen der Wunsch nach Heilung und die Verzweiflung von unheilbar Kranken, die auf eine letzte Chance hoffen. Diese Chance verspricht ein „Architekt“ genannter Mann, der aus natürlichen Baumaterialen Kunstwerke schafft, die vermeintlich heilsame Fähigkeiten haben. Wenn die Geschichte zu Ende ist, versucht der entgeisterte Zuschauer, die Reste des ekelhaften Esoterikbreis, den Llosa angerührt hat, vom Teller zu kratzen und möglichst umweltgerecht zu entsorgen. Dieser Film ist unangenehm klebrig und liegt schwer im Magen.

Nana (Jennifer Connelly) ist Mutter von zwei Söhnen. Gully, der jüngere von beiden, leidet unter einem unheilbaren Tumor. Der ältere Bruder Ivan, er ist vielleicht acht oder neun Jahre alt, muss deswegen schon früh Verantwortung übernehmen. Außerdem nimmt die Sorge um Gully und die Suche nach einer wirksamen Behandlung im Leben von Nana den zentralen Platz ein. Auch sie sucht Hilfe beim Architekten. Der aber entdeckt durch einen Zufall, dass Nana über Heilkräfte verfügt. Sie sträubt sich zunächst, beginnt dann aber doch, diese Kräfte einzusetzen. Veranstaltet werden diese heilsamen Sessions als eine Art Mischung zwischen Kunstperformance und Naturritual im Wald. Ivan, der im Auto warten und auf seinen kleinen Bruder aufpassen soll, macht eines Tages einen tragischen Fehler. Das Auto stürzt in einen See und Gully stirbt. Wenig später entschließt sich Nana, ihrer Berufung als Heilerin zu folgen. Sie lässt Ivan bei ihrem Vater zurück und wirkt nun als Heilerin irgendwo nördlich des Polarkreises.

ALOFT hat einige Zutaten eines guten Films: der Schauplatz ist das karge aber beeindruckende Manitoba. Der Plot um das unbedingte Auskosten der letzten Überlebenschance einerseits und dem nagenden Zweifel andererseits, wird spannend entwickelt. Auch die Zeitsprünge zwischen Ivans Kindheit und seinem Leben in der Gegenwart 20 Jahre später als Familienvater sind handwerklich gut gearbeitet. Dann beginnen die Probleme: Bei der Bebilderung trägt Claudia Llosa dick auf - der Wald rauscht, das Eis knackt und der ältere der beiden Söhne hat vom verstorbenen Vater das Hobby der Falknerei übernommen. Wo Falken vor malerischen Himmeln und über schneebedeckten Landschaften kreisen, ist es von einer Metapher zur nächsten nie weit.

Ein Bruder tötet den anderen, eine Mutter verlässt den Sohn, um Kunst und Natur als Heilkraft zu kombinieren – Claudia Llosa bläst diesen Film emotional auf wie einen Heißluftballon. Immer abstruser wird es, wenn sich Ivan (Cillian Murphy) mit der Journalistin Ressemore (Mélanie Laurent) – sie ist todkrank, wie Ivan und die Zuschauer später erfahren – auf den Weg zur Wunderheilerin in den hohen Norden macht. Die Begegnung zwischen Mutter und Sohn ist dann einfach bizarr. Ein bisschen Gebrülle und ein paar Tränen vom Sohn, einige salbungsvolle Worte über Liebe, Heilung und die Kraft der Vergebung von der Mutter – schon liegen sie sich in den Armen. Die Hoffnung, die ALOFT bietet, ist die der billigen Tröstung durch selbsternannte Propheten und andere Scharlatane. Vor soviel Willen zur aufgeblasenen Esoterik muss der Verstand weichen. Am Ende hat der emotionale Heißluftballon nur einen warmen Furz abgelassen.

Dass die Wahrheit das erste Opfer des Krieges ist, ist ein Klischee. Ein Klischee muss ja nicht falsch sein. In Deutschland üben sich Politiker, Journalisten und die so angenehm anonyme Öffentlichkeit in Zeiten des Krieges gerne im Verschweigen und Beschönigen. Da hat es die Wahrheit auf jeden Fall nicht leicht. Das Wort Krieg zu Beispiel nehmen sie gar nicht gerne in den Mund, wenn sie darüber sprechen, was die Bundeswehr in Afghanistan tut oder, um einmal etwas genauer zu werden, was die 2.906 Männer und 202 Frauen tun, die momentan das deutsche Kontingent der International Security Assistance Force (ISAF) in Afghanistan und Usbekistan stellen. ZWISCHEN WELTEN zeigt den Alltag deutscher und afghanischer Soldaten – im Film treten nur Soldaten auf – die an einem Außenposten ein afghanisches Dorf vor den Taliban schützen sollen. Im Mittelpunkt stehen der deutsche Hauptmann Jesper (Ronald Zehrfeld) der afghanische Kommandant Haroon (Abdul Salam Yosofzai) und der junge afghanische Übersetzer Tarik (Mohsin Ahmady) und seine Schwester Nala (Saida Barmaki).

ZWISCHEN WELTEN ist ein Film über den Krieg und über die Menschen, die ihn führen. Hauptmann Jesper meldet sich freiwillig für seinen zweiten Einsatz in Afghanistan. Sein Motiv ist offensichtlich sehr persönlich. Sein Bruder ist bei einem Afghanistan-Einsatz ums Leben gekommen. Offensichtlich ist auch, dass Jesper nicht der ideale Mann ist, um Männer im Einsatz zu kommandieren. Nach der Ankunft am Außenposten handelt er nervös und findet besonders im Umgang mit dem afghanischen Kommandant Haroon keine klare Linie. Schnell wird deutlich, wie begrenzt die Möglichkeiten von Jesper und seinen Soldaten sind, um die Sicherheit in dem afghanischen Dorf zu verbessern. Das liegt an verschiedenen Dingen: Kulturelle Unterschiede zwischen Afghanen und Deutschen führen zu gefährlichen Missverständnissen und die militärischen Mittel der Bundeswehrsoldaten sind sehr begrenzt. Vielleicht am wichtigsten ist: Die Unterschiede zwischen dem politischen Mandat, dem militärischen Auftrag und der Realität am Außenposten sind enorm. Jesper steht vor dem Dilemma, kaum eigene Entscheidungskompetenz zu haben. Er muss sich immer mit seinen Vorgesetzten abstimmen. Er kann zum Beispiel nicht einmal dafür sorgen, dass sein eigener Übersetzer, der von den Taliban bedroht wird, Asyl in Deutschland bekommt.

Jesper steht ständig vor Entscheidungen. Die verwirrende Lage an dem Dorf macht es ihm schwer zu entscheiden, was das Richtige ist. Schlimmer noch, wenn er für sich entschieden hat, was das Richtige ist, kann er oft nicht danach handeln, weil seine Vorgesetzten ihm andere Befehle geben. Der Krieg verändert moralische Maßstäbe. Die Struktur einer Armee und das Prinzip von Befehl und Gehorsam verändern jede Entscheidungssituation. Und Entscheidungen im Krieg finden unter Bedrohung statt und haben oft mit Leben und Tod zu tun. Das erste Opfer des Krieges ist die Gewissheit über richtig und falsch, im praktischen wie im moralischen Sinn, das ist die Botschaft von ZWISCHEN WELTEN. Über allem schwebt die Frage: Was bringt dieser Krieg? Jespers steht am Ende vor einer zugespitzten Entscheidungssituation in der nur eines klar ist: Er kann nicht nicht entscheiden.

Feo Aladag bringt dieses Dilemma und die Situation in Afghanistan eindrucksvoll auf die Leinwand. Nicht zuletzt, weil sie in Afghanistan in Mazar-I-Sharif und Kundus gedreht hat und nicht an einer künstlichen Location. Das Ensemble von deutschen Schauspielern, afghanischen Schauspielern und afghanischen Laien unterstützt diese Authentizität. Besonders beeindrucken dabei Mohsin Ahmady und Saida Barmaki in ihren ersten Rollen. Die Eindringlichkeit des Films macht den manchen Punkten zu stark konstruierten Plot wett. Zum Beispiel gibt es eine Bruder-Bruder-Geschichte auf deutscher Seite und eine Bruder-Schwester-Geschichte auf afghanischer Seite. Auch das Jespers seine Motivation aus dem Tod seines Bruders zieht, überfrachtet die Figur eher als dass es ihr hilft. Aber trotz dieser und anderer kleiner Schwächen: Feo Aladag hat einen Film gemacht, der echtes Kinoformat und Qualität hat. Mal sehen, ob sich das deutsche Publikum für den Film und das Thema Afghanistan interessiert. Denn das Thema des Afghanistan-Einsatzes spielt in der Öffentlichkeit keine Rolle, auch wenn die Bundeswehr dort seit zwölf Jahren im Einsatz ist und mehr als 120.000 Soldatinnen und Soldaten im Dienst waren.

Norwegen – die Landschaft ist weiß, der Humor schwarz und ab und zu kommt noch der eine oder andere Liter rotes Blut hinzu. Mit KRAFTIDIOTEN beweist Hans Petter Moland einmal mehr, dass die Nordländer Genrekino einfach besser können. Hier die Story in einem Satz: Ein Vater rächt den Tod seines Sohnes mit einem Ein-Mann-Feldzug gegen die norwegische Drogenmafia. Aus dieser schlanken Storyline sollte man keineswegs schließen, dass der Film eindimensional ist. Weitere wichtige Themen, mit denen sich der Film auseinandersetzt, sind: gesunde Ernährung, Probleme des norwegischen Sorgerechts, Rassismus und die Vorzüge des norwegischen Wohlfahrtsstaates.

Am Anfang ist die Idylle. Nils (Stellan Skarsgård) hat einen in Norwegen verdammt wichtigen Job: Er ist Schneeräumer. In Norwegen heißt das nicht, dass er mit dem Besen durch die Gegend läuft oder eines dieser lächerlichen Gefährte steuert, mit dem die Berliner Stadtreinigung im Winter mit Salz und Sand um sich wirft. Nils manövriert eine Schneefräse, die eher an einen Schaufelradbagger als an einen LKW erinnert. Das Ungetüm hat 2.000 PS und wirft (Oder bläst? Zur Klärung kontaktieren Sie bitte einen freundlichen Norweger Ihres Vertrauens.) den Schnee bis zu 35 Meter weit. Wegen seines vorbildlichen Einsatzes gegen den weißen Teufel Schnee küren seine Mitbewohner Nils zum Bürger des Jahres – und das obwohl er Däne ist. Denn er könnte auch genau so gut ein Norweger sein, wie ihm ein freundlicher Nachbar und Vertreter der Bauernpartei versichert.

An diesem Punkt greift das Schicksal ein: Der Sohn von Nils wird tot auf einer Bank am Flughafen gefunden: Überdosis. Der einzige, der nicht glauben will, dass er ein Junkie war, ist Nils. Mit etwas Glück und einem Naturtalent zur gezielten Gewaltanwendung gerät Nils auf eine Spur, die ihn Leiche für Leiche immer näher an die ganz Großen des norwegischen Drogenmarktes bringt. Den teilen sich Greven (Pål Sverre Valheim Hagen) ein stilbewusster veganischer rassistischer Norweger und Papa (Bruno Ganz) der Stammvater eines serbischen Mafia-Clans.

Diese norwegisch-dänisch-schwedische Koproduktion zeigt, wie Gangsterkomödien funktionieren. (Warum kann das in Deutschland eigentlich niemand? Meine Antwort: Weil es in Deutschland keinen Drehbuchautor mit Namen Kim Fupz Aakeson gibt.) Hans Petter Moland hat nach seiner schönen Komödie EN GANSKE SNILL MANN, die auf der Berlinale 2010 lief, noch einen Gang hochgeschaltet. Denn ein dänischer Schneeräumer, den Norweger zum Bürger des Jahres ernennen, lässt sich weder von einem unmoralischen dänisch-japanischen Killer, der für einen Chinesen gehalten wird noch von einem Fruit-Loops-verachtenden Narzissten mit einem Hang zum Sadismus von seinem Weg abbringen. KRAFTIDIOTEN, der schöne englische Titel lautet In Order of Disappearance, wird ein Genreklassiker werden.

Die Angst geht um in einer parkähnlichen eingezäunten Wohnanlage am Rande einer namenlosen Stadt irgendwo in Argentinien. Aber auch die Menschen, die in der Stadt wohnen, müssen mit einem ständigen Bedrohungsgefühl fertig werden. Der Sommer ist brütend heiß. Menschen verhalten sich seltsam. Vor allem – nichts funktioniert mehr so richtig: Der Lautsprecher des Hubschraubers, der zu Beginn der Films über die Stadt fliegt und die Menschen auffordert, die teils illegalen Siedlungen bis zu einem bestimmten Zeitpunkt zu verlassen, setzt immer wieder aus. Alarmanlagen im bewachten Wohnpark fangen grundlos an zu heulen und Aufzüge bleiben immer wieder stecken. Es ist eindeutig: Hier rottet eine Gesellschaft langsam vor sich hin, alle misstrauen einander und niemand fühlt sich sicher.

Benjamin Naishtat erzählt keine Geschichte im eigentlichen Sinne. HISTORIA DEL MIEDO vermittelt ein Gefühl. Es geht dem Film um Atmosphäre nicht um Narration. Die unterschwellige Bedrohung ist immer spürbar und manchmal äußert sie sich auch in Aggression und körperlicher Gewalt. Naishtat setzt den nervtötenden Lärm des Polizeihubschraubers, von Sirenen oder von Zügen ein, um diesen Eindruck noch zu verstärken. Im Fernsehen der Stadt laufen rätselhafte Sendungen – über Polizeieinsätze, die anscheinend lange zurückliegen oder über die Folgen eines vermeintlichen Meteoriteneinschlags. Der Zaun, der die Welt des Parks vom Rest der Stadt trennt hat etwas Lächerliches. Es gibt die, die im Park leben, die die in der Stadt in Appartementhäusern leben und diejenigen, die für diese beiden Gruppen arbeiten. Am Ende treffen bei einer Feier Vertreter dieser drei Klassen zusammen. Angst haben sie alle. Die Frage bleibt: Wovor eigentlich genau?

Naishtat behandelt in seinem Film ein uraltes Thema. Das macht nichts. Mit Themen wie Angst und sozialer Gewalt werden wir uns auseinandersetzen solange es Menschen gibt. Das Problem von HISTORIA DEL MIEDO ist: Naishtat findet keine neuen Bilder und keine neue Erzählweise für seine Themen. Gerade im Forum der Berlinale waren sehr ähnliche Filme schon oft zu sehen. Was also hat ausgerechnet dieser Erstlingsfilm im Wettbewerb verloren? Der Zuschauer hat nach fünf Minuten verstanden, worum es geht. Dann gibt es keine Entwicklung, keinen neue Konflikt, keine Überraschungen mehr. So vermittelt HISTORIA DEL MIEDO außer einem Gefühl der Angst vor allem ein Gefühl der Langweile.

Pater Weber bereitet Maria auf die Kommunion vor (Bild: Dietrich Brüggemann)

KREUZWEG ist ein Film der Strenge. Das wird schon deutlich bevor der eigentliche Film beginnt – beim Vorspann. In kleinen weißen kantigen Buchstaben taucht der Filmtitel auf dem ansonsten komplett schwarzen Hintergrund auf. Es gibt keine Musik, die Buchstaben bleiben unbewegt. Dann taucht genau so schlicht auf der Leinwand auf: „1. Station: Jesus wird zum Tode verurteilt“. Der Kreuzweg kann beginnen. Nach diesem Auftakt ist die Begeisterung, die Pater Weber (Florian Stetter) für seinen Kommunionsunterricht fast eine Erleichterung, seine
Worte allerdings weniger: Er klagt über „dämonische Rhythmen“ und andere Versuchungen. Er warnt vor Oberflächlichkeit, dem Wunsch anderen zu gefallen und Hochmut. Seine Botschaft an die Kinder: Mit der Kommunion werden sie zu Erwachsenen und sollen als „Soldaten Jesu“ dienen, um Gottes Wort zu verbreiten und – „mit einem Lächeln“ andere auf sündhaftes Verhalten hinzuweisen. Maria (Lea van Acken) nimmt an diesem Kommunionsunterricht mit großem Ernst teil. Nach dem Unterricht bleibt sie als Einzige sitzen und fragt den Priester, was sie tun könne, um ihr ganzes Leben Jesus zu opfern.

Maria ist ihre Religion wichtig, denn ihre Eltern sind Mitglieder in einer streng-konservativen katholischen Gemeinde, die von den fiktiven Paulus-Brüdern geleitet wird. Wer dabei jetzt an die an die Priesterbruderschaft Sankt Pius X. denkt, ist auf der richtigen Fährte. Pater Weber zum Beispiel geißelt die Neuerungen des Zweiten Vatikanischen Konzils. Er lehnt die Predigt auf Deutsch statt auf Latein und andere Modernisierungen der Kirche ab. Marias Mutter (Franziska Weisz) hat ähnliche Meinungen zum gemeinsamen Sportunterricht von Mädchen und Jungen, den es an Marias Schule gibt. Und natürlich auch zu jeder Art nichtkirchlicher Musik, allem was „modern“ ist und alles was ein Mädchen im Teenageralter interessant finden könnte.

Mit KREUZWEG führt Dietrich Brüggemann die Konsequenzen eines kompromisslosen Glaubenskonzeptes vor, in dem Menschlichkeit nicht vorgesehen ist. Ein Abweichen vom Glauben, wie ihn die Paulus-Brüder verfechten, ist nicht möglich. Möglich ist nur der Ausbruch, aber den wagt Maria nicht. Ihr Leben als Opfer zu bringen, ist ihre Alternative. Es ist unsinnig, zu behaupten, dass sie diese Alternative wählt. Sie kann sich dem Druck ihrer Mutter nicht entziehen und vor allem nicht dem unbedingten Wunsch, die Anerkennung ihrer Mutter zu finden. Am Ende bleibt Maria der religiöse Wahn als quasi persönliche Übererfüllung der Glaubensvorschriften.

Die Strenge dieses Glaubens bestimmt nicht nur Marias Leben, sondern auch den gesamten Film. Regisseur Dietrich Brüggemann gliedert den Film konsequent in die Stationen des Kreuzwegs. Jede Station von der schon wird durch eine Texttafel angekündigt. Für jede Station gibt es nur eine Kameraeinstellung, innerhalb der einzelnen Stationen gibt es keinen Schnitt. Jede Station ist also eine Szene. Sosehr der Film formal überzeugt, sosehr stören die Qualitätsunterschiede bei den einzelnen Stationen. Im Gedächtnis haften bleiben Szenen wie Marias Beichte bei Pater Weber oder ein quälendes Abendessen mit der Familie, in dem Maria ihrer Mutter eine Lüge gesteht. Völlig missraten ist dagegen eine Szene im Schulunterricht, in der in hölzernen Dialogen die Themen „Toleranz“ und „Religionsfreiheit“ auftauchen. Hier weichen die Drehbuchautoren Anna und Dietrich Brüggemann von ihrem guten Plan ab, etwas zu zeigen, worüber ich dann jeder Zuschauer seine eigenen Gedanken machen kann. Stattdessen fangen sie an, zu belehren. Auch die beiden Krankenhausszenen, die Station 11 und 12 des Kreuzweges entsprechen, halten nicht das Niveau anderer Szenen. Aber trotzdem ist es schwer möglich, sich dem Film zu entziehen. In der Pressevorführung konnte man das auch an dem hysterisch-verdrucksten Gelächter einiger Zuschauer spüren, die lachten, wo es nichts zu lachen gab und sich über diese Schockreaktion sofort nochmal erschreckten. KREUZWEG ist es also offensichtlich gelungen, sein Publikum mit dem Thema Glauben und seinen negativen Konsequenzen zu konfrontieren.

Die vierzehnte und letzte Station – „Jesus Leib wird ins Grab gelegt“ – enthält die einzige echte Kamerafahrt des gesamten Films: Während ein Bagger das Grab von Maria zuschüttet, zieht die Kamera auf, fährt nach oben und zeigt als letztes unbewegt den Himmel – er ist von grauen Wolken verhangen.

Jack und Manuel auf der Suche nach ihrer Mutter (Foto: Jens Harant)

Jack (Ivo Pietzcker) ist zehn Jahre alt. Jack ist nicht nur intelligent, sondern auch gut organisiert und vor allem beharrlich. Jack hat gar keine andere Wahl. Denn er muss etwas tun, was Kinder normalerweise nicht tun müssen: Für Struktur und Normalität im Leben sorgen. Das macht Jack übrigens nicht nur für sich selbst, sondern auch für seinen kleinen Bruder Manuel (Georg Arms), der vielleicht halb so alt ist wie er selbst. Sanna (Luise Heyer), die Mutter von Jack und Manuel ist eine circa Endzwanzigerin, die irgendwann den Faden in ihrem Leben verloren hat, wenn sie ihn denn je in der Hand hatte. Sie ist unfähig Verantwortung für sich oder gar ihre Söhne zu übernehmen und sie hat keinerlei Vorstellung davon, was ihr Verhalten für Konsequenzen hat. Seinen Vater hat Jack nie kennengelernt. Unter diesen Bedingungen versucht Jack, so etwas wie ein Familienleben für seinen Bruder und sich zu schaffen, aber die Hindernisse werden immer größer.

Jack hat also sein Leben im Griff und das von Manuel gleich auch noch. Das aber reicht nicht – denn auf das Leben seiner Mutter kann Jack nur wenig Einfluss nehmen. Sein Problem ist sogar noch größer: Denn als Kind, das wie ein Erwachsener denkt und handeln muss – und das fast immer auch tut – wird er trotzdem von den Erwachsenen kaum wahrgenommen. Als sich Manuel aus Versehen die Beine beim Baden verbrüht, muss Jack ins Kinderheim, obwohl er der Einzige ist, der versucht, Erste Hilfe zu leisten. Die Erwachsenen in Jacks Leben sind überfordert (Sanna), desinteressiert (Sannas Freunde und Freundinnen) oder unfähig (die Frau vom Jugendamt und die Gruppenleiterin im Kinderheim). Durch eine Verkettung unglücklicher Umstände und die Tatsache, dass die Mutter die beiden Brüder einmal zu oft im Stich lässt, landen Jack und Manuel in den Sommerferien auf der Straße – mitten in Berlin. Die Erwachsenen, die ihnen dort begegnen sind bestenfalls gleichgültig und schlimmstenfalls feindselig. Doch Jack gibt nicht auf. Er organisiert Schlafplätze, Essen, Trinken – was man eben zum Leben braucht – und macht sich mit Manuel im Schlepptau auf die Suche nach der verschollenen Mutter.

Der Film von Edward Berger, der das Drehbuch zusammen mit Nele Mueller-Stöfen geschrieben hat, wirft seine beiden Protagonisten also in eine verstörte und verstörende aber vor allem gestörte Erwachsenenwelt. Es gibt im Film keinen einzigen Erwachsenen, der sich so verhält, wie sich ein verantwortungsbewusster Erwachsener verhalten sollte. Das ist die eine große Schwäche des Films und des Drehbuchs, trotz eindrücklicher Bilder und stimmiger Dialoge. Die Welt in der die beiden Brüder leben, ist von Gestörten bevölkert. Das ist der eine Punkt, den ich dem Film nicht abnehme. Dass der Film trotzdem so kraftvoll geworden ist liegt vor allem am Hauptdarsteller Ivo Pietzcker, der beim Dreh wie seine Figur zehn Jahre alt war. Und natürlich geht dieses Lob auch an den Regisseur, der seinen jungen Darsteller offensichtlich sehr einfühlsam geführt hat.

Jack kämpft also immer weiter und was steht am Ende? Nachdem die Kinder mehrere Tage auf der Straße verbracht haben, ist die Mutter auf einmal wieder da. Sie hat wieder einen neuen Freund kennengelernt. Diesmal den Richtigen, wie sie sagt. Am nächsten morgen trifft Jack für sich und seinen kleinen Bruder eine Entscheidung. Es ist eine vernünftige Entscheidung, eine erwachsene Entscheidung. Eine Entscheidung, die Mut und Resignation in sich vereint. Wie diese Entscheidung aussieht, wird hier nicht verraten. Nur soviel: Wenn ein Zehnjähriger gezwungen ist, wie ein Erwachsener zu entscheiden, hat das etwas ungeheuer Deprimierendes.

Wes Anderson ist ein Ausstattungsfetischist. Er baut seine eigenen kleinen Welten: Alle Details sind gut überlegt und schaffen die Atmosphäre in der Wes Andersons Helden und Anti-Helden ihre absurden Abenteuer erleben. Die Welt, das ist in seinem neuen Film vor allem das Grand Budapest Hotel im schönen osteuropäischen Land Zubrowka, idyllisch in den Bergen gelegen aber leider ziemlich heruntergekommen,. Wir schreiben das Jahr 1985. Dann machen wir einen Zeitsprung nach hinten ins Jahr 1932 und gehen mit dem Concierge Monsieur Gustave H. (Ralph Fiennes) und dem frisch eingestellten Hotelpagen Zero Moustafa (Tony Revolori) auf eine Reise durch das 20. Jahrhundert. Dabei trotzen sie dem Krieg und versuchen einen ganz besonderen Schatz vor einer Reihe der erstaunlichsten Bösewichter zu retten, die die Filmgeschichte gesehen hat.

Schon wer die Namen der Hauptcharaktere hört, ahnt: Normal ist im Grand Budapest Hotel eigentlich gar nichts. Nützlich könnte bei einer weiteren Einschätzung der Lage noch die Information sein, dass Monsieur Gustave H. der wahrscheinlich beste Concierge der Welt ist. Er kennt die Wünsche seiner Gäste schon bevor diese sie aussprechen, sein Stil ist untadelig und seinen britischen Akzent „refined“ zu nennen, wäre eine geradezu unverschämte Untertreibung. Monsieur Gustave H. ist ein Meister des Service, ein Gigant der persönlichen Dienstleistung. Ein nicht unerheblicher Teil dieser Dienstleistung besteht darin, dass Monsieur Gustave H. Damen fickt. Er drückt das gegenüber seinem lernbegierigen Pagen Zero genau so aus, natürlich mit dem umwerfenden Upper-Class-Akzent eines Oxford-Absolventen. Um genauer zu sein, fickt er sehr alte, sehr reiche, sehr blonde Damen. Die mit Sicherheit älteste und reichste und vielleicht auch blondeste dieser Damen ist die Gräfin Madame Céline Villeneuve Desgoffe und Taxis, a.k.a. Madame D. (Tilda Swinton). Als Madame D. das Zeitliche segnet und dem Concierge das unermesslich wertvolle Gemälde „Junge mit Apfel“ vermacht, überstürzen sich die Ereignisse, und die Welt des Grand Budapest Hotel wird auf den Kopf gestellt.

THE GRAND BUDAPEST HOTEL ist eine Farce, die Oscar Wilde in Ekstase versetzt hätte (noch ekstatischer hätte Wilde wahrscheinlich nur Monsieur Gustave H. persönlich gemacht) und eine Screwball Comedy, die Ernst Lubitsch, Frank Capra oder Howard Hawks nicht besser hingekriegt hätten. Liebe, Krieg, Reichtümer, Schurken, Gewalt, Schicksal – alles das verquirlt Anderson zu einem hochprozentigen Cocktail, der vor allem so gut schmeckt, weil die Geschichte so absurd und unerwartet ist, aber die Figuren so menschlich und lebendig sind. Genau deswegen sieht man Andersons Film so gerne zu. Wie sollte das bei diesem Schauspieler-Ensemble auch anders sein. Hier eine bei weitem nicht vollständige Liste hochkarätiger Nebendarsteller: Edward Norton, Adrien Brody, Lea Seydoux, Harvey Keitel, Jude Law, Willem Defoe usw. usw. Hinzu kommt der besondere Anderson-Stil: Nicht nur bei der Ausstattung, sondern auch bei den Kamerafahrten und der Musik. Alles ist in Bewegung. Es gibt keinen Leerlauf und keine Langeweile. Das gilt auch für die Handlung. Wes Anderson und Hugo Guinness sind für die Story verantwortlich und Andersons Drehbuch glänzt mit seinen Dialogen.

Inspiriert hat den Regisseur und Autor, wie er selbst sagt, Stefan Zweig – vor allem Zweigs biographisches Buch „Die Welt von gestern“. Das ist zu spüren. Schließlich wurde Zweig 1881 in Wien geboren, als die k.u.k.-Monarchie am mächtigsten war. Der Film zeigt uns habsburgische Pracht gepaart mit Andersonscher Phantasie vor dem Hintergrund der Geschichte des 20. Jahrhunderts. Was Monsieur Gustave H und Zero Moustafa an Triumphen erleben und an Tragödien erleiden, ist mitreißendes und sehr komisches Kino.

Einmal werden wir noch wach, dann eröffnet Wes Andersons neuer Film THE GRAND BUDAPEST HOTEL die Berlinale 2014. Hier der Trailer zum Film:

Ellar Coltrane in BOYHOOD: 12 Jahre Leben in 164 Minuten

Richard Linklaters Langzeit-Filmprojekt BOYHOOD hat im Wettbewerb der Berlinale 2014 seine internationale Premiere und nimmt an der Konkurrenz um den Goldenen Bären teil. BOYHOOD folgt dem Leben eines Jungen im Alter von sechs bis 18 Jahren. Seit dem Beginn des Projekts im Jahr 2002 drehte Linklater in jedem Jahr, um die Geschichte von Mason, dargestellt von Ellar Coltrane, und seiner Familie zu erzählen. Masons Eltern werden gespielt von Patricia Arquette und Ethan Hawke. Die Tochter von Richard Linklater Lorelei übernimmt die Rolle der älteren Schwester Samantha.

Stacy Martin und Shia LaBeouf in NYMPHOMANIAC VOL. 1 (Foto: Christian Geisnaes)

Die Langversion von Lars von Triers neuem Film NYMPHOMANIAC VOL. 1 wird auf der Berlinale 2014 als Weltpremiere gezeigt. Sie ist 330 Minuten lang. Nach Angaben von von Triers Produktionsfirma Zentropa wird das das einzige Screening der Langversion sein, bis später im Jahr 2014 die Langversion von NYMPHOMANIAC VOL. 2 Premiere hat. NYMPHOMANIAC VOL. 1 erzählt in acht Kapiteln die sexuelle Biographie einer Fünfzigjährigen, gespielt von Charlotte Gainsbourg. In weiteren Rollen sind Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Christian Slater, Jamie Bell, Uma Thurman und Willem Dafoe zu sehen. Udo Kier spielt einen Kellner.

Eine kürzere Version von NYMPHOMANIAC VOL. 1 hat am 25. Dezember in Dänemark Premiere. Der Kinostart der Kurzversion in weiteren Ländern folgt in den kommenden Monaten. Die verschiedenen Kurztrailer und Filmposter haben schon vor dem Start für eine Diskussion darüber gesorgt, ob es sich bei dem Film um Pornographie handelt.

Nicht der Eröffnungsfilm, aber immerhin die internationale Premiere: Die Berlinale 2014 präsentiert George Clooneys THE MONUMENTS MEN im Rahmen des offiziellen Programms, allerdings erst nach der Uraufführung, die in den USA am 7. Februar läuft – sonst hätte sich das Festival mit einer Weltpremiere schmücken können. Clooney ist nicht nur Regisseur und Darsteller, sondern hat gemeinsam mit Grant Heslov auch das Drehbuch verfasst. THE MONUMENTS MEN basiert auf dem Roman von Robert M. Edsel und Bret Witter, der die Geschichte eine Spezialeinheit der Alliierten erzählt, die im Zweiten Weltkrieg auf die Jagd nach von den Nazis gestohlenen Kunstwerken ging. Neben Clooney stehen unter anderem Cate Blanchett, Matt Damon, John Goodman und Jean Dujardin vor der Kamera.

Paul Schlase, Tony Revolori, Tilda Swinton und Ralph Fiennes in THE GRAND BUDAPEST HOTEL (Fox Searchlight)

Die Weltpremiere von Wes Andersons THE GRAND BUDAPEST HOTEL eröffnet am 6. Februar 2014 die 64. Internationalen Filmfestspiele Berlin. Hauptdarsteller der britisch-deutschen Koproduktion sind Ralph Fiennes und Tony Revolori. Zum Ensemble gehören außerdem F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Adrien Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Tom Wilkinson und Owen Wilson.

Der Film erzählt die Geschichte des Concierge des Grand Hotels zwischen den Weltkriegen um wurde zum großen Teil in Görlitz und im Studio Babelsberg gedreht. Die Rolle des Hotels übernahm unter anderem das alte Görlitzer Kaufhaus.

Damit ist meine Vorhersage von THE MONUMENTS MEN als Berlinale Opener geplatzt. Ich lasse mich nicht verdrießen und sage: Dann haben wir eben THE GRAND BUDAPEST HOTEL als Eröffnungsfilm und die Monuments Men und Women George Clooney und Cate Blanchett kommen auch noch. Görlitz ist auf jeden Fall schon ein Gewinner der Berlinale.

Matt Damon und George Clooney in THE MONUMENTS MEN (Columbia Pictures/Sony)

Sony hat gerade den Start von THE MONUMENTS MEN, George Clooneys neuer Regiearbeit, von Mitte Dezember auf den 7. Februar verschoben. Damit steigen die Chancen auf eine Berlinale-Premiere. Die Berlinale beginnt 2014 am 6. Februar. Eine Weltpremiere in Berlin würde bestens zur Story über die amerikanische Einheit passen, die im Zweiten Weltkrieg nach Deutschland kommt, um geraubte Kunstschätze zu finden und zu retten. Der Film wurde unter anderem in Berlin, Potsdam, Görlitz und an mehreren Orten im Harz gedreht. Clooney stand dabei nicht nur hinter, sondern auch vor der Kamera. Weitere Rollen spielen Cate Blanchett, Matt Damon, John Goodman und Bill Murray. Wer nimmt eine Wette an, dass THE MONUMENTS MEN der Eröffnungsfilm der Berlinale 2014 wird?

Der herausragende Film der diesjährigen Perspektive Deutsches Kino war der Dokumentarfilm METAMORPHOSEN von Sebastian Mez. Mez konfrontiert den Zuschauer mit den Folgen eines Ereignisses, das schon mehr als ein halbes Jahrhundert zurückliegt: Die Explosion in der damals sowjetischen, heute russischen Nuklearfabrik Majak. Am 29. September 1957 explodierte in der Anlage, in der waffenfähiges Plutonium angereichert wurde, ein großer Tank mit stark radioaktiver Flüssigkeit. Mez spricht mit den Menschen, die heute noch in unmittelbarer Nachbarschaft der Fabrik leben. Gerade weil er seinen Film nicht als investigative Recherche anlegt, werden die Auswirkungen und Verheerungen durch den Nuklearunfall umso spürbarer. Festivalblog hat ein Interview mit dem Regisseur geführt.

War Dir schon von Anfang an klar, wie Du den Film gestalten wolltest? In schwarz-weiß, keine klassische Interviewsituationen etc.
Immer wenn ich ein Thema habe, was mich interessiert und was zu mir passt, mache ich mir von Beginn an Gedanken über die filmische Form. Im Vordergrund steht die Frage: Welche Form ist angemessen für das Thema? Im Fall von METAMORPHOSEN war von Anfang an die Aufgabe, etwas, was nicht sichtbar und überhaupt nicht konkret ist, in Bilder umzusetzen. Insofern war schnell für mich klar, dass ich mit Artifizierung arbeite. Gleichzeitig wollte ich mit dem zeitlosen Charakter des Films arbeiten. Das Unglück in Majak ist vor mehr als 50 Jahren passiert, damals wäre der Film aktuell gewesen. Er wird aber in 100 Jahren noch genauso aktuell sein, weil der Ort, von dem der Film handelt, für immer radioaktiv verseucht ist.

Die Farben in einem Film sind immer ein Indiz für sein Alter. Ich kann immer an den Farben eines Film sehen wann er entstanden ist, ob das in den 70ern oder 80ern war zum Beispiel. Das Filmmaterial und später die Qualität des Videos geben darauf klare Hinweise. Zeitlosigkeit war also ein Grund für schwarz-weiß. Außerdem habe ich in schwarz-weiß bessere Möglichkeiten zur künstlerischen Gestaltung. Ich schätze an schwarz-weiß eine Bilddramaturgie, die sich durch die Reduktion auf Kontraste zwischen schwarz und weiß und den Grautönen dazwischen entfaltet.

Und wie war das mit der Art der Gesprächsführung?
In meinem letzten Film ging es um das Thema Zwangsprostitution. Da habe ich mich in einem anonymen Raum bewegt. Weil die Frauen ihre Identität natürlich nicht preisgeben wollten, wurde der gesamte Film aus dem Off erzählt. Deswegen habe ich mir geschworen, dass mein nächster Film – das war dann METAMORPHOSEN – komplett im On, also vor der Kamera erzählt wird.

Weil ich mit einem kleinen Budget gearbeitet habe, war die technische Entstehungsgeschichte des Films besonders. Wir hatten zunächst nur die Bilder, weil wir die Gespräche aus finanziellen Gründen erst nach und nach übersetzen lassen konnten. Deswegen haben wir im Rohschnitt ersteinmal nur mit Bildmaterial gearbeitet. So ist im ersten Schritt ein zweistündiger Stummfilm entstanden, der schon allein von der Bildsprache funktioniert hat. Das Wissen über das Unglück in der Nuklearfabrik bekommt der Zuschauer ja bereits durch die kurzen Infotext-Tafeln am Anfang. Da war der Cutterin Katharina Fiedler und mir früh klar, wie stark die Bilder alleine dadurch wirken, dass sie durch die Information zu Beginn aufgeladen wurden.

Danach haben wir die gesprochenen Übersetzungen eingefügt, als ganz klassische Interviews. Dadurch war die intensive Stimmung der Bilder auf einmal verschwunden und der Film bekam etwas Journalistisches, Reportagehaftes. Deswegen habe ich meine Entscheidung alles im On zu machen wieder umgeworfen. Deshalb kommen die Erzählungen der Menschen jetzt aus dem Off, während man etwas Anderes sieht, die Landschaft, wie dieser Mensch über den Hof geht – aber eben nicht, wie direkt in die Kamera gesprochen wird. Gerade aus der Differenz zwischen dem Bild und dem Gesprochenen entsteht die Spannung durch eine Art Zwischenraum. Bild und Wort korrespondieren natürlich miteinander, aber eben nicht eins zu eins.

Warst Du in dieser ersten Version auch als Interviewer zu sehen?
Nein. Ich mag es nicht, wenn ich in meinen Filmen ganz bewusst auftrete. In der Szene, in der ich das Messgerät filme, sieht man meine Hand oder auch die Spiegelung der Kamera im Display. Das entsteht aus der Situation und das will ich auch nicht rausschneiden.

Wie hast Du eigentlich zu den Menschen in Musljumowo Kontakt aufgenommen?
Ganz einfach vor Ort. Wir hatten aus Deutschland schon zu einem Bewohner Kontakt aufgenommen, der in dem Ort eine Art Sprecher ist und auch ein bisschen als Aktivist arbeitet. Wir wollten aber keinen aktivistischen Film mit investigativem Charakter machen, daher spielt er nur eine kleine Rolle im Film. Alle anderen, die im Film zu sehen sind, haben wir dort erst kennengelernt. Zu Beginn haben wir nie die Kamera rausgeholt. Es ging nur ums Kennenlernen. Wir haben mit den Leuten Kaffee getrunken, einfach Zeit verbracht. Und wenn jemand etwas Interessantes zu erzählen hatte, haben wir langsam mit dem Drehen begonnen.

Wie haben die Menschen reagiert? Waren sie ängstlich oder zurückhaltend?
Sie waren vor allem wütend. Aus einem ganz einfachen Grund: Dort waren schon soviele Fernsehteams, Journalisten und Fotografen in den letzten zwanzig Jahren, seit das Unglück öffentlich bekannt ist. Die haben verbrannte Erde hinterlassen. Die Bewohner haben mir ganz klar gesagt: „Wir haben schon mit sovielen Journalisten gesprochen, aber für uns hat sich nichts geändert.“ Aber wir haben uns deutlich von diesen Medienleuten unterschieden. Wir waren eben nicht nur einen Tag da und haben Atemschutzmasken oder sogar Schutzanzüge gehabt. Wir haben einfach da gewohnt, sind dageblieben und haben so das Eis gebrochen.

Wie lang ward Ihr insgesamt dort?
Vier Wochen, weil das die maximale Zeit ist, die man mit einem Touristenvisum in Russland bleiben darf. Wir hatten kein Visum, keine Drehgenehmigung und niemand wusste, dass wir dort einen Film drehen wollen. Deswegen sind wir das Risiko eingegangen und haben mit kleinem Team, kleiner Kamera und wenig Tonequipment gedreht.

Hat es trotzdem Schwierigkeiten gegeben? Es war ja irgendwann offensichtlich, dass ihr dreht.
So ganz genau wissen wir das bis heute nicht. Es gab aber einen Zeitpunkt, ab dem wir relativ sicher waren, dass wir beobachtet werden. Und das war von dem Zeitpunkt an, an dem wir mit einem ehemaligen Mitarbeiter der Nuklearfabrik in Majak gesprochen haben. Das ist derjenige, der im Film von dem Beinahe-Zwischenfall im Jahr 2000 und den miserablen Bedingungen dort berichtet. Er lebt in der geschlossenen Stadt, in der sich auch die Fabrik befindet. Dort kommen nur Mitarbeiter und deren Angehörige rein. Ihn haben wir von einem Taxi in der geschlossenen Stadt abholen lassen und haben dann einen ganzen Tag mit ihm gesprochen. Ein zweites Gespräch war nicht mehr möglich, weil uns von Offiziellen untersagt wurde, ein Taxi zu beauftragen. Bei diesem Gespräch war auch deutlich zu hören, dass wir abgehört wurden.

Danach ist uns bei einem Dreh auch ein Auto gefolgt, als ich Majak aus der Entfernung über den See hinweg gefilmt habe. Ein Wagen mit zwei Männern ist in 100 Metern Entfernung stehen geblieben, aber dann wieder weggefahren. Das war fünf Tage bevor wir ohnehin abreisen wollten. Wir haben die heiklen Sachen auch bewusst ans Ende gelegt. Meine größte Sorge war immer, dass die uns das Filmmaterial wegnehmen. Sie hätten uns ja ganz einfach am Flughafen die Festplatten abnehmen können.

Es gab immer wieder Phasen, in denen wir Angst hatten, beobachtet und kontrolliert zu werden. Aber – ganz ehrlich – ich glaube, die haben uns nicht ernst genommen. Wir sahen zu unschuldig aus – keine große Kamera, wenig technische Geräte. Wir sahen aus wie Studenten. Das war unser Bonus.

Wir groß war das Team?
Nur zwei Leute: Renata Kosenko und ich. Ich habe Regie, Kamera und zum Teil auch Ton gemacht. Renata hat übersetzt und war auch für den Ton zuständig. Wir hatten einen Recorder, eine Funkstrecke mit Ansteckmikrofon und das war auch schon alles.

Wie hast Du Renata kennengelernt?
Ich habe sie in der Recherche kennengelernt durch einen Artikel von ihr über Majak, der ursprünglich in einer russischen Zeitung erschienen ist, der in der Übersetzung aber auch vom Tagesspiegel gedruckt wurde. Und als ich mich für das Thema entschieden hatte, habe ich mit ihr Kontakt aufgenommen. Mir war klar, dass ich jemand brauche, der sich dort auskennt und vor allem auch die Sprache spricht. Sie war eine unglaubliche Hilfe, weil sie sehr stark in der Geschichte drin war und auch schon die Leute dort kannte.

Gefunden habe ich sie schließlich über Facebook. Sie lebt in Rom. Wir haben geskypt und uns dann zum ersten Mal in Moskau getroffen. Dort haben wir ein paar Tage unser Vorgehen besprochen und sind anschließend zusammen weitergeflogen.

Wie hast Du den Film finanziert?
Ich habe ihn ausschließlich mit dem Budget der Filmakademie Baden-Württemberg für den Abschlussfilm gedreht. Das deckt die organisatorischen Kosten, das Reisen und so weiter. Ich hatte keine weiteren Fördermittel. Da ich mich filmisch ausprobieren und vor allem auch unabhängig arbeiten wollte, habe ich auf die Beteiligung von Fernsehsendern verzichtet. Was eben in dem Budget eines Abschlussfilms nicht enthalten ist, ist die Arbeitszeit. Das waren allein für mich zwei Jahre.

Weißt Du wies es mit METAMORPHOSEN weitergeht?
Als Erstes wird es eine ganz intensive internationale Festivalauswertung geben. Ich glaube, dass der Film da einen guten Weg gehen wird. Aber natürlich wünsche ich mir, dass der Film auch außerhalb von Festivals im Kino zu sehen sein wird. Darauf hoffe ich vor allem, weil der Film im Kino am besten funktioniert. Aber auch im Fernsehen kann ich mir den Film vorstellen, auch wenn er in schwarz-weiß gedreht ist und in seiner ruhigen, elegischen Art vielleicht nicht jedermanns Sehgewohnheiten entspricht.

Das Interview führte Steffen Wagner.

EINZELKÄMPFER heißt Sandra Kaudelkas Dokumentarfilm über die vier Spitzenathleten Brita Baldus, Udo Beyer, Ines Geipel und Marita Koch. Alle vier Sportler waren in der DDR erfolgreich, Beyer und Koch holten Olympisches Gold im Kugelstoßen beziehungsweise im 400-Meter-Lauf. Trotzdem sind die Geschichten der Sportler verschieden: Beyer und Koch waren Stars, Koch sogar schlicht die beste 400-Meter-Läuferin aller Zeiten. Die Sprinterin Ines Geipel dagegen wollte sich 1984 aus der DDR absetzen. Diese Pläne aber wurden an die Stasi verraten, so dass sie von einem Tag auf den anderen aus dem Leistungssport ausgeschlossen wurde. Die Wasserspringerin Brita Baldus wiederum holte ihre größten Erfolge nach der Wiedervereinigung: Sie wurde Dritte bei den Weltmeisterschaften 1991 und bei den Olympischen Spielen 1992. 1991 und 1993 wurde sie Europameisterin vom Drei-Meter-Brett. Einen Titel, den sie schon 1983 für die DDR geholt hatte. Sie alle haben auch heute ganz verschiedene Meinungen zum Leistungssport und den Unterschieden zwischen damaliger DDR und dem heutigen Deutschland.

Was EINZELKÄMPFER noch besonders macht, ist die Tatsache, dass die Regisseurin eine angehende Leistungssportlerin war. 1977 in Leipzig geboren kam sie in der 4. Klasse auf die Jugendsportschule „Ernst Thälmann“. Sie war eine widerwillige aber sehr gute Wasserspringerin: Sandra Kaudelka wurde bei der Spartakiade 1987 Vizemeisterin und 1988 DDR-Meisterin ihrer Altersklasse.

Wenn es um DDR-Sport geht, ist der Elefant im Raum, über den jeder eine eigene Meinung hat, das Doping. Beyer hat gedopt, gibt das auch zu und findet es auch nicht weiter problematisch. Ines Geipel hat befürchtet gedopt zu werden und hat sich das auch gerichtlich bestätigen lassen: Sie war 2000 Nebenklägerin im Hauptprozess zum DDR-Zwangsdoping in dem Manfred Ewald, von 1961 bis 1988 Vorsitzender des Turn- und Sportbundes der DDR, „wegen Beihilfe zur Körperverletzung zum Nachteil von 20 Hochleistungssportlerinnen, denen ohne ihre Kenntnis mit der Folge von Gesundheitsschäden und -gefährdungen Anabolika verabreicht worden waren, unter Vorbehalt einer Freiheitsstrafe von einem Jahr und zehn Monaten auf Bewährung - nach dem milderen Tatzeitrecht der DDR (§ 33 StGB-DDR)“ verurteilt wurde – so ein Auszug aus dem Urteil des Bundesgerichtshofs. Marita Koch sagt zum Thema Doping, das was sie schon immer gesagt hat, – nämlich nichts. Und Brita Baldus geht davon aus, dass Doping im Wasserspringen keinen Sinn macht. Verbotene Leistungssteigerung war selbstverständlich kein „DDR-Problem“. Beyer trat gegen den West-Berliner Ralf Reichenbach an, der 1987 zugab, gedopt zu haben. Und das ist nur ein Beispiel von vielen.

Mindestens genauso interessant wie die Diskussion um Spritzen, Pillen etc. ist, wie der Film die Unfreiheit der Spitzensportler aufdeckt. Auch hier sind die einzelnen Meinungen unterschiedlich, aber Kaudelka kann am eigenen Beispiel und in Bildern belegen, wie vergeblich ihre eigene Weigerung war, weiter am DDR-Leistungssystem teilzunehmen – ganz zu schweigen von den schrecklichen Folgen unter denen Ines Geipel und viele andere heute noch leiden. Der Mauerfall bedeutete wenigstens für Kaudelka in ihren eigenen Worten „die Freiheit vom ungeliebten Sport“. EINZELKÄMPFER ist ein Film, den jeder sehen sollte, der heute gerne Sport im Fernsehen guckt. Ich glaube nicht, dass der Leistungssport heute anders funktioniert als vor 1989 und ich glaube auch nicht, dass der Film irgendetwas daran ändern wird. Der Film treibt den letzten Rest an naiver Sportbegeisterung aus – gut so. Eine breite Diskussion zu dem Thema Doping und Selbstbestimmung im Sport, wäre eine angenehme Folge der Dokumentation, ist aber leider wenig wahrscheinlich.

EINZELKÄMPFER zeigt auch, wie unterschiedlich die Leben nach der Karriere verlaufen sind: Brita Baldus sagt, dass sie Schwierigkeiten hat, finanziell über die Runden zu kommen. Halt geben ihr heute Glaube und Gesang. Udo Beyer hat ein Reisebüro in Potsdam und Marita Koch ein Sportgeschäft in Rostock. Ines Geipel ist Schriftstellerin und Professorin an der Schauspielschule „Ernst Busch“ in Berlin. Und Sandra Kaudelka, der die Karriere als Leistungssportlerin erspart blieb, macht gute Filme.

Zwei Frauen lieben sich, leben zusammen und wollen ein gemeinsamen Kind haben. Das ist kein Problem. Das ist kein Problem? Es ist ein Problem! Jedenfalls für den deutschen Gesetzgeber und deshalb auch für die Frauen. Genau davon handelt der Film ZWEI MÜTTER von Anna Zohra Berrached. Konkret gesagt: Er handelt von dem Problem Sperma zu bekommen sowie eine professionelle Inseminationsbehandlung und von den finanziellen Belastungen und dem psychologischen Stress, wenn es Monate oder Jahre dauert bis zur erfolgreichen Befruchtung.

Katja und Isabella sind verheiratet und entschließen sich ein Kind zu bekommen. Isa soll die leibliche Mutter werden. Den Wunsch in die Tat umzusetzen ist jedoch schwerer als gedacht. Denn gleichgeschlechtliche Paare werden in der Regel nicht von Inseminationszentren behandelt. Und wenn doch, dann nur unter der Bedingung, dass die Frauen in der Lage sind, den behandelnden Arzt bei anonymen Spenden oder den Spender gegen Unterhaltsansprüche de Kindes abzusichern. Überspitzt ausgedrückt: Die Erfüllung eines Kinderwunsches ist für gleichgeschlechtliche Paare vor allem eine finanzielle Frage – und das schon bevor die erste Windel, der erste Kinderwagen oder das erste Dreirad gekauft ist. So solvent sind Katja und Isa nicht. nach einigen vergeblichen Versuchen bei einem der wenigen Frauenärzte, der die Insemination mit Sperma aus der Samenbank auch für lesbische Frauen anbietet, geben sie diese Methode auf. Jetzt entschließen sie sich dafür, die Insemination zu Hause per Spritze zu machen und gehen auf die Suche nach einem geeigneten Spender.

Anna Zohra Berrached hat einen Spielfilm gedreht, aber nur die beiden Hauptrollen sind mit Schauspielerinnen besetzt – der Arzt, der Rechtsanwalt, die Apothekerin, der Mann, der in seinem Wohnzimmer Inseminations-Kits verkauft, spielen sich selbst. Das gibt dem Film eine dokumentarische Ebene, die die Vertracktheit der Situation noch plastischer macht. Denn auf dem grauen Markt für Sperma, der sich – wie sollte es anders sein – im Internet gebildet hat, finden sich seltsame Kandidaten: Die einen wollen unbedingt mit Isa schlafen („das ist natürlicher“), die anderen wollen regelmäßigen Kontakt zum Kind und einige sind offensichtlich noch Jungfrau. Die Gespräche mit diesen Kandidaten belasten die Beziehung von Katja und Isa noch mehr, als die Finanzprobleme, die durch die vergeblichen Versuche beim Arzt entstanden sind.

ZWEI MÜTTER zeigt, ohne Übertreibung und ohne Schönfärberei, die Probleme eines lesbischen Paares auf dem Weg zur Schwangerschaft. Ein ganz besonderes Verdienst ist es, dass die Tragweite der juristischen Schwierigkeiten dabei ebenso gut zu Geltung kommt, wie die Schwierigkeiten, die auf der Beziehungsebene entstehen. „Vater Staat“, diesen sprichwörtlichen Begriff kann ich in diesem Kontext gar nicht mit genug Ironie aufladen, ist kein Helfer – im Gegenteil. Aber die antiquierte Juristerei ist auch nicht allein für die Probleme verantwortlich: Der Film zeigt nämlich auch, wie der Kinderwunsch die Dynamik einer Beziehung verändert, die für beide Partnerinnen auf einem so sicheren Fundament ruhte.

Alvin (Paul Rudd) hat einen etwas seltsamen Sommerjob angenommen. Er lässt Frau und Tochter zurück und arbeitet als Straßenarbeiter auf einem ländlichen Highway irgendwo in den Wäldern, die Monate zuvor von Bränden verwüstet wurden. Obwohl er die Einsamkeit sucht, ist er nicht allein: Als Hilfsarbeiter hat er Lance (Emile Hirsch) engagiert den jungen, einfältigen Bruder seiner Frau, der in der Einsamkeit des Waldes eigentlich immer nur an Frauen, genauer gesagt an Sex, denkt. Dieses ungleiche Paar verbringt die Sommerwochen damit, den Mittelstreifen neu zu zeichnen und Begrenzungspfeile einzuschlagen. Die Männer reden und streiten viel miteinander. Alvin fragt sich mehr als einmal, ob Lance nicht vielleicht doch geistig etwas zurückgeblieben ist. Dann stehen beide aus ganz unterschiedlichen Gründen plötzlich vor einer ernsten Lebenskrise.

PRINCE AVALANCHE ist ein skurriler kleiner Film, der vor allem von seinen beiden Hauptfiguren und ihrer kuriosen Arbeit lebt. Gelber Strich um gelber Strich kommen die beiden vorwärts, bei einer Aufgabe die endlos scheint. Das hat etwas Meditatives und gibt in der gar nicht so wilden Natur Zeit für Gespräche. Alvin ist dabei der Überlegene, er hat etwas Intellektuelles an sich und kennt sich dennoch ganz gut mit dem Angeln, Kochen und Zelten aus. Lance kann eigentlich nichts und ist ein eher widerwilliger Helfer. David Gordon Green inszeniert dazu Bilder, die einerseits schön anzusehen sind, denen aber andererseits immer auch die gewisse Verdrehtheit der Filmcharaktere anhaftet. So entsteht eine stimmige Atmosphäre für einen witzig und intelligent erzählten Film.

PRINCE AVALANCHE ist ein Wohlfühlfilm, der durchaus auch über größere Fragen im Leben philosophiert, über Beziehungsstress, ob man sich wirklich ändern kann, die Sehnsucht nach Einsamkeit oder Zweisamkeit usw. Das glückt vor allem, weil die Dynamik zwischen Alvin und Lance und die Chemie zwischen den Schauspielern Rudd und Hirsch stimmt. Trotzdem ist der Film ein weiteres Beispiel für eine etwas bizarre Festivalpolitik: Schließlich ist PRINCE AVALANCHE ein Remake des isländischen Films Á annan veg (Ein anderer Weg) von Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Dieses Original ist im September 2011 in die isländischen Kinos gekommen und 2011 und 2012 auf Festivals in Griechenland, Italien, Tschechien und Frankreich gelaufen. Dass sich jetzt das Remake um den Goldenen Bären bewerben darf, ist schon etwas seltsam. Vielleicht liegt es daran, dass eine der Produktionsfirmen „The Bear Media“ heißt.

Es ist ein glücklicher Tag für Emily (Rooney Mara): Ihr Mann Martin (Channing Tatum) hat seine vierjährige Haftstrafe für Insidertrading abgesessen und kommt wieder nach Hause. Doch Emily ist von der Situation völlig überfordert. Sie hat auf einer Party einen Nervenzusammenbruch, gibt im Parkhaus plötzlich Vollgas und fährt ungebremst frontal gegen die Mauer. Als sie dann im letzten Moment in der U-Bahn daran gehindert wird, vor einen Zug zu springen, hilft ihr der smarte Psychiater Dr. Banks (Jude Law) mit einem neuen Antidepressivum. Doch die Nebenwirkungen sind heftig: Emily beginnt zu schlafwandeln. Wenig später ist ein Mensch tot und Emily, Dr. Banks und alle anderen werden in einen bizarren Mordfall hineingezogen.

Steven Soderberghs SIDE EFFECT ist ein perfekt gebauter und gefilmter Thriller, kein Zweifel. Die Wendungen im Plot sitzen, der letzte Twist ist außerordentlich, die Kamerafahrten sind beeindruckend, die Musik erzeugt immer die richtige Stimmung und die Schauspieler sind erste Klasse. Das ist einfach gute, intelligente Unterhaltung. Aber im Wettbewerb der Berlinale läuft der Film nur wegen seiner Starpower, die Berlinale nimmt hier also ihre Funktion als „Plattform Dienst der Filmindustrie“ (Zitat aus den Wettbewerbsrichtlinien) wahr. Ach halt! Vollständig muss es heißen: „Plattform im Dienst der Filmkunst und der Filmindustrie“. Kunst ist es im Fall von SIDE EFFECTS jedoch weniger, sondern erstklassiges Handwerk. Nochmal: Mit Soderberghs angeblich letztem Film kann man einen vergnüglichen Kinoabend verbringen – nichts dagegen einzuwenden. Aber muss man den Film einer internationalen Jury zeigen und ist er richtig in einer Konkurrenz um internationale Filmpreise?

Dann ist das Unfassbare wirklich passiert: Ein Komet ist eingeschlagen. Als sie noch ein kleines Mädchen war. Sie hat überlebt, ihre Eltern nicht. Wenige haben überlebt. Jetzt ist das kleine Mädchen von einst eine junge Frau. Sie schlägt sich allein durch. Sie hat gelernt Fallen zu legen oder sich Vorräte aus leerstehenden Häusern zu besorgen. Sie folgt ihrem Instinkt. Andere Menschen sind für sie zunächst einmal genauso Gegner wie Wölfe. Dann trifft sie einen Mann. Sie muss entscheiden, ob er Freund ist oder Feind. ENDZEIT von Sebastian Fritzsch nach einem Drehbuch von Georg Tiefenbach erzählt eine Geschichte nach der Apokalypse.

In der Post-Apokalypse von ENDZEIT sind die Menschen in vielerlei Hinsicht in eine Art Naturzustand zurückgefallen: Sie haben keine Namen, sie misstrauen einander, sie kooperieren nur dann, wenn es ihnen nützt. ENDZEIT ist eine Art soziales Experiment: Fünf Menschen sind es irgendwann, die vom Schutz und von den Vorräten eines einsamen Gehöfts mitten in den Bergen profitieren wollen. Ob sie das schaffen oder nicht, ob sie zusammenbleiben oder doch nach einer unbekannten Stadt jenseits des Gebirgskamms suchen, die vielleicht nur ein imaginärer Sehnsuchtsort ist? Von diesen Fragen handelt der Film, dem es gut gelingt die paranoide Endzeitstimmung zu kreieren, die schon soviele Vertreter dieses Genres ausgezeichnet hat. Endzeit ist ein schauspielerisch und handwerklich überzeugender Film, der aber dem Thema keine neuen Seiten abgewinnt.

Am 29. September 1957 explodierte in der damals sowjetischen, heute russischen Nuklearfabrik Majak, in der waffenfähiges Plutonium angereichert wurde, ein großer Tank mit stark radioaktiver Flüssigkeit. Mehr als 50 Jahre später geht Sebastian Mez mit Kamera und Mikrofon im nahe gelegenen Dorf Musljumowo auf Spurensuche. In ruhigen Einstellungen filmt er die karge Winterlandschaft und lässt die Menschen reden, die dort leben – Dorfbewohner, keine Funktionäre, keine Politiker. Die Alten erinnern sich immer noch gut an den Unglückstag und seine schrecklichen Folgen. Auch die jüngeren wissen, dass sie den Auswirkungen des Unglücks selbst Jahrzehnte später nicht entkommen können. METAMORPHOSEN beweist, dass beim Film gerade die Konzentration auf wesentliche filmische Mittel eine hohe ästhetische Wirkung erzeugen kann. Eine noch größere Leistung des Filmemachers ist es, seinen Dokumentarfilm nicht zur Faktenschlacht zu machen. So informiert er eindringlich über die Konsequenzen des Unglücks, ohne den Zuschauern mit Daten oder technischen Details zu überhäufen. METAMORPHOSEN ist der mit Abstand beste Film der Perspektive 2013. Ohne jeden Zweifel wäre das Forum die angemessene Sektion für diesen Film gewesen. Auch hier wäre er positiv aufgefallen.

METAMORPHOSEN ist deshalb so eindringlich, weil Mez – Regisseur, Kameramann und Produzent in Personalunion – bei seiner Herangehensweise die richtigen Entscheidungen trifft: Er kommt den Menschen nah ohne aufdringlich zu sein. Er unterbricht sie nicht, sondern lässt sie in ihren Worten erzählen. Er macht ausdrucksstarke Bilder von Gesichtern, einfachen Häusern und einer schroffen und irgendwie doch idyllischen Winterlandschaft. Die Menschen erzählen von der „dreckigen Wolke und den zerbrochenen Fenstern“ am Unglückstag. Davon, dass sie schon fünf Tage nach dem Unglück wieder auf den Feldern arbeiteten und von Krankheit und Tod in den Jahren danach. Im Jahr 2006 hätten Japaner in Schutzanzügen im Dorf und am nahe gelegenen Fluss Tetscha Messungen durchgeführt und dann gesagt: „Ich müsst keine Angst mehr vor dem Atomkrieg haben. Die Menschen in Hiroshima haben weniger abbekommen als ihr.“ Ein Dorfbewohner erzählt, dass die Frauen aus Musljumowo noch heute Probleme haben, wenn sie sich in einen Mann aus einem anderen Dorf verlieben. Wenn sie sagten, wo sie herkommen, seien damit viele Beziehungen beendet.

Trotzdem oder vielleicht gerade deswegen kümmern sich die Menschen um ihr Dorf. Die Förster füttern im Winter zu und kümmern sich so um den Wildbestand und achten darauf, dass niemand widerrechtlich Bäume fällt. Manchmal drücken Sie ein Auge zu. Und die Kinder im Dorfkindergarten singen das Lied von der Wunderinsel Chunga Changa. Es geht ungefähr so:

„Chunga Changa – blauer Himmel – hier ist das ganze Jahr Sommer.
Hier ist das Leben einfach, wir kennen kein Leid.
In Chunga Changa gibt es Kokosnüsse und Bananen.

Die Menschen in Musljumowo sind viel zu realistisch, um auf ein Wunder zu warten. Wenn man den wie verrückt knatternden Geigerzähler gesehen hat, den Sebastian Mez in einer langen Einstellung filmt (das einzige Mal, dass Technik und Zahlen eine Rolle spielen), weiß man auch warum.

„Du sollst nicht Lügen“, so ermahnen Eltern ihre Kinder. Layla (Rayna Campbell) ist alleinerziehende Mutter, lebt mit ihrem Sohn in Johannesburg und bewirbt sich erfolgreich um einen neuen Job: Sie wird für eine Firma arbeiten, die Lügendetektortests durchführt. Das Aufspüren von Lügen wird in Zukunft also zu ihrer Profession. Doch bevor sie überhaupt bei ihrem ersten Mandantenangekommen ist, verschuldet sie bei einem Unfall den Tod eines Mannes und steht nun selbst vor der Entscheidung: Sage ich die Wahrheit oder verschweige sie? Pia Marais inszeniert ihr Drama um Aufrichtigkeit und Lüge und die Folgen von moralischem oder unmoralischem Handeln als klassischen Thriller.

Für Layla Fourie ist der Aufstieg von der Barbedienung zur gut bezahlten Fachkraft in der Polygraphdetektei die große Chance. Deswegen lässt sie sich auch nicht davon entmutigen, dass ihr Ex-Mann den achtjährigen Kane nicht aufnehmen will, als sie ganz kurzfristig den ersten Kunden übernehmen muss. Sie nimmt den Jungen einfach mit in das einige Fahrstunden entfernten Luxus-Casino. Dann gibt ihr das Schicksal eine ganz miese Karte. Das Drehbuch entwickelt aus dem Dilemma, das daraus entsteht, einen Plot, der die Optionen von Layla immer weiter einschränkt. Der Druck erhöht sich, die Notwendigkeit zu schweigen wird immer existentieller und in dieses ganze Lügengeflecht ist auch der kleine Kane verstrickt.

Layla ist fest entschlossen, sich von dem tödlichen Unfall nicht aus der Bahn werfen zu lassen. Sie will ihren Auftrag, Stellenbewerber für das Spielcasino mit dem Lügendetektor zu testen, ausführen – koste es, was es wolle. Dabei lernt Sie auch den Bewerber Pienaar (August Diehl) näher kennen. Sie ahnt aber nicht, wie eng dieser mit dem Unfall verbunden ist.

Mit seiner durchaus spannend inszenierten aber an einigen Stellen zu konstruierten Handlung macht der Thriller von Pia Marais eher eine Volte zu viel als zu wenig. Was aber ungeheuer überzeugend gelingt ist die Einbettung des Films in die gesellschaftliche Situation im heutigen Südafrika. Denn die Wurzel des Unglücks, das Laylas Leben zu zerstören droht, liegt in der Angst und dem Misstrauen, das unterschwellig alle Beziehungen der Menschen belastet. Die Bedrohung ist immer spürbar: Menschen schützen ihre Häuser mit Gittern. Egal wo Layla sich bewegt, sie macht sich immer Sorgen um ihre Sicherheit und die ihres Sohnes. Diese Verunsicherung, ja fast Paranoia, einer ganzen Gesellschaft, macht der Film mit seiner dichten Atmosphäre spürbar. Es beginnt mit dem Misstrauen zwischen schwarzen und weißen Südafrikanern: Layla ist schwarz Pienaar weiß, allein das scheint ihre Beziehung zu belasten. Diese gesellschaftliche Ebene macht LAYLA FOURIE besonders. Der Film macht so deutlich: Die Frage nach Wahrhaftigkeit und Verantwortung stellt sich nicht nur dem Einzelnen in der Extremsituation eines Unglücks, sondern auch für eine Gesellschaft als Ganzes, in der Menschen sicher und ohne krankhaften Argwohn leben wollen.

Patrick hat seinen „Erzeuger“ nie kennengelernt, weil der sich schon vor der Geburt aus dem Staub gemacht hat. Als er Ende 20 ist, bringt sich seine Mutter um. Patrick selbst entdeckt sie. Sie hat sich erhängt. Nach der Beerdigung findet er Informationen über seinen Vater und macht sich gemeinsam mit seinem Kumpel Elmer auf die Suche. DeAD klingt wie ganz schwere Kost, Familientragödie eben. Allerdings sind die beiden mit einem amerikanischen Oldtimercabrio unterwegs und haben einen Hang zu rabulistischem Irrsinn und narzisstischen Rachegelüsten. So wird aus der Aufarbeitung des gestörten Vater-Sohn-Verhältnis eine schwarze Komödie mit einem guten Schuss detailverliebter Perversität
.
In ihren besten Momenten ist der Film von Sven Halfar eine wahnwitzige Mischung aus FUNNY GAMES, DAS FEST und von Tarrantino infizierter Freude an stilisierter Gewalt. Das düstere Duo sucht den runden Geburtstag des Vaters mit einer ganz eigenen Art von sadistischem Charme heim. Schicht für Schicht legen sie die Schwachstellen der feiernden Familie bloß und lassen nach und nach die Gewalt mit mordlüsterner Höflichkeit eskalieren. Das Filmteam und die Darsteller kreieren mit Lust am Wahnwitz und in übersteigerter B-Movie-Ästhetik einige grandiose Szenen. Letztlich gelingt der Film nicht in allen Passagen, weil nicht alle Figuren überzeugen. Aber trotzdem lohnt das Gucken für den, der Spaß am Makaberen, an der Übertreibung und am Geschmacklosen hat.

Gloria ist älter als 50. In der Auftaktszene ist alleine in einem Tanzlokal und macht einen etwas schüchternen Eindruck. Wenn sie jemanden anspricht, erzählt sie sofort von ihrer schon lange zurückliegenden Scheidung. Zack! Schon habe ich als erfahrener Kinogänger Gloria in eine Schublade gepackt: Gloria ist eine einsame, frustrierte Frau, die verunsichert ist und nach Sinn im Leben sucht. Nun, meine Beschränktheit und meine Vorurteile sind mein ganz persönliches Problem, darüber hinaus habe ich Glück: GLORIA von Sebastián Lelio ist kein deutscher Film mit den üblichen Problemhorizonten, sondern ein chilenischer Film. So entsteht eine lebendige, nuancierte Geschichte, die konsequent aus der Perspektive der Protagonistin erzählt wird. Hauptdarstellerin Paulina Garcia gibt Gloria soviel Emotion und Echtheit, dass schon nach einer Viertelstunde klar wird: GLORIA ist auch ein Glücksfall für diese Berlinale.

Gloria hat ihr Leben im Griff und auch, was Männer betrifft, ergreift sie auf den Tanzpartys, die sie regelmäßig besucht die Initiative. Doch, wie es im Leben eben so ist: Was andere Menschen tun oder lassen, hat einen großen Einfluss. In Glorias Fall sind das ihre beiden erwachsenen Kinder oder auch der Nachbar, der über ihr wohnt und sie mit seinen lauten depressiven Anfällen nervt. Gloria bietet dann ihre Unterstützung an, besucht den Sohn, der offensichtlich Beziehungsprobleme hat und ruft die Mutter des kriselnden Nachbarn an. Aus einer von Glorias Tanzbekanntschaften wird eine Beziehung: Rodolfo ist ebenfalls geschieden, sehr liebevoll, aber kann sich offensichtlich nur schwer von seiner Ex-Frau lösen. Das wiederum liegt vor allem daran, dass er seine geschiedene Frau und die beiden erwachsenen Töchter geradezu zwanghaft finanziell abhängig gemacht hat.

Eine der großen Stärken des Films ist es, sich konsequent jeglicher Kategorisierung zu entziehen: Ist es eine Tragödie, eine Komödie oder ein Beziehungsfilm (einen Begriff, den es übrigens nur im Deutschen gibt)? Meine Antwort: Er ist oft lustig, in vielen Momentan aber auch traurig. Die Hauptfiguren tun Dinge, die sie manchmal selbst nicht verstehen, weil sie eben so sind, wie sie sind. Und manchmal geschieht Unvorhergesehenes, was die Dinge zusätzlich verkompliziert. Kurz gesagt: ein Film, der Leben auf die Leinwand bringt. Genießen wir es, sowas kommt im Berlinale-Wettbewerb selten genug vor – ein Bärenfavorit!

In A SINGLE SHOT wird weit mehr als ein einziger Schuss abgefeuert. Doch es ist dieser eine Schuss gleich zu Beginn des Films, der John Moon einerseits in einen Strudel der Schuldgefühle hinabreißt, ihm aber andererseits die große Chance auf einen Ausweg aus seinem verunglückten Leben eröffnet. Denn in den Bergen irgendwo in den USA ist John der größte Loser in einem gottverlassenen Kaff, das eigentlich nur Verlierer kennt. Sein Vater hat vor Jahren die Familienfarm verloren, John wird einen Job nach dem anderen los und nun ist seine Frau mit dem gemeinsamen Sohn aus dem verrotteten Trailer am Waldrand ausgezogen und will die Scheidung. A SINGLE SHOT ist ein klassischer Thriller mit einer ganz besonders dunklen Geschichte um Schicksal, Schuld und eskalierende Gewalt.

Johns Schuss löscht ein Leben aus, aber das Schicksal gibt ihm gleichzeitig einen Riesenbatzen Geld in die Hand. Genau aus diesem vergifteten Geschenk entwickelt die Geschichte ihre Dynamik. Es entsteht ein Hin und Her von Bedrohung und aufflackernder Hoffnung, die John Moon zu immer verzweifelten Taten treibt, um seine Familie zu retten. Der Film wird zu einer Mörderballade, in der die Grenzen zwischen Realität, Alptraum und Wahnsinn verwischen. Die tragenden Rollen teilen sich hervorragende Schauspieler: Sam Rockwell ist John Moon und in weiteren wichtigen Rollen sind Jeffrey Wright, William H. Macy und Kelly Reilly zu sehen.

A SINGLE SHOT ist noch düsterer ist als das finstere Gebirgsdorf in dem er spielt. Aus seinem eigenen Roman hat Matthew F. Jones ein Drehbuch entwickelt, das seinen Plot so stringent vorantreibt, dass aus jeder Entscheidung einer Figur, eine neue Eskalationsoption entsteht. Gleichzeitig entsteht eine blutige Moralgeschichte: Wer hat in dem Netz aus Verbrechen, Gewalt, Gier und Hoffnung die größere Schuld auf sich geladen und was ist der Weg, um diese Schuld zu begleichen?

Viele Leute reden mit, wenn es um Hilfe für Haiti geht. Bild: Velvet Flim.

Am 12. Januar 2010 bebte in Haiti die Erde. Etwa 250.000 Menschen starben, rund 1,2 Millionen Menschen verloren Ihr Zuhause und wurden obdachlos - das alles bei einer Gesamtbevölkerung von knapp zehn Millionen. Ausnahmsweise einmal war Hilfe nicht weit: Die weltweite Spendenbereitschaft von Menschen, Unternehmen und Institutionen war immens, die großen internationalen Hilfsorganisationen waren schnell vor Ort, um Soforthilfe zu leisten. Unter dem Motto „Towards a New Future for Haiti“ trafen sich am 31. März 2010 über 150 Staaten und zahlreiche internationale Organisationen im UN-Hauptquartier in New York zu einer Geberkonferenz. Die Teilnehmer machten Spendenzusagen von mehr mehr als neun Millarden US-Dollar, davon mehr als fünf Milliarden allein für die Jahre 2010 und 2011. Zur Koordinierung wurde die Haiti Recovery Commission (IHRC) ins Leben gerufen. „We look forward with hope to a future for Haiti in which the damage from the earthquake has been mended … and all the women and men of Haiti enjoy opportunity, security, prosperity, and peace.”, heißt es stolz im letzten Absatz des offiziellen Communiqués. Von den vielen guten Absichten, den geplatzten Pläne, dem Idealismus, dem Unvermögen, dem unermüdlichen Einsatz und vor allem von der wütenden Enttäuschung über den schieren organisatorischen Wahnsinn erzählt Raoul Pecks ASSISTANCE MORTELLE (FATAL ASSISTENCE).

Im Rückblick ist das Scheitern immer einfach zu erklären: Die Aktivitäten von hunderten von NGOs, dutzenden internationalen Organisationen, UN-Organisationen und den zahlreichen so unterschiedlich mächtigen Staaten mit ihren Einzelinteressen koordinieren? – Natürlich unmöglich! Milliarden von Dollar in kürzester Zeit in ein Land mit schwachen oder nichtexistenten Institutionen pumpen? – Das kann nicht funktionieren!

Dieses und Ähnliches sagen Fatalisten oder Spötter, aber das ist nicht das, was Raoul Peck mit seinem Film sagen will. Der gebürtige Haitianer zeigt vielmehr wie einfach folgenreiche Fehler, die bereits ganz am Anfang gemacht wurden, hätten vermieden werden können. Ein Beispiel: Alle Experten waren sich einig, dass die wichtigste Aufgabe neben der reinen Soforthilfe, die Beseitigung von Gebäudeteilen, Bauschutt, Müll usw. war. Das leuchtet jedem ein, der die Bilder der Zerstörung nach dem Erdbeben sieht. Für diese Aufräumarbeiten veranschlagten die Spezialisten etwa eine Milliarde Euro. Alle Spender zusammen stellten für diese Aufgabe aber nur 80 Millionen, also acht Prozent der benötigten Summe zur Verfügung. Warum? Weil alle, einschließlich der NGOs lieber in den Wiederaufbau – Gebäude, Infrastruktur etc. Investieren wollten. Ergebnis war, dass finanziell, technisch und personell völlig unzureichend ausgestattete haitianische Aufräumteams sich redlich mühten, während die verschiedensten internationalen Akteure munter planten, ein temporäres Flüchtlingscamp nach dem anderen aufbauten, diese wieder schlossen, Menschem umsiedelten – die Liste hektischer Aktivitäten von internationaler Seite lässt sich beliebig fortsetzen.

Der UN-Sonderbeauftragte für Haiti un der damalige Premierminister Haitis Jean-Max Bellerive, Amtszeit Nov 2009 - Mai 2011 Bild: Velvet Film.

Der Film zeigt viele Gespräche, nicht nur Interviews mit Experten, NGO-Vertretern und Politikern, sondern auch Diskussionen zwischen ihnen. Dabei wird eines deutlich: Die Haitianer, die von der Hilfe profitieren sollten und sollen, hat niemand gefragt und auch heute will man ihre Meinung eigentlich nicht hören. Das Entsetzen ist allerdings groß, wenn die Menschen sich selbst helfen und sich mit dem bisschen, was ihnen zur Verfügung steht, ein eigenes provisorisches Zuhause schaffen. Dann sprechen die Offiziellen von Slums und illegalen Siedlern. Deren neue Behausungen sind ärmlich aber immer noch besser als die Holzhütten ohne Wasser, Abwasser oder Elektrizität, die die NGOs an einem Hügel auf Schottergelände, elf Meilen außerhalb der Stadt aufbauen.

ASSISTANCE MORTELLE ist ebenso spannend wie frustrierend. Auch wenn von den 9,5 Milliarden zugesagten US-Dollars erst sechs Milliarden ausgezahlt sind und davon rund eine Millarde in Projekte fließt, die es schon vor dem Erdbeben gab, muss mit den restlichen fünf Milliarden mehr zu erreichen sein. Allerdings sind von diesem Geld nur etwa ein Prozent direkt an haitianische Institutionen geflossen. Das sind 50 Millionen. Könnte es sein, dass es unmöglich ist jemand zu helfen, der nicht selbst über die Art und Weise der Hilfe zumindest mitentscheiden kann? Die amerikanische Koordinatorin für Housing Projects sagt selbst frustriert, dass weder Staaten, internationale Institutionen noch NGOs bereit seien, Gelder direkt an haitianische Bürger zu vergeben. Das sei eines der Hauptprobleme.

Hat da jemand Korruption gerufen, die sei doch in Haiti virulent? Zwei Informationen dazu: Mindestens 20 und bis zu 60 Prozent der gespendeten Mittel fließen wieder in die Geberländer zurück und haitianischen Regierungsinstitutionen ist es nicht möglich, detaillierte Auskünfte der Geber über die Verwendung und die Zu- und Abflüsse von Spendengeldern zu bekommen. Stattdessen streiten internationale uns haitianische Politiker, Beamte und NGO-Vertreter auf allen Ebenen miteinander. Der Film von Raoul Peck ist ideales Anschauungsmaterial für Mitarbeiter von NGOs, internationalen Organisationen und Entwicklungshilfeministerien werden. Die Frage ist, ob sie ihn sehen wollen.

Marc und Kay kurz bevor der freie Fall beginnt. Bild: Sten Mende, kurhaus production

Bereitschaftspolizist, also Beamter, verheiratet – Kind ist unterwegs – und der Einzug in die Doppelhaushälfte in unmittelbarer Nähe der Schwiegereltern und von Schwägerin und Schwager läuft gerade. Wie es für Marc bis zur Pensionierung weitergeht, steht fest. Noch vorgezeichneter kann ein Lebensweg gar nicht sein. Doch dann lernt Marc auf einem Polizeilehrgang Kay kennen und schnell kippt dieses Leben ins Ungewisse.

Der Regisseur Stephan Lacant, das Drehbuch hat er gemeinsam mit Karsten Dahlem geschrieben, ist mit FREIER FALL kein geringes Risiko eingegangen. Die Geschichte stellt ihre Hauptfigur Marc fast vom ersten Moment an in eine sich immer stärke zuspitzende emotionale Extremsituation. Filme die so angelegt sind, können furchtbar nerven, wenn sie überzogen sind oder unfassbar langweilen, wenn sie inkonsequent werden. Das ist bei FREIER FALL nicht so. Lacant lässt die der Macho-Welt der Bereitschaftspolizisten mit Wucht auf die Dreieckskonstellation treffen, in der Marc sich plötzlich zwischen seiner Frau und seinem Kollegen Kay befindet. Der Aufprall ist hart.

Seine Spannung und Glaubwürdigkeit zieht der Film aus der kompromisslosen schauspielerischen Leistung von Hanno Koffler (Marc) Max Riemelt (Kay) und Katharina Schüttler als Marcs Ehefrau Bettina. Da wird nicht über Beziehung verhandelt, da brechen sich Verlangen, Verwirrung, Wut und Enttäuschung Bahn. So wird deutlich, dass Marc in einer existenziellen Krise steckt. Alles steht auf dem Prüfstand: Seine Ziele, seine Wünsche und vor allem sein Selbstbild. Das Schauspielertrio, das die Geschichte trägt, tröstet auch über ein paar kleine Klischees hinweg, die sich der Film leistet. FREIER FALL unterscheidet sich deutlich vom deutschen Durchschnittsfilm, weil seine Story eben nicht nach dem für jedes Drama obligatorischen Konflikt in einer gefälligen Weiterführung des Plots und einer erwartbaren Konfliktlösung mündet. Stephan Lacant und Karsten Dahlem wünsche ich zwei Dinge: Erstens, dass der Film einen möglichst breiten Kinostart bekommt und zweitens, dass die SWR-Reihe „Debüt im Dritten“, die mitproduziert hat, FREIER FALL auch einen vernünftigen Sendeplatz einräumt.

Musljumowo mehr als 50 Jahre nach der Katastrophe, Quelle: Berlinale.

Der herausragende Film der diesjährigen Perspektive Deutsches Kino ist ein Dokumentarfilm: METAMORPHOSEN von Sebastian Mez. Mez konfrontiert den Zuschauer mit den Folgen eines Ereignisses, das schon mehr als ein halbes Jahrhundert zurückliegt: Die Explosion in der damals sowjetischen, heute russischen Nuklearfabrik Majak. Am 29. September 1957 explodierte in der Anlage, in der waffenfähiges Plutonium angereichert wurde, ein großer Tank mit stark radioaktiver Flüssigkeit. METAMORPHOSEN beschäftigt sich nicht mit Technik, versucht keine komplizierten Erklärungen. Mez filmt mit großer Ruhe und langen Einstellungen im nahen Dorf Musljumowo. Und er lässt Menschen sprechen. Mit diesem einfachen Rezept gelingt eine inhaltlich und ästhetisch sehr beeindruckende Dokumentation. Weil solche Filme bei der Berlinale viel zu oft übersehen werden, hier gleich die Aufführungsdaten: Der Film hat seine Premiere am Montag, 11. Februar, um 19.30 Uhr im Cinemaxx 3 und wird am Dienstag, 12. Februar, zweimal gezeigt - um 13 Uhr im Colosseum und um 20.30 Uhr im Cinemaxx 1.

METAMORPHOSEN sticht aus einem guten Perspektive-Jahrgang mit vielen handwerklich ansprechenden und thematisch interessanten Filmen hervor. Nur zwei Filme, die eher im essayistisch-experimientellen Bereich angesiedelt sind, fallen stark ab. Ein besonderer Tipp bei den Spielfilmen ist FREIER FALL von Stephan Lacant mit Hanno Koffler, Max Riemelt und Katharina Schüttler in den Hauptrollen. FREIER FALL erzählt eine spannende Beziehungs-Geschichte zweier Polizisten und einer Frau. Ebenfalls überzeugend ist bei den Spielfilmen ENDZEIT von Sebastian Fritzsch. Der Titel gibt hier das Thema vor: Es geht um das Überleben nach der großen Katastrophe. Wer es gerne bizarr mag und mit den Filmen von Quentin Tarrantino etwas anfangen kann, sollte es mit DeAD von Sven Halfar versuchen. Mich hat der Film nicht vollkommen überzeugt, aber er hat viele gute Einfälle und eine ganze Reihe von überraschenden Szenen für die Freundinnen und Freunde brutal-heiterer Geschmacklosigkeiten.

Zwei weitere Filme der Perspektive sind Beispiele für gelungene Dokumentationen: EINZELKÄMPFER von Sandra Kaudelka ist ein Portrait von Spitzensportlern der damaligen DDR. Die Turmspringerin Brita Baldus und die Leichtathleten Udo Beyer, Ines Geipel und Marita Koch bieten sehr unterschiedliche Perspektiven auf den DDR-Leistungssport. Eine sportliche Leistung ganz anderer Art ist der Bauchtanz. Carolin Genreith setzt in DIE MIT DEM BAUCH TANZEN die Bauchtanzgruppe ihrer Mutter ins Bild. Was dabei herauskommt, ist oft überraschend und – ich gebe zu, ich hatte Befürchtungen – nicht peinlich.

ZWEI MÃœTTER ein Kinderwunsch, Quelle: Berlinale.

Einen Mittelweg zwischen Dokumentation und Fiktion gehen die beiden Filme ZWEI MÜTTER von Anne Zohra Berrached und SILVI von Nico Sommer. Besonders gut gelingt das bei ZWEI MÜTTER, die Geschichte über ein lesbisches Paar, das schwanger werden möchte. Die Regisseurin entwickelt ihre Geschichte mit nur zwei Schauspielerinnen: Karina Plachetka und Sabine Wolf. Alle anderen, die Apothekerin, der Anwalt, der Arzt usw. spielen sich selbst. Heraus kommt ein Film, der zeigt, wie kompliziert es sein kann, wenn zwei Frauen sich ein Kind wünschen – und das liegt nicht nur an den in Deutschland, wie könnte es auch anders sein, absurden Vorschriften. SILVI ist ein Spielfilm, der auf realen Erfahrungen beruht. Im Mittelpunkt steht eine Frau, die unverhofft und ungewünscht wieder Single wird.

Seit 2006 habe ich jetzt so ziemlich jeden Film gesehen, der in der Perspektive Deutsches Kino lief. Das Jahr 2013 ist ein erfreuliches. Es zeigt auch, dass die so oft gescholtenen TV-Koproduktionen oder von Filmstiftungen geförderten Projekte keineswegs in der Mehrheit stromlinienförmig sind. Die Absolventinnen und Absolventen der Deutschen Filmhochschulen trauen sich was – nicht immer, aber offensichtlich immer öfter.

Ausführliche Besprechungen der einzelnen Filme sind vor der Premiere nicht möglich und folgen im Laufe der Berlinale.

Marlon Brando in ON THE WATERFRONT, Bild: Deutsche Kinemathek, Sony Pictures/Park Circus.

Berlinale Classics heißt eine neue Untersektion der Retrospektive, in der die Berlinale in Zukunft wiederentdeckte und aufwendig restaurierte Fassungen von Filmklassiker zeigen wird. In diesem Jahr werden fünf Filme gezeigt. Unter den fünf Kinodiamanten funkelt ON THE WATERFRONT (Die Faust im Nacken) von Elia Kazan ganz besonders. Die amerikanische Produktion von 1954 wurde mit acht Oscars ausgezeichnet: unter anderem als Bester Film, Marlon Brando als Bester Hauptdarsteller, Kazan für die Beste Regie und Budd Schulberg für das Beste Drehbuch. Die Story um Terry Malloy und den Kampf gegen korrupte Gewerkschaftsbosse erlebt als Welterstaufführung ihre Leinwandpremiere in der digital restaurierten Fassung im 4k-Format.

Dass man vor fast 60 Jahren auch echte Meisterwerke in 3-D drehen konnte, bewies Alfred Hitchcock. Er drehte sein legendäres Kriminal- und Ehedrama DIAL M FOR MURDER (Bei Anruf Mord, USA 1954) unter Verwendung des Polarisationsverfahrens „Natural Vision 3-D“. Im Rahmen der Berlinale Classics ist die europäische Erstaufführung der digitalen 3-D-Projektion zu sehen.

Die Berlinale Classics bieten auch den Rahmen für die internationale Erstaufführung der digital restaurierten Fassung von TŌKYŌ MONOGATARI (Die Reise nach Tokio, Japan 1953) von Yasujirō Ozu.

Ein weiteres Highlight ist DER STUDENT VON PRAG (Deutschland 1913). Das Werk von Regisseur Hanns Heinz Ewers begründete den Weltruf des deutschen Stummfilms. Für die digitale Rekonstruktion des Filmmuseums München konnten erstmals alle bekannten existierenden Filmmaterialien und Schriftdokumente herangezogen werden.

CABARET (USA 1972) in der Regie von Bob Fosse prägte für lange Zeit die filmische Darstellung des verruchten und dekadenten Berlins der 1930er Jahre. Associate Producer war Harold Nebenzal, geboren 1922 in Berlin, der in dritter Generation als Produzent reüssierte. Sein Vater Seymour Nebenzal, mit dem er 1933 in die USA emigrierte, und sein Großvater Heinrich Nebenzahl brachten als Produzenten einige der bedeutendsten Filme der Weimarer Republik hervor. Als Gast des Festivals wird Harold Nebenzal Cabaret sowie zwei Retrospektive-Filme präsentieren.

Das Programm der Berlinale Classics 2013 mit den Vorführungszeiten:
Cabaret
von Bob Fosse, USA 1972
Sa, 9.2., 11:00 Uhr Kino International, präsentiert von Harold Nebenzal

Dial M for Murder (Bei Anruf Mord)
von Alfred Hitchcock, USA 1954
Di, 12.2., 18:00 Uhr und Sa, 16.2. 22:00 Uhr Haus der Berliner Festspiele, europäische Erstaufführung der digitalen 3-D-Projektion

On the Waterfront (Die Faust im Nacken)
von Elia Kazan, USA 1954
Mi, 13.2., 19:00 Uhr Cinestar Event Cinema,
Welterstaufführung der restaurierten Fassung von 2013 (4K)

Der Student von Prag
von Hanns Heinz Ewers, Deutschland 1913
Eine Koproduktion von Filmmuseum München, Orchester Jakobsplatz München und ZDF in Zusammenarbeit mit Arte. In Kooperation mit der Deutschen Kinemathek, den Internationalen Filmfestspielen Berlin und der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin.
Fr, 15.2., 20:00 Uhr Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Welterstaufführung der digital rekonstruierten Fassung

Tōkyō Monogatari (Reise nach Tokio)
von Yasujirō Ozu, Japan 1953
Do, 14.2., 15:00 Uhr CinemaxX 6 am Potsdamer Platz,
internationale Erstaufführung der digital restaurierten Fassung

Wenn Entwicklungshilfe tötet: Assistance Mortelle von Raoul Peck, Bild: Velvet Film)

Auch 2013 wird es zu einigen Filmen des Berlinale Special nach den Vorstellungen moderierte Gespräche geben. Veranstaltungsort für dieses Format ist erneut das Haus der Berliner Festspiele, namhafte Regisseure werden hier ihre jüngsten Filme vorstellen und diskutieren. Ken Loach wirft in THE SPIRIT OF '45 einen Blick auf das Großbritannien der Nachkriegszeit und spürt dem damaligen neuen Geist des Sozialismus nach.

Auch Dokumentationen nehmen bei den Filmgesprächen einen breiten Raum ein. Raoul Peck dokumentiert in ASSISTANCE MORTELLE die Auswirkungen des Charity-Rummels nach den Erdbeben auf Haiti. Zwei Dokumentarfilme über die Paralympics zeigen die Wertschätzung des Unterschieds: GOLD - DU KANNST MEHR ALS DU DENKST von Michael Hammon und MEIN WEG NACH OLYMPIA von Niko von Glasow. Außerdem thematisiert UNTER MENSCHEN von Christian Rost und Claus Strigel die Folgen von Tierversuchen

Mit Jane Campions Mehrteiler TOP OF THE LAKE präsentiert das Berlinale Special 2013darüber hinaus wie bereits gemeldet eine außergewöhnliche TV-Produktion.

Das Programm der Berlinale Special im Haus der Berliner Festspiele

Assistance Mortelle (Fatal Assistance) - Dokumentarfilm
Frankreich/Haiti/USA/Belgien
Von Raoul Peck

Gold – Du kannst mehr als Du denkst (Gold – You Can Do More Than You Think) - Dokumentarfilm
Deutschland
Von Michael Hammon

Mein Weg nach Olympia (My Way to Olympia) - Dokumentarfilm
Deutschland
Von Niko von Glasow

Top of the Lake
Australien/Neuseeland
Von Jane Campion
TV-Serie
Mit Elisabeth Moss, David Wenham, Peter Mullan, Holly Hunter

The Spirit of ’45 - Dokumentarfilm
Großbritannien
Von Ken Loach

Unter Menschen (Redemption Impossible) - Dokumentarfilm
Deutschland
Von Christian Rost, Claus Strigel

„Das ist wie beim 22. Parteitag der KPdSU, hier oben sitzen immer dieselben“, sagte Berlinale-Direktor Dieter Kosslick zur Eröffnung der Berlinale Pressekonferenz. Vermutlich war der 22. Parteitag der KPdSU am 17. Oktober 1961 sogar etwas interessanter als diese Berlinale-Pressekonferenz, schließlich hatte die DDR gut zwei Monate zuvor mit dem Bau der Berliner Mauer begonnen und die Welt war knapp an einem heißen Krieg vorbeigeschrammt. Immerhin hatte Kosslick genau eine interessante Nachricht zu verkünden: die Zusammensetzung der Jury. Die besteht ja zum Glück jedes Jahr aus anderen Gesichtern.

Die Sektionsleiter sagen dann das, was schon in den Pressemitteilungen stand, die in den vergangenen Wochen verschickt wurden, oder das, was in den Presseunterlagen steht, die ohnehin schon alle vor Langeweile beim Warten durchgeblättert haben. Halt! Eine Nachricht gab es noch: In der Berlinale-Pressestelle gibt es eine neue Mitarbeiterin, die Marlene Dietrich heißt. Über sowas lachen Journalistinnen und Journalisten gerne (sie haben's auch nicht leicht) und Marlene Dietrich wird von einem Dutzend Fotografen mit Dieter Kosslick fotografiert.

Diesen Viewfinder erhält der Regisseur des besten Erstlingsfilms neben dem Preisgeld (Bild: Ali Ghandtschi, Berlinale)

Seit 2006 vergibt die Berlinale einen Preis für das beste Spielfilmdebüt. Die Auszeichnung ist mit 50.000 Euro dotiert und wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet. Das Geld teilen sich Regisseur und Produzent. Der Preis wird sektionsübergreifend an einen Debütfilm aus den Sektionen Wettbewerb, Panorama, Forum, Generation oder der Perspektive Deutsches Kino vergeben. In diesem Jahr bewerben sich insgesamt 27 Filme um die Auszeichnung, darunter auch der kasachisch-deutsche Wettbewerbsbeitrag UROKI GARMONII (Harmony lessons) von Emir Baigazin. Hinzu kommen acht Bewerber aus dem Forum, sieben aus der Reihe Generation, sechs aus dem Panorama und fünf Filme aus der Perspektive Deutsches Kino.

Über die Vergabe des Preises für den besten Erstlingsfilm entscheidet eine dreiköpfige Jury. Das sind in diesem Jahr der Drehbuchautor und Regisseur Oren Moverman, der auf der Berlinale 2009 für sein eigenes Regiedebüt THE MESSENGER den Silbernen Bären erhielt, der Regisseur Taika Waititi, Gewinner des Großen Preis des Deutschen Kinderhilfswerks bei der Berlinale 2010 für BOY und die Dokumentarfilmerin Lucy Walker. Sie gewann mit nur fünf Filmen mehr als 50 Preise und wurde sowohl für WASTE LAND als auch für THE TSUNAMI AND THE CHERRY BLOSSOM für den Oscar nominiert.

(ALAM LAYSA LANA von Mahdi Feifel, Quelle: Berlinale)

Einen besonderen Schwerpunkt setzt Panorama dokumente in diesem Jahr auf den Nahen Osten. Drei Filme beschäftigen sich mit den Konflikten in dieser Region. In ALAM LAYSA LANA (A World Not Ours) von Mahdi Feifel beschäftigt sich der dänischen Regisseur mit drei Generationen in einem palästinensischen Flüchtlingslager im Süd-Libanon. ART/VIOLENCE von Udi Aloni, Batoul Taleb, Mariam Abu Khaled zeigt, wie die Schüler des 2011 ermordeten palästinensisch-jüdischen Schauspielers, Regisseurs und Friedensaktivisten Juliano Mer-Khamis das Freedom Theatre weiterführen. Schließlich dokumentiert Dan Settons STATE 194 die Bemühungen der palästinensischen Gebiete, als 194. Staat von den Vereinten Nationen anerkannt zu werden.

Eine ganz andere Seite der Region zeigt die Filmemacherin Mitra Farahani in FIFI AZ KHOSHHALI ZOOZE MIKESHAD (Fifi is Howling from Happiness) mit Ihrem Portrait des iranischen Künstlers Bahman Mohassess. Seine meist nackten Bronzefiguren mit deutlich betonten Phalli erregten schon zu Zeiten des Schahs Anstoß, und seine Werke wurden vielfach zensiert. Nach der Revolution verlor sich seine Spur, es hieß, er hätte seine restlichen Bilder selbst zerstört und sei verschwunden. Mitra Farahani findet Mohassess in einem Hotel bei Rom. Sie will Mohassess bei der bildnerischen Arbeit filmen und lernt zwei iranische Sammler kennen, die bei ihm ein neues Werk in Auftrag geben.

(NGATI von Barry Barclay, Quelle: New Zealand Film Commission)

Eine neue Reihe startet die Berlinale 2013 unter dem Titel „NATIVe – A Journey into Indigenous Cinema“. Die Reihe widmet sich den filmischen Erzählungen indigener Völker und beginnt in ihrem ersten Jahr mit einem territorialen Fokus auf Filme aus Ozeanien, Australien, Nordamerika und der Arktis. Das Programm zeigt in 24 Kurz-, Spiel- und Dokumentarfilmen wegweisendes indigenes Kino der vergangenen 50 Jahre. Feierlich eröffnet wird die Sonderreihe mit dem preisgekrönten Spielfilm ATANARJUAT THE FAST RUNNER von Inuit-Regisseur Zacharias Kunuk am 8. Februar im Haus der Berliner Festspiele.
Das Projekt entstand mit großer Unterstützung eines internationalen, indigenen Beraterteams, das unter anderem das Filmprogramm mitkuratiert hat. Das gesamte Beraterteam kommt zu Berlinale nach Berlin.

ATANARJUAT THE FAST RUNNER von Zacharias Kunuk (Kanada, 2001)
Die Legende des Atanarjuat, der die Hand der schönen Atuat gewinnt. Er entkommt nackt mit einem Sprint über das ewige Eis dem Hinterhalt seines Rivalen und besiegt schließlich einen alten Schamanenfluch.

BENEATH CLOUDS von Ivan Sen (Australien, 2002)
Ein Roadmovie durch australische Weiten, zwei Außenseiter mit unterschiedlichen Zielen. Vaughn verachtet alle Weißen, Lena verschweigt ihre Aboriginal-Mutter. Als Notgemeinschaft sind die beiden sich näher, als sie ahnen.

BOY von Taika Waititi (Neuseeland, 2010)
Der Halbwaise Boy verehrt Michael Jackson und idealisiert seinen im Gefängnis sitzenden Vater. Als dieser entlassen wird, erhofft sich der Maori-Junge eine gemeinsame Zukunft und versucht einiges, um den coolen Mann zu beeindrucken.

THE EXILES von Kent Mackenzie (USA, 1961)
Junge Native Americans während einer Nacht in Los Angeles: Flirts, Schlägereien, Partys. Die dokumentarischen Schwarzweiß-Bilder porträtieren eine haltlose Generation und einen atmosphärisch intensiven Großstadtmoment.

NGATI von Barry Barclay (Neuseeland, 1987)
Im Neuseeland der 1940er Jahre kommt ein junger Arzt in ein Dorf, um die Maori zu belehren. Doch er erkennt, dass er es ist, der von Tradition und Zusammenhalt der Gemeinde lernen kann.

O LE TULAFALE (The Orator) von Tusi Tamasese (Samoa/Neuseeland, 2011)
Eine Familienfehde stört den Frieden im Dorf des kleinwüchsigen Saili. Um die Harmonie wieder herzustellen, bedient er sich der Tradition der Redekunst seiner samoanischen Vorfahren.

ON THE ICE von Andrew Okpeaha MacLean (USA, 2011)
In hellen Polarnächten gehen sie auf Hip-Hop-Partys und tagsüber auf Seehundjagd. Als es dabei zu einem tödlichen Zwischenfall kommt, spinnen Qalli und Aivaaq ein Netz aus Lügen und begeben sich buchstäblich auf dünnes Eis.

SAMSON & DELILAH von Warwick Thornton (Australien, 2009)
Zwei rebellische Jugendliche verlassen ihr Zuhause im Outback und machen sich auf den Weg in die Stadt. Hier werden sie sich ihres Außenseiterstatus umso mehr bewusst. Sie entwickeln eigenwillige Überlebensstrategien, eine zarte Liebe beginnt zu wachsen.

SAVING GRACE, TE WHAKARAUORA TANGATA von Merata Mita (Neuseeland, 2011 Dokumentarfilm)
Maori-Männer treten vor die Kamera und übernehmen Verantwortung für ihre Gewalttätigkeit..

SKINS von Chris Eyre (USA, 2002)
Alkoholismus, Gewalt und Arbeitslosigkeit bestimmen den Alltag im Reservat. Ruby arbeitet als tribal cop. Er will mehr als nur Symptome bekämpfen und tritt einen ungewöhnlichen Rachefeldzug im Na von Rolf de Heer – Australien 2006
Zehn Jäger, zwei Erzähler, drei Zeitebenen in einer Geschichte über Liebe, Verrat und Stammeskriege.

TRUDELL von Heather Rae (USA, 2005 Dokumentarfilm)
John Trudell ist ein lebenslanger Aktivist des American Indian Movement. Der Film folgt seinem Weg von der Kindheit in Nebraska über seinen politischen Kampf bis hin zu dessen Fortführung in seiner Arbeit als Dichter und Musiker.

Kurzfilme

THE BALLAD OF CROWFOOT von Willie Dunn (Kanada, 1968)
Die Ballade zu historischen Bildern erzählt vom Leben des legendären Chief Crowfoot und dem Schicksal der First Peoples in Kanada.

BASTION POINT DAY 507 von Merata Mita, Leon Narbey, Gerd Pohlmann (Neuseeland, 1980 Dokumentarfilm)
Ein Zeitdokument der Maori-Protestbewegung über den gewaltsamen Enteignungskonflikt des Küstengebiets Bastion Point im Jahr 1978.

CIRCLE OF THE SUN von Colin Low (Kanada, 1960 Dokumentarfilm)
In dem Dokumentarfilm wird zum ersten Mal die traditionelle Sonnenzeremonie des Kainai-Stammes festgehalten.

EBONY SOCIETY von Tammy Davis (Neuseeland, 2011)
Zwei Jugendliche auf Einbruchstour in der Weihnachtszeit. Doch was sie vorfinden, lässt sie ihre Beute vergessen.

GREEN BUSH von Warwick Thornton (Australien, 2005)
DJ Kenny moderiert seine abendliche Radiosendung im australischen Outback, als ein alter Mann an die Tür klopft und um eine Tasse Tee bittet. Eine turbulente Nacht beginnt.

NANA von Warwick Thornton (Australien, 2007)
Sie wird von ihrer Enkelin heiß geliebt: Nana kocht, malt, jagt und sorgt auf ihre ganz besondere Art für Recht und Ordnung.

NGANGKARI von Erica Glynn (Australien, 2001 Dokumentarfilm)
Der Dokumentarfilm begleitet traditionelle Heiler bei ihrer Arbeit in Aboriginal-Gemeinschaften und zeigt, wie sie ihr Wissen weitergeben.

PAYBACK von Warwick Thornton (Australien, 1996)
Nach 20 Jahren Gefängnis muss sich Paddy an seinem Entlassungstag dem Vergeltungsakt nach den Gesetzen seines Volkes stellen.

LE RÊVE D’UNE MÈRE (A Mother’s Dream) von Cherilyn Papatie – Kanada 2007 (Dokumentarfilm)
Traum und Albtraum einer Mutter. Der Staat erlaubt ihr nur selten ein paar Stunden mit ihren Kindern.

RICHARD CARDINAL – CRY FROM A DIARY OF A MÉTIS CHILD von Alanis Obomsawin (Kanada, 1986 Dokumentarfilm)
Chronik eines Selbstmords, der 1986 den Stolen Generations Kanadas ein Gesicht gibt. Richards Lebenswille bricht nach Misshandlungen und Demütigungen in 28 Pflegefamilien und Heimen.

TURANGAWAEWAE – A PLACE TO STAND von Peter Burger (Neuseeland, 2003)
Ein Mann, gefangen in Kriegserinnerungen und verloren in der Gegenwart, findet zu seinen Wurzeln zurück.

TWO CARS, ONE NIGHT von Taika Waititi (Neuseeland, 2004)
Während sie vor der Kneipe auf ihre Eltern warten, lernen sich die Polly und Romeo kennen. Was streitlustig beginnt, endet im Aufflackern einer ersten Liebe.

Wer vor der Berlinale schon mal in Festivalstimmung möchte, kann das am kommenden Sonntag, 27. Januar, tun: beim Mockumentary Festival im Sputnik Kino in den Höfen am Südstern, Hasenheide 64. Der AV Club Wedding zeigt drei Mockumentaries, die auch Rockumentaries sind. Los geht es um 18.15 Uhr mit dem kanadischen Film HARD CORE LOGO über die Renunion der gleichnamigen Punk Band und ihren charismatischen Sänger Joe Dick. Weiter geht es um 20 Uhr mit dem Kraftwerk-Spoof FRAKTUS der im vergangenen Jahr von den Hamburger Studio Braun-Machern ersonnen wurde. Und der Höhepunkt ist ab 22 Uhr die Mutter aller Mockumentaries THIS IS SPINAL TAP. Ja, ich weiß, vorher gab's schon THE RUTLES, aber THIS IS SPINAL TAP ist besser. Der Eintritt ist frei!

Im Wettbewerb der 63. Berlinale konkurrieren 19 Filme um den goldenen und die silbernen Bären, fünf weitere Filme laufen zwar formal im Rahmen des Wettbewerbs aber außer Konkurrenz. Auch der Eröffnungsfilm der Berlinale YI DAI ZONG SHI (The Grandmaster) von Jurypräsident Wong Kar Wai, die Geschichte über Bruce Lees Lehrmeister Ip Man, nimmt nicht am Rennen um die Auszeichnungen teil. Um die Bären bewerben sich aber als Weltpremieren die neuen Filme von Regisseuren wie Jafar Panahi PARDE (Closed Curtain), Danis Tanovic EPIZODA U ŽIVOTU BERAČA ŽELJEZA (An Episode in the Life of an Iron Picker), Ulrich Seidl PARADIES: HOFFNUNG und Thomas Arslan GOLD.

Zu den prominenten Regisseurnamen im Wettbewerb gehören auch Steven Soderbergh mit SIDE EFFECTS und Gus van Sant mit PROMISED LAND. Diese Filme sind bereits in den USA angelaufen und haben in Berlin ihre internationale Premiere. Dank van Sant und Soderbergh darf der rote Teppich auf die Schuhsohlen von Schauspielerstars wie Matt Damon, Frances McDormand, Jude Law und Catherine Zeta-Jones hoffen. Debütregisseur Fredrich Bond konnte für THE NECESSARY DEATH OF CHARLIE COUNTRYMAN nicht nur Shia LaBeouf, Evan Rachel Wood und Mads Mikkelsen gewinnen, sondern sogar Til Schweiger. Bond hat sich zuvor einen Namen als Starregisseur von Werbeclips gemacht und auch beim Musikvideo Mobys Bodyrock Regie geführt. Da der Wettbewerb mit drei Filmen von französischen Regisseuren - CAMILLE CLAUDEL 1915 von Bruno Dumont, ELLE S'EN VA (On my Way) von Emmanuelle Bercot und LA RELIGIEUSE (Die Nonne) von Guillaume Nicloux wieder äußerst frankophil ausfällt, sind auch Stars wie Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent, Catherine Deneuve und Isabelle Huppert Teil der Berlinale.

Äußerst interessante Filme finden sich unter den weiteren Beiträgen, die außer Konkurrenz laufen. Das gilt ganz besonders für DARK BLOOD des Niederländers George Sluizer. Der Dreh des Films fand 1993 statt, River Phoenix spielte die Hauptrolle. Kurz vor Ende der Dreharbeiten starb River Phoenix mit 23 Jahren an Herzversagen durch eine Überdosis Drogen. Fast 20 Jahre später, im Januar 2012, begann Sluizer mit dem Schnitt und der Postproduktion seines unvollendeten Werks. Neben Phoenix in seiner letzten Rolle sind Judy Davies und Jonathan Pryce zu sehen.

Außerdem kommt Richard Linklater mit der Fortsetzung von BEFORE SUNRISE und BEFORE SUNSET zur Berlinale. Jesse (Ethan Hawke) und Celine (Julie Delpy) treffen sich in BEFORE MIDNIGHT zum dritten Mal. Für BEFORE SUNRISE, den ersten Teil der Trilogie, hatte Linklater auf der Berlinale 1995 den Silbernen Bären als bester Regisseur bekommen. Und ein wahres Starensemble dirigiert der Däne Bille August: Bei NIGHT TRAIN TO LISBON stehen Jeremy Irons, Martina Gedeck, August Diehl, Christopher Lee und Charlotte Rampling vor der Kamera.

Hier alle Wettbewerbs-Filme in der Konkurrenz um die Bären:
DOLGAYA SCHASTLIVAYA ZHIZN (A Long and Happy Life)
Russische Föderation
Von Boris Khlebnikov
Mit Alexander Yatsenko, Eugene Sitiy, Anna Kotova

PRINCE AVALANCHE
USA
Von David Gordon Green
Mit Paul Rudd, Emile Hirsch

UROKI GARMONII (Harmony Lessons)
Kasachstan/Deutschland
Von Emir Baigazin
Mit Timur Aidarbekov, Aslan Anarbayev, Mukhtar Andassov

VIC+FLO ONT VU UN OURS (Vic+Flo haben einen Bären gesehen)
Kanada
Von Denis Côté
Mit Pierrette Robitaille, Romane Bohringer, Marc-André Grondin

W IMIĘ... (In the Name of)
Polen
Von Małgośka Szumowska
Mit Andrzej Chyra, Mateusz Kościukiewicz

GLORIA
Chile/Spanien
Von Sebastián Lelio
Mit Paulina García, Sergio Hernández

NUGU-UI TTAL-DO ANIN HAEWON (Nobody's Daughter Haewon)
Republik Korea
Von Hong Sangsoo
Mit Eunchae Jung, Sunkyun Lee

PARADIES: HOFFNUNG
Österreich/Frankreich/Deutschland
Von Ulrich Seidl
Mit Melanie Lenz, Vivian Bartsch, Joseph Lorenz, Michael Thomas

POZIÅ¢IA COPILULUI (Child's Pose)
Rumänien
Von Călin Peter Netzer
Mit Luminiţa Gheorghiu, Bogdan Dumitrache, Florin Zamfirescu

PROMISED LAND
USA
Von Gus van Sant
Mit Matt Damon, John Krasinski, Frances McDormand, Rosemarie DeWitt

CAMILLE CLAUDEL 1915
Frankreich
Von Bruno Dumont
Mit Juliette Binoche, Jean-Luc Vincent

ELLE S'EN VA (On my Way)
Frankreich
Von Emmanuelle Bercot
Mit Catherine Deneuve

EPIZODA U ŽIVOTU BERAČA ŽELJEZA (An Episode in the Life of an Iron Picker)
Bosnien und Herzegowina/Frankreich/Slowenien
Von Danis Tanovic
Mit Senada Alimanovic, Nazif Mujic, Sandra Mujic, Semsa Mujic

GOLD
Deutschland
Von Thomas Arslan
Mit Nina Hoss, Marko Mandic, Uwe Bohm, Lars Rudolph

LA RELIGIEUSE (Die Nonne)
Frankreich/Deutschland/Belgien
Von Guillaume Nicloux
Mit Pauline Etienne, Isabelle Huppert, Louise Bourgoin, Martina Gedeck

LAYLA FOURIE
Deutschland/Südafrika/Frankreich/Niederlande
Von Pia Marais
Mit Rayna Campbell, August Diehl, Rapule Hendricks

THE NECESSARY DEATH OF CHARLIE COUNTRYMAN
USA
Von Fredrik Bond
Mit Shia LaBeouf, Evan Rachel Wood, Mads Mikkelsen, Til Schweiger

PARDE (Closed Curtain)
Iran
Von Jafar Panahi und Kambozia Partovi
Mit Kambozia Partovi, Maryam Moghadam, Jafar Panahi, Hadi Saeedi, Azadeh Torabi

SIDE EFFECTS
USA
Von Steven Soderbergh
Mit Jude Law, Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones, Channing Tatum

Und die Filme, die außerhalb der Konkurrenz laufen:
YI DAI ZONG SHI (The Grandmaster)
Hong Kong/China/Frankreich
Von Wong Kar Wai
Mit Tony Leung, Ziyi Zhang, Chang Chen

BEFORE MIDNIGHT
USA / Griechenland
Von Richard Linklater
Mit Ethan Hawke, Julie Delpy

DARK BLOOD
Niederlande
Von George Sluizer
Mit River Phoenix, Judy Davis, Jonathan Pryce, Karen Black

NIGHT TRAIN TO LISBON
Deutschland/Schweiz/Portugal
Von Bille August
Mit Jeremy Irons, Mélanie Laurent, Jack Huston, Martina Gedeck, August Diehl, Christopher Lee, Charlotte Rampling

THE CROODS (Animationsfilm in 3D)
USA
von Kirk De Micco und Chris Sanders
Mit den Stimmen von Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds

(Jeroen Willems in BOVEN IS HET STIL, Bild: Victor Arnolds)

31 Spielfilme aus 23 Ländern zeigt die Berlinale 2013 im Panorama-Hauptprogramm und in der Nebensektion Panorama Special. Unter den zuletzt hinzugekommenen Werken sind zwölf Weltpremieren. Dazu gehört der Eröffnungsfilm von Panorama Special Nanouk Leopolds niederländisch-deutsche Ko-Produktion BOVEN IS HET STIL (Oben ist es atill). Er zeigt den 2012 verstorbenen niederländischen Schauspieler Jeroen Willems in seiner letzten Rolle.

Das Panorama-Hauptprogramm eröffnet das Regiedebüt des Georgiers Zaza Rusadze CHEMI SABNIS NAKETSI (Eine Falte in meiner Bettdecke). Rusadze wurde 1996 als jüngster Student im Studiengang Regie an der Potsdamer HFF "Konrad Wolf" angenommen. 2003 machte Rusadze seinen Abschluss und gründete 2007 seine eigene Filmproduktionsfirma. Vor seinem Regiedebüt arbeitete er als Regieassistent für Ineke Smits, Dito Tsintsadze und Otar Ioseliani.

Quelle Berlinale

Die Berlinale zieht auch 2013 wieder durch die Stadt und gastiert in folgenden sieben Programmkinos für jeweils einen Abend: Bundesplatz-Kino (Wilmersdorf), fsk Kino am Oranienplatz (Kreuzberg), Neues Off (Neukölln), Odeon (Schöneberg), Tilsiter Lichtspiele (Friedrichshain), Kino Toni & Tonino (Weißensee) sowie in den Thalia Programm Kinos (Potsdam-Babelsberg). Den Auftakt von "Berlinale Goes Kiez" machen am Sonnabend, 9. Februar, die vier jüngsten Werke der Langzeitdokumentation Berlin - Ecke Bundesplatz. Die Dokumentarfilme feiern ihrem Thema angemessen Premiere im Bundesplatz-Kino. Das vollständige Programm von "Berlinale Goes Kiez" steht Ende Januar fest.

Vom 9. Februar bis zum 15. Februar präsentiert das Festival an jeweils einer zusätzlichen Spielstätte ausgewählte Filme aus dem Berlinale-Programm. Wie bei der Berlinale üblich stellen die Filmteams ihre Werke auch im Kiez persönlich vor, diskutieren im Anschluss an die Vorführung mit den Gästen über ihre Filme und stehen für Fragen zur Verfügung.

Am Berlinale-Kinotag, dem 17. Februar 2013, präsentiert die Perspektive Deutsches Kino wie schon im vergangenen Jahr ausgezeichnete deutsche Filme: Das Berlinale-Publikum kann den Gewinner des Spielfilmwettbewerbs "Max Ophüls Preis 2013" sehen. Dieser Preis wird am 27. Januar in Saarbrücken verliehen. Hinzu kommen der elfminütigen Dokumentarfilm-Gewinner des "First Steps Award 2012" REALITY 2.0 (Regie: Victor Orozco Ramirez) und ANATOMIE DES WEGGEHENS (Regie: Serban Oliver Tataru), der ebenfalls für den Preis nominiert war.

Die Berlinale 2013 ehrt den französischen Dokumentarfilm-Regisseur und Produzenten Claude Lanzmann mit einer Hommage und verleiht ihm den Goldenen Ehrenbären für sein Lebenswerk. "Claude Lanzmann ist einer der großen Dokumentaristen. In seiner Darstellung von Unmenschlichkeit und Gewalt, von Antisemitismus und seinen Folgen hat er eine neue filmische wie ethische Auseinandersetzung geschaffen. Wir fühlen uns geehrt, ihn ehren zu dürfen", sagt Berlinale-Direktor Dieter Kosslick.

Lanzmanns bekanntester Film ist SHOAH aus dem Jahr 1985, eine neuneinhalbstündige Dokumentation über den Völkermord an den europäischen Juden, die ohne Archivaufnahmen auskommt und vor allem mit zahlreichen Interviews mit Opfern und Tätern arbeitet. Im Rahmen der Hommage wird auf der Berlinale 2013 in einer Erstaufführung die restaurierte und digitalisierte Fassung von SHOAH gezeigt.

Die Berlinale-Retrospektive 2013 zeigt unter dem Titel "The Weimar Touch" 33 Filme, die vom deutschen Kino der Weimarer Republik beeinflusst wurden. In den Jahren von 1918 bis 1933 entwickelte sich der Film in Deutschland zur Kunstform. Die deutschen Studios Ufa und Decla produzierten Filme von Fritz Lang, Friedrich Wilhelm Murnau oder G.W. Pabst, die heute zu den Klassikern gehören. Die Reihe ist in den fünf Kapiteln „Rhythm and Laughter“, „‚Unheimlich‘ – The Dark Side“, „Light and Shadow“, „Variations“ und „Know Your Enemy“ strukturiert. Kuratiert wurde die diesjährige Retrospektive gemeinsam von der Deutschen Kinemathek und dem New Yorker Museum of Modern Art (MoMA). Im April wird die gesamte Filmreihe dann auch in New York laufen.

Das Kapitel des Weimarer Kinos wurde durch die Ernennung Hitlers zum Reichskanzler am 30. Januar 1933, die Aussetzung der Grundrechte durch Verordnungen des Reichspräsidenten im Februar und durch die Gründung des "Reichsministeriums für Volksaufklärung und Propaganda" nach den Neuwahlen im März brutal beendet. Die deutsche Filmindustrie wurde "gleichgeschaltet". Die Filmschaffenden, denen es gelang zu emigrieren, entwickelten ihre Arbeit im Ausland weiter. Genau diesem internationalen Einfluss des Weimarer Kinos widmet sich die Retrospektive der Berlinale 2013.

(Quelle: Berlinale, Gestaltung Agentur Boros)

Das Berlinale-Plakat 2012 war schlimm, das Berlinale-Plakat 2013 ist schlimmer. (Wer vergleichen möchte, schaue hier.) Es muss mal wieder der Bär her, schnarch. Wie lange hat die Agentur Boros wohl gebraucht, um aus dem 2012er-Plakat das für 2013 zu machen? 20 Minuten oder doch eher eine halbe Stunde? Die himmelblauen Hintergrundbärchen haben ins Gras gebissen und die Bonbon-Farbe ist dafür in den Schriftzug gewandert. So ist der Bär peinlich berührt im Anschnitt erstarrt. Flüchten kann er nicht, weil man ihm die Beine abgeschnitten hat.

Hört mal zu Grafiker: Dieses Bärending, das kann man auch überstrapazieren, capisce? Meister Petz taucht im Logo auf, reicht das nicht? Lasst Euch doch mal was Neues einfallen Borosianer! Das hat doch beim Plakat 2011 auch prima geklappt - sehr retro, aber schön. Ist es nicht schon schlimm genug, dass die Wortspielkünstler von der textenden Zunft auch in diesem Jahr wieder ständig von der "Bärlinale" schreiben werden, wenn nichts Anderes mehr hilft?

Der deutsche Filmnachwuchs präsentiert sich auf der Berlinale 2013 in der Perspektive Deutsches Kino mit elf Beiträgen. Das Programm der Perspektive umfasst in diesem Jahr sechs Spielfilme, drei Dokumentarfilme und zwei sogenannte mittellange Filme mit einer Länge unter 50 Minuten.

Die Beiträge der Perspektive Deutsches Kino bei der Berlinale 2013:
CHIRALIA von Santiago Gil (mittellanger Film)
DeAD von Sven Halfar
DIE MIT DEM BAUCH TANZEN (Dancing with Bellies) von Carolin Genreith (Dokumentarfilm)
EINZELKÄMPFER (I Will Not Lose) von Sandra Kaudelka (Dokumentarfilm)
ENDZEIT (End of Time) von Sebastian Fritzsch
FREIER FALL (Free Fall) von Stephan Lacant
KALIFORNIA von Laura Mahlberg (mittellanger Film)
METAMORPHOSEN von Sebastian Mez (Dokumentarfilm)
SILVI von Nico Sommer
DIE WIEDERGÄNGER (The Revenants) von Andreas Bolm
ZWEI MÃœTTER (Two Mothers) von Anne Zohra Berrached

Mathew Akers MARINA ABRAMOVIC THE ARTIST IS PRESENT erhält den Panorama-Publikumspreis 2012 für den besten Dokumentarfilm 2012. Bei den Spielfilmen siegte PARADA (The Parade) von Srdjan Dragojevic. Über die Preisträger entschieden rund 24.000 Berlinalezuschauer mit Stimmzetteln. Der Preis wird seit 1999 vergeben. Die Preise werden morgen um 17 Uhr im Cinemaxx7 vergeben, anschließend werden die Siegerfilme gezeigt.

Er kommt. Seine Heiligkeit kommt. Der Heilige Vater kommt. Der Papst kommt, beziehungsweise er kam – am 23. September 2011 nach Thüringen. In DIE LAGE beschäftigt sich Thomas Heise filmisch mit den Vorbereitungen am Flugplatz und am Erfurter Dom, aber er dreht auch während des Besuchs selbst. Heise zeigt in ruhigen Bildern, wie eine sehr präzise Inszenierungsmaschine anläuft, die durch detaillierte Planung die Grundlage für ein kollektives Erlebnis schaffen soll.

Wie der Regisseur im Publikumsgespräch sagte, war die Entscheidung dafür, den Film in schwarz-weiß zu machen, nicht ästhetisch, sondern inhaltlich begründet: Der Verzicht auf Farbe bringt vor allem Klarheit und Übersichtlichkeit, eine Ruhe und eine Transparenz, die im Gewimmel von Menschen und Farbtupfern untergegangen wäre. Davon befreit schärft die Kamera den Blick: Seine Heiligkeit sorgt für Anspannung bei den Beteiligten, schon bevor er da ist. Der Papst verlangt nach minutiöser Planung. Wenn er kommt, ist jeder Schritt voraus geplant. Der Heilige Vater ist sehr mächtig, das ist gar nicht zu bezweifeln. Denn nur wegen ihm setzen sich nicht nur Pilger- und Limousinenkarawanen in Bewegung, sondern auch Politiker, Kirchenmänner und –frauen und Scharen von Blumenkindern tun das. Über allem wachen LKA, BKA, die Polizei und Scharfschützen.

Heise zeigt das, aber er macht sich keineswegs über den Aufwand lustig. Denn trotz der Kühle der Bilder: Sie vermitteln auf indirekte Weise und vor allem über die Tonspur – das Ave Maria, das ohne Unterbrechung von verschiedenen Gläubigen gesprochen wird, die wiederholte Erinnerung der Protokollbeamten an den „gebührenden Abstand zum Heiligen Vater“ und durch das rezitierte Glaubensbekenntnis – dass Benedikt VI. und die „heilige katholische Kirche“ Heilserwartungen wecken, mit denen andere Institutionen nicht konkurrieren können. Und diese anderen Institutionen lassen sich von den religiösen wie selbstverständlich für die Inszenierung in Besitz nehmen. Heises Bilder sezieren es.

In einem großen Moment des Films fängt die Kamera aus der Entfernung das Gesicht des Papstes ein, während aus dem Off eine Stimme aus Paulus-Briefen an die Korinther zitiert. Die Kamera verweilt lange auf dem Gesicht des Papstes. Da geschieht die Verwandlung. Dort sitzt nicht mehr er, sondern Joseph Ratzinger. Der Heilige Vater ist der Anführer einer mächtigen religiösen Institution. Joseph Ratzinger ist ein alter Mann. DIE LAGE zeigt beide.

Jesús ist ein junger Mann, der Aufmerksamkeit um jeden Preis will, dazu inszeniert er nur zur gerne die eigene Lebenskrise. Er ist ein unerschöpfliches Reservoir von negativer Energie. Und von dieser Energie wird Cem magisch angezogen. Es ist die alte Geschichte von den Gegensätzen, die sich anziehen, die Tim Staffel in der Verfilmung seines eigenen Romans auf die Leinwand bringt: Jesús der völlig ziellose, stets bekiffte Egomane, der lügt und betrügt, um sich auch nur den kleinsten Vorteil zu verschaffen und Cem, der beim Ordnungsamt arbeitet, das Abitur an der Abendschule nachmacht und studieren will. Aus einer zufälligen Begegnung entwickelt sich eine Beziehung, die immer mehr in den selbstzerstörerischen Irrsinn abdriftet.

Tim Staffels Film ist eine Zumutung und das ist nicht negativ gemeint. Die Schwäche von WESTERLAND sind, die Rückgriffe auf Klischees: Jugendliches Pathos, halbgare Selbstmordinszenierungen, schwache Nebenfiguren und der eine oder andere hölzerne Dialog. Seine Stärke ist Konsequenz in der Zumutung. Die Abwärtsspirale in der Beziehung zwischen den beiden Protagonisten – ob falsch verstandene Freundschaft oder wahnwitzige Liebe, muss jeder Zuschauer für sich entscheiden – wird mit Härte vorgeführt.

Die Schwächen des Films werden durch die beiden Hauptdarsteller wettgemacht: Wolfram Schorlemmer als Jesús und Burak Yigit als Cem liefern eine sehr beeindruckende schauspielerische Leistung ab. Gleichzeitig schaffen die Bilder von Kameramann Fabian Spuck eine stimmige Atmosphäre. So düster und armselig hat man Sylt noch nicht gesehen. Der Inselwinter ist so trist wie die Zukunftsaussichten der Hauptfiguren. WESTERLAND bleibt im Gedächtnis, weil das darstellerische Vermögen von Schorlemmer und Yigit alle Aufmerksamkeit des Zuschauers auf sich zieht.

Am 11. März 2011 zerstören die Fluten des Tsunami 90 Prozent der Gebäude der japanischen Kleinstadt von Futuba, eine Stadt mit rund 7.500 Einwohnern. Futuba liegt direkt neben dem Atomkraftwerk Fukushima mit seinen insgesamt sechs Reaktorblöcken. In den Morgenstunden des 12. März kommt es im ersten Block zu Kernschmelze. Um 10.09 Uhr, meldet die Betreiberfirma TEPCO das Austreten von Nuklear kontaminiertem Dampf. Futuba liegt vollständig in der Zone, die daraufhin evakuiert wird. Der Filmemacher Funahashi Atsushi liest, dass in der Zeitung, dass mehr als 1.400 Einwohner in einer Schule untergebracht werde, die eineinhalb Stunden von Tokio entfernt liegt. Er beschließt, jeden Tag zu der Notunterkunft zu fahren. Er beginnt, die Evakuierten zu interviewen und auch zu filmen. Erst nur vor dem Gebäude, einige Wochen später bekommt er auch eine Drehgenehmigung. Aus Diesen Gesprächen wird für Atsushi ein Langzeitprojekt. Selbst die 145 Minuten von NUCLEAR NATION sind erst ein Zwischenergebnis. 145 Minuten sind eine lange Zeit für gerade für einen Dokumentarfilm, aber keine einzige Minute davon ist langweilig: Wir erfahren viel, nicht nur über persönliche Schicksale oder die zum Teil grotesken Verhältnisse in denen die Menschen in dieser Schule leben, sondern auch über organisatorisches Versagen und Hilflosigkeit derer, die immer versichert haben, dass die Risiken der Atomkraft beherrschbar sind.

Im Verlauf von NUCLEAR NATION entwickelt sich ein interessanter Kontrast: Der zwischen den nun heimatlosen Bürger Futabas einerseits und den diversen Beamten der japanischen Bürokratie bzw. der Energiewirtschaft andererseits. Die Menschen, die ausnahmslos ihren gesamten Besitz verloren haben und ein großer Teil von Ihnen auch einen oder mehrere Angehörige, sind sehr gefasst. Sie erwarten nichts weiter als verlässliche Informationen und Unterstützung dabei, ihr Leben wieder in den Griff zu bekommen. Die Offiziellen entschuldigen sich, machen ansonsten einen planlosen Eindruck und versagen weitgehend wenn es um praktische Dinge geht. Wie könnte es sonst sein, dass viele Menschen mehr als ein halbes Jahr nach dem Unglück immer noch in dem Schulprovisorium leben und – was weitaus schlimmer ist – noch kein einziger der Überlebenden von Futuba weiß, wie hoch seine Strahlenbelastung ist?

Die einzige Ausnahme ist der Bürgermeister von Futaba, Katsutaka Idogawa, der für die Interessen seiner Stadt kämpft. Idogawa ist auch der enzige, der zugibt, Fehler gemacht zu haben. Ganz ruhig berichtet er darüber, wie Futaba nach dem Bau des ersten Kraftwerkblockes im Jahr 1965 mit dem Atomkraftwerk eine Art Symbiose eingegangen ist. Das Kraftwerk wurde immer wieder erweitert, bis es schließlich sechs waren. Die Kraftwerksbetreibeer TEPCO zahlten und die Stadt profitierte. Trotzdem gehörte Futaba im Jahr 2007 zu den 15 ärmsten Gemeinden Japans, der Größenwahn der Energieindustrie paarte sich offensichtlich bestens mit dem der Stadtoberen und ihren Investitionen in immer neue Projekte. Angesicht leerer Kassen hatte die Stadt, so berichtet der Bürgermeister, bereits dem Bau zweier weiterer Kraftwerksblöcke zugestimmt. Mit dem habe man 2012 beginnen wollen – Futaba hätte das in einem Zeitraum von vier Jahren 52 Millionen Euro gebracht. „Diese Entscheidung war, wie auch viele davor, falsch“, sagt Katsutaka Idogawa. Nach dem Unfall kämpft er gegen den Einsatz von Atomenergie in Japan. Sein Vertrauen in die mächtige japanische Bürokratie hat er verloren. Die Provinzregierung spricht davon, dass Futaba in den kommenden fünf Jahren dekontaminiert werden soll. Wie das gehen soll, sagen sie nicht. Den Bürgern Futabas, der Stadt ohne Land, fehlt der Glaube.

Lothar hat seine Tochter seit langem nicht mehr gesehen. Dann ruft seine Ex-Frau an: Das Mädchen ist verschwunden – und nicht nur sie: Überall in Deutschland verschwinden Kinder, spurlos, niemand weiß wohin. Das Land gerät langsam in Panik. Kinder und Jugendliche dürfen sich nicht mehr alleine auf der Straße aufhalten. Weil ihm die Polizei nicht helfen kann, macht sich Lothar auf eigene Faust auf die Suche nach seiner Tochter.

DIE VERMISSTEN spielt mit einer Urangst. Die eigenen Kinder nicht beschützen zu können, das ist eine der schlimmsten Vorstellungen überhaupt. Und die Bedrohung ist so diffus. Es gibt keine Spuren und auch keine Erpressungsversuche. Das Verschwinden der Kinder erscheint wie ein Naturereignis – plötzlich und ohne innere Logik. Lothar arbeitet in einem Atomkraftwerk. Er ist ein Ingenieur aus dem Bilderbuch. Deshalb tribt ihn gerade diese fehlende Logik in den Wahnsinn. Er sucht nicht nur nach dem Mädchen, sondern auch nach einer Erklärung.

DIE VERMISSTEN ist ein Science-Fiction-Film über eine Dystopie der besonderen Art. André M. Hennicke als Lothar fährt und läuft auf einer verzweifelten Suche durch trostlose Landschaften. Die Bilder wecken Assoziationen an Cormack McCarthys THE ROAD. Dann kreuzen sich mehrmals die Wege von Lothar und dem Mädchen Lou (Luzie Ahrens). Jan Speckenbachs Debütfilm nach einem Drehbuch, das der Regisseur gemeinsam mit Melanie Rohde geschrieben hat, ist ganz simpel konstruiert. Das ist zugleich die Stärke und die Schwäche des Films. Der Film zieht seine Spannung allein aus der Suche, das treibt die Geschichte voran. Diese Spannung wird lange gehalten, aber im Detail basiert zu vieles in der Erzählung letztlich auf Zufall, wenn es auf das Finale zusteuert, das hier selbstverständlich nicht verraten wird.

Nach 13 Jahren kommt Nina aus dem Gefängnis. Sie findet eine Wohnung und eine, wenn auch mies bezahlte, Arbeit. Aber sie hat Angst, wieder Kontakt zu ihrer Tochter Anne Kontakt aufzunehmen. Ihr Bruder hilft ihr zwar zu Beginn – aber eine emotionale Verbindung findet Nina auch zu ihm nicht.

Wie kann ein Mensch wieder in ein normales Leben zurück finden, wenn er über ein Jahrzehnt von ihr abgeschnitten war. Janis Mazuch erzählt in weniger als einer halben Stunde eine Geschichte über den Versuch einer Frau, wieder einen Anknüpfungspunkt an ihr früheres Leben zu finden um daraus den Mut für einen zweiten Start zu schöpfen.

Bosse ist ein recht liebenswerter Kleinkrimineller, dem eine Trattoria gehört, in der es erstaunlich gutes Essen gibt. In den Geschäften der Umgebung pflegt Bosse Schutzgelderpressung auf die väterlich-gemütliche Art. Mit der Gemütlichkeit ist es vorbei, als Ganovenkonkurrenz im Kiez auftaucht und zu allem Überfluss auch noch seine 19-jährige Tochter anruft – die beiden haben sich noch nie gesehen – und vom Tod seiner Ex-Frau berichtet.

Mit ihrem ersten mittellangen Film hat sich Soleen Jusef gleich ein traditionsreiches Genre gegriffen: den Mafiafilm. Wo es sonst immer um Väter und Söhne geht, die Frauen und Mütter bleiben eher im Hintergrund (Gott sei der Seele von Livia Soprano gnädig, für den unwahrscheinlichen Fall, dass sie eine hatte.), erzählt die Regisseurin eine Vater-Tochter-Geschichte. Das macht sie mit Originalität und Tempo, also richtig gut. Spannung hat nichts mit Filmlänge und Budget zu tun, sondern mit erzählerischen Ideen, Genrekenntnissen und handwerklichem Geschick. Soleen Jusef hat davon eine Menge.

Peter ist 50. Er ist gesund und macht einen zufriedenen und ausgeglichenen Eindruck. Peter hat einen Plan gefasst: Er möchte seine restlichen Lebensjahre in einem Alten- und Pflegeheim verbringen. Aus dieser Prämisse hat Autor und Regisseur Julian Pörksen mit SOMETIMES WE SIT AND THINK AND SOMETIMES WE JUST SIT einen gut halbstündigen Film gemacht, der nicht nur komisch ist, sondern auch sehr aufschlussreich. Denn alle, mit denen Peter zu tun hat – sein Sohn, der Pfleger, die Leiterin des Altenheims und der Arzt, sind sich einig: Das Heim ist kein guter Ort zum Leben – jedenfalls nicht für einen Menschen, dem es so gut geht wie Peter.

Peter setzt sich durch, er hat das Geld und den Willen im Altersheim zu leben. Er möchte allein sein, zieht auch oft die Vorhänge zu. Schnell richtet sich Peter ganz komfortabel in einer Routine ein, auch wenn ihn der Pfleger nicht versteht und der Arzt ihn immer wieder dazu bringen will, zu offenbaren, was ihm denn „wirklich fehlt“. Peters Sohn reagiert erst mit Unverständnis und dann mit Wut. Die einzige, die sich darüber freut, dass Peter da ist, ist die alte, schon etwas wunderliche Frau Drusse, die im Zimmer nebenan wohnt. Doch es hilft nichts: Alle anderen können nicht damit leben, dass Peter im Heim so zufrieden ist. Eine Lösung muss her.

Die DDR in den 80er Jahren: Der Sozialismus kurz vor dem Ableben, ein Staat der nicht nur wirtschaftlich, sondern auch moralisch bankrott ist, geführt von einer Partei, die jeden Realitätsbezug verloren hat – ansonsten Frust und Langeweile. Stop! Hier kommt die Subkultur. THIS AIN’T CALIFORNIA zeigt eine ganz andere Seite des Arbeiter- und Bauernstaats. Skateboards, Breakbeats und Dekadenz am Alex. Und das alles, bevor die Mauer fiel.

Marten Persiel erzählt uns eine Geschichte über Freundschaft: Drei Jungs, die in den 70er Jahren am Arsch der Welt irgendwo in Sachsen-Anhalt das Rollbrettfahren entdecken. Aus dieser Spielerei entwickelt sich im Lauf der Jahre nicht etwa ein Hobby, sondern ein ganzer Lebensstil – soll heißen: Die drei sind Freunde und helfen sich, wollten aber weder fleißig lernen noch ordentlich und diszipliniert sein oder überall tüchtig mithelfen. Sie verabschieden sich aus dem sozialistischen Wettbewerb und setzen auf Hedonismus und Anarchie. Mitte der 80er haben kommen sie in Ost-Berlin an und schaffen sich ihre eigene Welt mitten im sozialistischen Alltag.
THIS AIN‘T CALIFORNIA tritt als Dokumentarfilm auf, ist aber keiner. Es gibt dokumentarisches Material, Re-enactments, Interviews und sicher auch Fiktives. Wer will, kann sich daran stören. Wahr ist: Dieser Stilmix entwickelt einen ungeheuren Sog und ist extrem unterhaltsam und spannend. Die Schnittarbeit, Animationssequenzen und der passende Soundtrack treiben die Erzählung voran. Was ist von der Geschichte einer Freundschaft „historisch“, was ist erfunden? Die Filmemacher spielen ganz bewusst mit der Frage nach der Authentizität. Auf jeden Fall ist Ihnen ein Film gelungen, der auch durch seine dramatischen Wendungen eine ungeheure emotionale Wucht entwickelt und ästhetisch voll überzeugt.

Im Rahmen der Eröffnung der Perspektive Deutsches Kino wurde gestern der „Made in Germany – Förderpreis Perspektive“ zum ersten Mal vergeben. Annekatrin Hendel ist mit ihrem Treatment zum Dokumentarfilm DISKO die erste Preisträgerin der neuen Talentförderinitiative für junge deutsche Regisseure. Mit einem Stipendium von 15.000 EURO, gestiftet vom sächsischen Uhrenhersteller Glashütte Original, wird die Regisseurin bei der Projekt-, Stoff- und Drehbuchentwicklung unterstützt.

Über die Vergabe des Förderpreises entschied eine Jury, bestehend aus dem Regisseur und Drehbuchautor Thomas Arslan, dem Produzent Gian-Piero Ringel und der Schauspielerin Anna Brüggemann. Die elf Regisseurinnen und Regisseure mit Filmen in der Perspektive Deutsches Kino 2011 hatten Treatments eingereicht. In DISKO macht Annekatrin Hendel den Terroranschlag auf die West-Berliner Diskothek „La Belle“ im Jahr 1986 zum Thema. Die Jury lobte unter anderem den „persönlichen Zugang der Filmemacherin“ sowie „die gründliche Vorrecherche und die formal-ästhetische Struktur des Vorhabens“.
Der Dokumentarfilm DISKO wird von der Berliner Produktionsfirma IT WORKS! Medien produziert und soll ab 2013 realisiert werden.

Man nehme Watte und ein Kondom

Männer weinen heimlich und Männer brauchen viel Zärtlichkeit – das wissen wir ja alle. Aber wann jetzt ein Mann ein ein Mann ist, das wissen weder Mann noch Frau so ganz genau, es sei denn, sie sind so stumpf, sich bei der Definition auf die primären Geschlechtsmerkmale zu beschränken. Und um alles noch komplizierter zu machen: Wann ist eine Frau ein Mann? Antworten auf diese und noch viel interessantere Fragen gibt Katarina Peters in ihrer Dokumentation MAN FOR A DAY: Die Performancekünstlerin Diane Torr gibt Frauen in einem Workshop in Berlin Anleitung zum Mannsein.

Die Versuchsanordnung von MAN FOR A DAY lässt Schlimmes ahnen: Wird unendlich öden um sich selbst kreisenden Genderdiskursen jetzt auch noch eine adäquate Umsetzung in bewegte Bilder verpasst? Zum Glück nicht. Was auch den Teilnehmerinnen am Anfang manchmal etwas lächerlich erscheint, wird zu viel mehr als nur einem oberflächlichen Rollenspiel. Einen Mann macht mehr aus als ein Anzug oder paar täuschend echte künstliche Bartstoppeln. Das Mannsein ist eine Frage von Gesten, dem eigenen Auftreten, der inneren Haltung und einer Fülle von unbewussten und bewussten Faktoren. Diane Torr hat alles das so genau seziert, dass sie es auch erklären kann.
MAN FOR A DAY beschäftigt sich mit Männlichkeit genauso wie mit Weiblichkeit. Dabei stellt der Film keine peinlichen Selbsterfahrungsmomente aus oder übt sich in verstiegenen Thesen zu Geschlechterrollen, sondern eröffnet eine spannende Perspektive auf das Thema Geschlecht und Identität.

Wagner (Axel Buchholz) und Zippolt (Axel Sichrovsky) sind Polizisten. In Joachim Schönfelds Film GEGEN MORGEN sollen sie gemeinsam darauf achten, dass dem Mädchenmörder Siegfried (Christoph Grunert) nichts passiert. Der ist aufgrund eines Verfahrensfehlers freigesprochen worden und sitzt jetzt in seiner Berliner Wohnung. In der Nachbarschaft ist er nicht besonders beliebt. Deswegen hocken Wagner und Zippolt jetzt im Auto und starren den lieben langen Tag auf Siegfrieds Balkon. Wagner sieht den Sinn nicht. Denn es kommt nie eine Ablösung, wenn die Bewacher Feierabend machen. Aber irgendwo ist Wagner das auch egal. Er sitzt im Auto, schweigt und lässt sich von seinem Kollegen zuquatschen. Zuhause hört Wagner Opern – Wagner – während sein Verdruss am Leben immer größer wird.

GEGEN MORGEN ist Joachim Schönfelds erster Langfilm und er lässt sich in keine Schublade – Krimi, Drama, Beziehungsfilm – packen. Was für ein Glück. Das liegt ganz wesentlich am Drehbuch von Oliver Schmaering. Das ist einfach gut, weil unvorhersehbar, ohne konstruiert zu wirken. Eine neue Geschichte, man glaubt es kaum. Wagner redet also nur, wenn es sein muss – Zippolt, ohne Luft zu holen, vor allem über seine Beziehungsprobleme. Die Bilder von Berlin sind so grau wie Wagners Stimmung, aber wo kommt diese Spannung her? Eigentlich passiert wenig und doch ist dann auf einmal alles anders.
Mehr zu verraten, wäre pure Blödheit. Hingehen, angucken.

Berlinale-Premiere am Sonnabend, 11. Februar, 19.30 Uhr, Cinemaxx 3.

Konflikte mit oft auch abwesenden Eltern oder Beziehungsthemen sind die Themenschwerpunkte für die 13 Beiträge der Perspektive Deutsches Kino – acht Spiel- und fünf Dokumentarfilme wurden aus fast 300 eingereichten ausgewählt. Mein Fazit ist positiv: Anders als in den vergangenen Jahren, gibt es keine heftigen Ausreißer nach unten. Bei den Spielfilmen sind meine Empfehlungen KARAMAN von Tamer Yigit und Branka Prlic und GEGEN MORGEN von Joachim Schoenfeld. Bei den Dokus lohnen sich besonders der Eröffnungsfilm MAN FOR A DAY von Katarina Peters und die vielleicht doch nicht ganz echte aber faszinierende Doku THIS AIN’T CALIFORNIA von Marten Persiel. Ein ganz großes Highlight ist darüber hinaus der mittellang Spielfilm SOMETIMES WE SIT AND THINK AND SOMETIMES WE JUST SIT von Julian Pörksen.

GEGEN MORGEN ist ein Krimi der ganz anderen Art: Zwei Polizisten sollen einen Kindermörder bewachen, der wegen eines Verfahrensfehlers freigelassen wurde. Oliver Schmaering hat für den Erstlingsfilm von Joachim Schönfeld etwas geschrieben, das in Deutschland sehr selten ist: Ein ungewöhnliches und spannendes Krimidrehbuch. Im Zentrum der Geschichte steht der ebenso schweigsame wie rätselhaft-coole Polizist Wagner.
KARAMAN zeigt die ausgesprochenen und unausgesprochenen Konflikte zwischen Vater und Tochter, Vater und Sohn und nicht zuletzt Bruder und Schwester. Der Film spielt in der Türkei und die Konflikte treten in dem Moment an die Oberfläche, als der Vater von seiner Vergangenheit eingeholt wird.
Katarina Peters hat für ihre Dokumentation MAN FOR A DAY einen Workshop der Performancekünstlerin Diane Torr begleitet, in dem Frauen lernen wollen, wie sie die Persönlichkeit eines Mannes annehmen können. Was wie eine etwas versponnene Idee klingt und zunächst auch durchaus lächerlich wirkt, ist viel unterhaltsamer und aufklärerischer als vermutet. THIS AIN’T CALIFORNIA erzählt eine Geschichte, die unglaublich klingt: In der DDR gab es in der 80er eine Rollbrett-Szene, zu deutsch Skateboard, die dadurch ihren Anfang nahm, dass ein paar irre Knirpse am Arsch der Welt in Sachsen-Anhalt ein paar Rollen unter Bretter schraubten. In Marten Persiels spielen aber weniger Bretter als vielmehr Freunde die Hauptrolle.
Infos zu allen Perspektive Filmen gibt es hier. Besprechungen der einzelnen Filme folgen jeweils am Premiere-Tag.

Ganz ruhig, ganz ruhig – einfach tief durchatmen. Ein und aus und ein und aus: Pffffffft. Es hilft einfach nichts. Jean Seberg ist auf der Leinwand und das führt unweigerlich zur Schnappatmung beim männlichen Teil des Publikums, sogar noch bei der Aufführung von À BOUT DE SOUFFLE im Berlinale-Jubiläumsjahr 2010. Für den weiblichen Teil gibt es immerhin einen jungen Jean-Paul Belmondo mit nacktem Oberkörper – in der Hinsicht gab es 1960 leider noch keine Gleichberechtigung (seufz!).

Wie muss dieser Film erst 1960 gewirkt haben? Das ist heute unvorstellbar. Denn er sieht immer noch radikal, genial und aufregend aus. Soviel Stil und Nihilismus hat es auf der Leinwand nicht mehr gegeben. Patricia und Michel wollen alles und zwar gleich. Wer sind dagegen schon Bonnie und Clyde? Michel ist immer in Bewegung und morgen ist egal. Natürlich ist er verloren, aber das darf auch gar nicht anders sein.

Sieben Beiträge der Berlinale 2011 und 2012 sind im Rennen um die am 26. Februar von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences vergebenen Oscars. Insgesamt erhielten die Berlinale-Filme zehn Nominierungen in verschiedenen Kategorien. Gleich für zwei Oscars nominiert wurde der Gewinner des Goldenen Bären von 2011 JODAEIYE NADER AZ SIMIN (Nader and Simin, A Separation). Der Film von Asghar Farhadi bewirbt sich nicht nur um den Oscar als bester fremdsprachiger Film, Fahrhadi ist außerdem noch als Autor des besten Original Drehbuchs nominiert.

Bei der Auszeichnung für den besten fremdsprächigen Film konkurriert der iranische Wettbewerbsbeitrag von 2011 mit dem belgischen Film RUNDSKOP (Bullhead) der im vergangenen Jahr im Panorama lief. Ein weiteres Highlight für die Berlinale: Der 2011er Wettbewerbsbeitrag PINA von Wim Wenders erhielt eine Nominierung in der Kategorie „Bester Dokumentarfilm“.
Hier eine komplette Liste der nominierten Berlinale-Teilnehmer:

Berlinale 2012
„Bester Film”:
EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE von Stephen Daldry (Berlinale Wettbewerb)

„Beste weibliche Hauptrolle“:
Meryl Streep für THE IRON LADY von Phyllida Lloyd (Goldener Ehrenbär und Hommage)

„Beste männliche Nebenrolle“:
Max von Sydow für EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE von Stephen Daldry (Berlinale Wettbewerb)

„Bestes Makeup“:
Mark Coulier und J. Roy Helland für THE IRON LADY von Phyllida Lloyd

Berlinale 2011
„Bester fremdsprachiger Film“:
JODAEIYE NADER AZ SIMIN (Nader and Simin, A Separation) von Asghar Farhadi (Goldener Bär)

RUNDSKOP (Bullhead) von Michaël R. Roskam (Panorama)

„Bestes Original-Drehbuch“:
JODAEIYE NADER AZ SIMIN (Nader and Simin, A Separation) von Asghar Farhadi (Goldener Bär)
MARGIN CALL von JC Chandor (Wettbewerb)

„Bester Dokumentarfilm“:
PINA von Wim Wenders und Gian-Piero Ringel (Wettbewerb)

„Bester Spielfilm Animation“:
A CAT IN PARIS von Alain Gagnol und Jean-Loup Felicioli (Generation)

Wie schon im vergangenen Jahr wird die Perspektive Deutsches Kino auf der Berlinale 2012 den Gewinner des Saarbrücker Filmfestivals "Max Ophüls Preis" als Abschlussfilm am 19. Februar zeigen. Mit dem Preis wurde am Wochenende MICHAEL des österreichischen Regisseurs Markus Schleinzer ausgezeichnet. Der Hauptdarsteller des Films, Michael Fuith, der einen Pädophilen spielt, der einen Jungen gefangen hält, bekam zudem mit den Preis als bester Nachwuchsdarsteller.

Das große Berlinale-Mantra ist ja das „Wir sind ein politisches Festival!“. Manchmal hat diese etwas eitle Selbstbeschreibung auch etwas mit der Realität zu tun. BLOODY SUNDAY von Paul Greengrass ist ein politischer Film, noch besser – er ist ein politischer Film, der aufklärt, ohne ideologisch einseitig zu sein und dabei auch noch spannend ist. Der Siegerfilm von 2002, der sich mit der Tötung von 13 unschuldigen Zivilisten am 30. Januar 1972 im nordirischen Derry – die Menschen in Derry sprechen von 14 – durch britische Fallschirmjäger auseinandersetzt, ragt nicht nur über die Berlinalegewinner seit dem Jahr 2000 heraus.

Greengrass überzeugt nicht nur durch sein Drehbuch und den inhaltlichen Umgang mit dem schwierigen Stoff, sondern auch in formaler Hinsicht. Genau deshalb kommt das Publikum einerseits ziemlich blass und verstört aus BLOODY SUNDAY heraus und hat andererseits die politischen Zusammenhänge der Gewalt verstanden. Natürlich ist BLOODY SUNDAY ein Spielfilm, aber wer will, kann in den Ergebnissen der offiziellen Untersuchungskommission oder auch auf der Webseite des Bloody Sunday Trust nachvollziehen, wie sorgfältig Greengrass gearbeitet hat. Der wichtigsten Schlussfolgerungen der sogenannten Saville Untersuchung, die 1998 vom britischen Parlament und dem House of Lords eingesetzt und mit der Veröffentlichung des Berichts im Juni 2010 abgeschlossen wurde, lauten: "The immediate responsibility for the deaths and injuries on Bloody Sunday lies with those members of Support Company [Soldaten der britischen Fallschirmjäger] whose unjustifiable firing was the cause of those deaths and injuries. [...] The firing by soldiers of 1 PARA [die britische Einheit der Fallschirmjäger] on Bloody Sunday caused the deaths of 13 people and injury to a similar number, none of whom was posing a threat of causing death or serious injury."

Das 42. Forum der Berlinale zeigt insgesamt 38 Filme im Hauptprogramm, davon 26 als Weltpremiere und weitere acht als internationale Erstaufführungen. Neben zahlreichen Filmen des europäischen Kinos zum Beispiel aus Frankreich, den Niederlanden, Österreich, Polen, Russland, Rumänien, Schweden, Spanien, der Tschechische Republik und der Türkei sind Produktionen aus allen Teilen der Welt vertreten. Auch der Nahe Osten, der noch mehr als in den vergangenen Jahren die politische Aufmerksamkeit auf sich zieht, ist mit mehreren Produktionen vertreten.

Im Mittelpunkt des jordanischen Spielfilms AL JUMA AL AKHEIRA (The Last Friday) von Yahya Alabdallah steht ein Taxifahrer in Amman, der versucht, neue Ordnung in sein schwieriges Leben zu bringen. Der Dokumentarfilm BAGRUT LOCHAMIM (Soldier / Citizen) konfrontiert die Zuschauer mit den unversöhnlichen Ansichten junger Israelis. Mani Haghighis Spielfilm PAZIRAIE SADEH (Modest Reception) dagegen erzählt von einem reichen Paar, das in der iranischen Provinz Plastiksäcke voller Geld verteilt.

Bild aus der Pre-Produktions-Phase von O MAN’S ZONE (Quelle: Fujiwara Toshi)

Drei Filme aus Japan beschäftigen sich mit dem Erdbeben und dem Tsunami vom 11. März 2011 und dem daraus resultierenden Unfall im Atomkraftwerk Fukushima. In NO MAN’S ZONE zeigt Fujiwara Toshi Bilder aus der verstrahlten Zone um die Atomreaktoren. Iwai Shunji widmet sich mit FRIENDS AFTER 3.11 der politischen, ökologischen und sozialen Lage Japans und seiner Abhängigkeit von Atomenergie, während Funahashi Atsushi in NUCLEAR NATION einen Bürgermeister ohne Stadt porträtiert.
Mit drei Spielfilmen ist auch das US-Independent-Kino stark im Programm vertreten. David Zellners märchenhafter KID-THING beschäftigt sich mit Alltag und Fantasie eines verwahrlosten Mädchens. Brian M. Cassidy und Melanie Shatzky folgen in FRANCINE einer aus der Haft entlassenen menschenscheuen, aber äußerst tierlieben Frau (gespielt von Oscar-Preisträgerin Melissa Leo).

Und So Yong Kim lässt in FOR ELLEN einen pflichtvergessenen Rockmusiker (gespielt von Paul Dano) den letzten Versuch unternehmen, eine Beziehung zu seiner kleinen Tochter aufzubauen.

Queere Sichtweisen zeigen sich in Filmen aus den USA, Uganda, Indonesien und Deutschland in der Reihe Panorama Dokumente der Berlinale 2012. Im Portraitfilm VITO von Jeffrey Schwarz steht der amerikanische Aktivist und Filmhistoriker Vito Russo im Mittelpunkt. 1983 hielt Russo seinen heute berühmten Vortrag „The Celluloid Closet“ im Panorama, damals „Info-Schau“. Auf dem daraus entstandenen Buch, dem Standardwerk queerer Filmgeschichte, basierte der gleichnamige Film von Rob Epstein und Jeffrey Friedman, der 1996 den TEDDY Award gewann.

AUDRE LORDE - THE BERLIN YEARS 1984 TO 1992 beleuchtet die Berliner Jahre der „lesbischen, feministischen, schwarzen Dichterin, Mutter, Kämpferin“, in denen sie die Bewegung der Afrodeutschen anstieß und Mentorin für eine ganze Generation junger Studentinnen wurde. Anak-Anak Srikandi ist ein Kollektivfilm von acht jungen Frauen und beschreibt was es heißt, im islamischen Indonesien als queere Frau zu leben. Dem brutalen Mord und seiner politischen, christlich-religiösen und medialen Vorbereitung an dem ugandischen Schwulenaktivisten David Kato 2011 geht CALL ME KUCHU nach. Die deutschen Schwulenbewegungen in Ost und West schließlich beleuchten zwei Filme: UNTER MÄNNERN - SCHWUL IN DER DDR von Markus Stein und Ringo Rösener sowie DETLEF, Regie Stefan Westerwelle und Jan Rothstein. Die/Der Über/-Mutter/-Vater des deutschen queeren Films, Rosa von Praunheim, erzählt aus dem Leben und von der Arbeit eines der bekanntesten deutschen Comic-Autoren, Ralf König, in KÖNIG DES COMICS.

Eröffnungsfilm der Panorama Dokumente der Berlinale 2012 ist THE RELUCTANT REVOLUTIONARY des Briten Sean McAllister, in dem ein jemenitischer Touristenführer beginnt, sich mit den politischen Veränderungen in seinem Land auseinanderzusetzen. Insgesamt zeigt die Sektion in diesem Jahr 19 Dokumentarfilme, die den Blick vor allem auf politische und soziale Themen werfen. Aktuell stehen 18 Beiträge der Panorama Dokumente bereits fest, darunter sind 13 Weltpremieren.
Wie der Eröffnungsfilm haben auch andere Beiträge der Reihe den „arabischen Frühling“ zum Thema: In WORDS OF WITNESS befragt von Mai Iskander eine junge Journalistin Passanten in Kairo über ihre Meinung zur Parlamentswahl, während die Dokumentation IN THE SHADOW OF A MAN der Regisseurin Hanan Abdalla die Sicht der Frauen auf die Ereignisse zeigt. Ein ganz anderes soziales Phänomen steht dagegen im Mittelpunkt von LA VIERGE, LES COPTES ET MOI: Eine vermeintlichen Marienerscheinung in einem von christlichen Kopten bewohnten Dorf in Ägypten.

Ok, ich gebe es ja zu -ich habe THE BIG LEBOWSKI nicht auf der Berlinale im Februar 1998 gesehen, sondern im Münchner Kino Türkendolch im März 1998, immerhin in der Originalversion. Auf der Berlinale hatte der Film im Wettbewerb nicht für Aufsehen gesorgt und natürlich hatte er keinen Preis gewonnen. Humor auf der Berlinale, das ist ohnehin ein schwieriges Thema. Außerdem wette ich, dass Jury, Kritiker und Publikum ähnlich verwirrt aus dem Kino gekommen sind, wie ich.

Aus diesem Grund muss ich meinen ersten Satz auch etwas präzisieren: Ich habe THE BIG LEBOWSKI im Münchner Kino Türkendolch im März 1998 zweimal gesehen. Beim ersten Mal wusste ich, dass ich etwas extrem Seltsames und Interessantes gesehen hatte, beim zweiten Mal begann ich auch die Zusammenhänge zu begreifen und bei den darauffolgenden Vorführungen 3 bis ca. 27 (die bisher letzte am 13. November 2011) erschloss sich mir nach und nach der Witz dieses Werks der Coen-Brüder – dieser Prozess wird nie enden. Wer das bizarr, obsessiv und krank findet klickt jetzt hier.
Auf der Berlinale 1998 lief also ein echter Kultfilm und niemand hat es gemerkt. Das war kurz zuvor auf dem Sundance Festival, wo der Film außer Konkurrenz gezeigt wurde, bereits ähnlich und ein Einspielergebnis von 17 Millionen US-Dollar in den amerikanischen Kinos ist auch kein Kassenschlager. Zum großen Geschäft wurde der Film erst im Nachhinein auf DVD. Well, all the dude ever wanted, was his rug back.

Von den Goldener-Bär-Gewinnern hört man nie wieder was! Die kommen nicht einmal ins Kino! Nöl! Nöl! Nöl! Yada, yada, yada! Die Leier trifft jedenfalls auf den Siegerfilm von 1997 nicht zu. THE PEOPLE VS. LARRY FLYNT von Miloš Forman spielte zwar nicht besonders viel Geld ein. Der Film über das Leben von Pornoverleger Larry Flynt, seine Gerichtsprozesse und schließlich das Attentat, das ihn zum Rollstuhlfahrer machte, entfachte eine lebhafte Diskussion über Pornographie und Redefreiheit, die auch die Politik in den USA beschäftigte. Wer hätte das gedacht: Bei der Berlinale gewinnen Filme, die spannend, unterhaltsam UND politisch sind.

Der Film räumte viele weitere Kritikerpreise ab und Forman und der Hauptdarsteller Woody Harrelson wurden für den Oscar nominiert. Schon allein Letzteres macht den Film für mich bemerkenswert: Eben noch hat Woody hinter der Theke des Cheers Gläser poliert und vier Jahre später bekommt er fast den Oscar – es rührt mich zu Tränen. Da hat er dann gegen Geoffrey Rush und SHINE verloren. Na ja, immerhin nicht gegen Ralph Fiennes als schmalziger englischer Patient.

Mit zwölf Weltpremieren und drei internationalen Premieren komplettiert die Sektion Generation ihr Langfilmprogramm. Insgesamt 58 Kurz- und Langfilme aus 32 Ländern wurden für die Wettbewerbe Generation Kplus und Generation 14plus ausgewählt, zwei Filme laufen außer Konkurrenz. In den Generation Kinder- und Jugendjurys werden elf Berliner Kinder im Alter von elf bis 14 Jahren über den Siegerfilm Kplus sowie sieben Jugendliche über den Gewinner im Bereich 14plus entscheiden. Sie verleihen jeweils einen Gläsernen Bären an den besten Kurzfilm bzw. den besten Langfilm.
Darüber hinaus vergibt die fünfköpfige internationale Jury die Preise des Deutschen Kinderhilfswerks für den jeweils besten Kurz- und Langfilm im Wettbewerb Generation Kplus. Als langjähriger Partner der Sektion stiftet das Deutsche Kinderhilfswerk erneut die Preisgelder von insgesamt 10.000 Euro.

Die Perspektive Deutsches Kinowird die Idee des vergangenen Jahres fortsetzen und am letzten Tag der Berlinale 2012, dem 19. Februar, sowohl den Gewinner des Spielfilmwettbewerbs Max Ophüls Preis 2012 und den Dokumentarfilm-Gewinner des „First Steps Award 2011“ präsentieren. Träger des First Steps Award ist THE OTHER CHELSEA – EINE GESCHICHTE AUS DONEZK von Regisseur Jakob Preuss, der Max-Ophüls-Preisträger wird am 22. Januar gekürt.

Mit 13 Filmen, darunter drei langen Dokumentar- und vier langen Spielfilmen sowie zwei Programmpunkten mit Vorführungen von jeweils drei mittellangen Filmen, ist die Perspektive Deutsches Kino 2012 komplett. Die Berliner Michael Schöbel und Ronald Vietz haben 2011 die Produktionsfirma Wildfremd Productions gegründet, um einen außergewöhnlichen Film über Jugendliche in den 80ern in der DDR zu machen. Unter der Regie von Marten Persiel beleben sie die fremde seltsame Welt der „Rollbrettfahrer“ in der DDR wieder und verwenden dafür wahre Schätze an ausgegrabenen Super-8-Filmen aus dieser Zeit. THIS AIN’T CALIFORNIA ist Persiels erster abendfüllender Dokumentarfilm.

Rebellion funktioniert auch mit Worten: DICHTER UND KÄMPFER von Marion Hütter begleitet vier Poetry Slammer aus Berlin, Leipzig, Bochum und Stuttgart ein Jahr lang mit der Kamera. Dritter dokumentarischer Langfilm ist der Eröffnungsfilm der Perspektive MAN FOR A DAY von Katarina Peters. Der Schriftsteller Tim Staffel hat für WESTERLAND zum ersten Mal hinter der Kamera gestanden und Regie geführt. Staffel ist mit seinem Roman „Terrordrom“ bekannt geworden und hat mit WESTERLAND sein 2008 erschienenes Buch „Jesús und Muhammed“ verfilmt, eine Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Männern.
Der Spielfilm DIE VERMISSTEN von Jan Speckenbach mit André M. Hennicke in der Hauptrolle entwirft eine Eltern-Angst-Vision von verschwindenden Kindern. Jan Speckenbach, dessen Kurzfilm GESTERN IN EDEN 2008 in der Cinefondation in Cannes lief, spielt in seinem Abschlussfilm für die Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (dffb) mit einem bedrohlichen Szenario. Tamer Yiğit und Branka Prlić erzählen in ihrem selbstfinanzierten zweiten Spielfilm KARAMAN eine Migrationsgeschichte: Zehra (Isilay Gül) will aus der Türkei nach Deutschland auswandern – gegen den Willen ihrer Familie.
GEGEN MORGEN heißt das Regiedebut von Joachim Schoenfeld. Der Spielfilm über zwei Polizisten feierte seine Uraufführung bereits im Panorama-Spectrum auf dem Shanghai International Film Festival im Juni 2011.
Sechs mittellange Filme runden das Programm ab. Es sind die vier Spielfilme TRATTORIA, Regie: Soleen Yusef, ARARAT von Engin Kundag; SOMETIMES WE SIT AND THINK, AND SOMETIMES WE JUST SIT, Regie: Julian Pörksen und TAGE IN DER STADT von Janis Mazuch. Hinzu kommen die beiden mittellangen Dokumentarfilme RODICAS von Alice Gruia und STERBEN NICHT VORGESEHEN von Matthias Stoll.

Die Berlinale holt die Kostüme raus: Der französisch-spanische Wettbewerbsbeitrag LES ADIEUX À LA REINE (Leb' wohl, meine Königin) eröffnet die 62. Filmfestspiele. Der französische Regisseur Benoît Jacquot (TOSCA, VILLA AMALIA, AU FONS DES BOIS) schildert in seiner Verfilmung des gleichnamigen preisgekrönten Romans von Chantal Thomas die ersten Tage der Französischen Revolution aus der Sicht der Dienerschaft am Hof des letzten Bourbonen-Königs Louis XVI. Diane Kruger spielt Königin Marie Antoinette, Xavier Beauvois Louis XVI.

Katarina Peters Dokumentation MAN FOR A DAY über die Künstlerin Diane Torr eröffnet die Perspektive Deutsches Kino des Jahres 2012. Torr ist unter anderem durch ihre Drag King-Workshops bekannt geworden: In zehn Stunden werden Frauen darauf vorbereitet, eine männliche Identität anzunehmen. Torr berät dabei nicht nur in Make Up- und Kleidungsfragen. Mit ihrer Erfahrung als Hamish McAllister, Jack Sprat oder Danny King vermittelt sie, was es heißt, als Mann zu gehen, zu stehen zu reden und Bier zu trinken. Die Regisseurin zeigt in ihrem zweiten Langfilm die Arbeit der Performerin bei einem Workshop in Berlin.

Jury-Präsident Mike Leigh bekommt Gesellschaft, die Besetzung der Berlinale-Jury 2012 steht fest. Über die Bären-Gewinner und den Alfred-Bauer-Preis für neue Perspektiven in der Filmkunst werden außer Leigh entscheiden: Der Regisseur und Fotograf Anton Corbijn, der Gewinner des Goldenen Bären 2011 und des Silbernen Bären 2009, Asghar Farhadi; außerdem die Schauspielerinnen Charlotte Gainsbourg und Barbara Sukowa und der Schauspieler Jake Gyllenhaal. Auch der französische Regisseur François Ozon und der algerische Schriftsteller Boualem Sansal, der in diesem Jahr den Friedenspreis des Deutschen Buchhandels gewann, gehören dem Gremium an.

Jetzt geht's los: Die ersten fünf Filme für den Wettbewerb der 62. Internationalen Filmfestspiele Berlin stehen fest - genauer gesagt drei Filme, die sich um den Goldenen Bären bewerben und zwei internationale Premieren, die außer Konkurrenz laufen.
Der Wettbewerbsbeitrag CAPTIVE ist eine Koproduktion von Frankreich, den Philippinen, Deutschland und Großbritannien. Der Film des Regisseurs Brillante Mendoza dreht sich um die Entführung einer Touristengruppe auf den Philippinen durch Terroristen im Jahr 2001. Die Hauptrollen spielen Isabell Huppert, Katherine Mulville und Marc Zanetta. Mendoza wurde 2009 in Cannes für KINATAY als bester Regisseur ausgezeichnet und gewann 2008 im Forum der Berlinale mit TIRADOR den Caligari Filmpreis.
Der spanische Wettbewerbsbeitrag DICTADO des Regisseurs Antonio Chavarrías ist ein Roadmovie mit Horrorelementen. Der dritte Beitrag ist der Film KEBUN BINATANG (Postkarten aus dem Zoo) des indonesischen Regisseurs Edwin über ein kleines Mädchen, das im Zoo aufgezogen wird.
Außer Konkurrenz wird EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE von Stephen Daldry gezeigt. Diese Verfilmung des Romans von Jonathan Safran Foer läuft in dieser Woche in den USA an und erzählt mit Staraufgebot (Tom Hanks, Sandra Bullock) die Geschichte eines Jungen, dessen Vater bei den Terroranschägen von 9/11 ums Leben kommt. Die verschiedenen Trailer wecken schlimmen Schmonzetten-Verdacht und lassen eine misslungene Verfilmung eines sehr guten Buches befürchten.
Ebenfalls nicht im Rahmen des Wettbewerbs läuft der neue Film von Zhang Yimou JIN LING SHI SAN CHAI (Die Blumen des Krieges). In der chinesischen Produktion spielt Christian Bale einen Priester, der eine Gruppe Frauen während des Massakers der Japanischen Armee im chinesischen Nanking im Jahr 1937 retten will.

Die französische Schauspielerin und Sängerin Charlotte Gainsbourg kann einer notorisch unzuverlässigen Quelle zufolge ihre Klappe nicht halten: Im Interview mit einem unaussprechlichen Berliner Schmierblatt mit zwei Buchstaben (Name der festivalblog-Redaktion bekannt) sprach Gainsbourg angeblich darüber, dass sie Mitglied der Berlinale-Jury werde. Gegenwärtig kann keine seriöse Quelle dieses Gerücht bestätigen.

Dieter Kosslick kümmert sich rührend um Senioren: 2012 wird der Großvater des New British Cinema, Mike Leigh, Präsident der Berlinale-Jury. Am 20. Februar, einen Tag nach Festivalende, feiert der englische Regisseur und Drehbuchautor seinen 69. Geburtstag. Leigh war zum letzten Mal im Jahr 2008 bei der Berlinale mit dem Wettbewerbsbeitrag HAPPY-GO-LUCKY zu Gast. Sally Hawkins, die Hauptdarstellerin des Films, erhielt damals den Silbernen Bären als beste Hauptdarstellerin. Mike Leigh wurde als Regisseur oder Autor insgesamt sieben Mal für den Oscar nominiert, zuletzt im Jahr 2010 für das beste Orginaldrehbuch zu ANOTHER YEAR.

Wer ist hier eigentlich der Exot?

„Meine Freundin will türkisch lernen – Geheimsprache und so sacht se“, erzählt Emma stolz. Emma ist die Tochter von Hakan und Tanja und hat noch eine Schwester. – „Ich steh‘ ja nicht morgens auf und sage ‚Ach, da ist ne Türkin‘, sondern das ist eben meine Frau“, sagt Jens. Jens ist mit Özen verheiratet, der älteren Schwester von Hakan – auch die beiden haben zwei Kinder. Die Familien Simsir-Sengelhoff und Möller-Simsir leben im Ruhrgebiet und erklären in Anna Hepps Dokumentarfilm, wie das Leben in einer deutsch-türkischen oder türkisch-deutschen Familie – ganz wie man will – funktioniert.

Herausgekommen ist ein interessanter, aufschlussreicher Film, der in vielen Momenten witzig und in manchen Momenten auch ernst ist. Wenn zum Beispiel Hakan sich daran erinnert, wie er sich gefühlt hat, als früher jemand zu ihm sagte „Scheißtürke, geh doch in Dein Land“, dann ist klar, dass es jenseits der Familienharmonie Konflikte gab und gibt. ROTKOHL UND BLAUKRAUT ist auch nicht so naiv zu behaupten, dass das Zusammenleben immer unproblematisch ist. Denn alle sind sich einig, dass es Dinge gibt, die „typisch deutsch“ oder „typisch türkisch“ sind und mit denen man sich von Zeit zu Zeit gehörig auf den Geist geht. Tanja zum Beispiel fühlt sich auf türkischen Hochzeiten fremd, was Hakan nicht verstehen kann und eher grummelnd akzeptiert.

Was auffällt ist, dass es die beiden Deutschen Tanja und Jens einfacher haben, obwohl sie „die Exoten in der Familie sind“, wie Jens mit einem Lachen sagt. Hakan und Özen stellen sich dagegen oft die Frage, ob sie türkisch oder deutsch sind. Was auch zu der Frage führt, warum das Thema einer türkisch-deutschen Familie eigentlich so spannend ist. Die Antwort ist ebenso klar wie ernüchternd: Eine solche Familie ist immer noch etwas Außergewöhnliches
Das Schöne an dem Film ist deswegen, dass es eigentlich gar nichts Außergewöhnliches zu entdecken gibt. Auch wenn viel von „kulturellen Unterschieden“ die Rede ist, in welchen Familien wundert man sich eigentlich nicht insgeheim, wie seltsam sich der jeweils angeheiratete Teil in manchen Situationen verhält?

Zeugen einer untergegangenen Kultur

Es geschah in alter Zeit in einem fernen Land jenseits des Meeres. Große Blechvögel schwebten herab, ihren Bäuchen entstiegen Frauen des nördlichen Europas und aus emotional eher kargen Ländern wie Deutschland oder Österreich. Diese Frauen dürsteten, sie dürsteten nach Liebe und Zuneigung, weil die Männer in der Heimat gefühllose Deppen waren, die Sandalen trugen und die Sportschau gucken wollten. Und siehe, die Frauen wurden mit offenen Armen empfangen von den Kamakia, den vom Eros geküssten, sonnengebräunten Helden der griechischen Inselwelt mit ihrem wallenden Brusthaar und ihren Virilität ausstrahlenden Schnäuzern. Alsbald herrschte eitel Freude unter den Frauen, die in den Armen der Männer lagen – mit etwas Sirtaki, Oliven mit Schafskäse und einem kleinem Ouzo und es war allen ein großes Wohlgefallen.

Diese sagenumwobenen Kamakia bringt uns Jasin Challah in seinem Dokumentarfilm näher. Das ist sehr, sehr komisch und eine echte Rarität in der Perspektive, in der ansonsten Humor dünn gesät ist. Ergraute aber immer noch lebenslustige Griechen erinnern sich redselig an bessere Zeiten, in denen die Frauen aus dem Norden sie aushielten und dafür einen attraktiven Lover für die Urlaubszeit bekamen. Sie reden darüber wie über eine untergegangene Kultur, denn dann kam das böse HI-Virus und bereitete dem fröhlichen Ringelpietz mit nicht nur Anfassen ein Ende.

Geheimnisvolle Beziehungen

Vera und Bruno haben sich eine alte Villa in Dreileben gekauft, die eher wie ein altes, runtergekommenes Schloss aussieht und majestätisch am Hang über der Stadt thront. Ziemlich widerwillig und nur, weil das Hotel die Reservierung verschlampt hat, übernachtet die Polizeipsychologin Jo für ein paar Tage bei ihrer alten Freundin Vera. Jo soll für das LKA bei der Suche nach dem entflohenen Mörder Molesch helfen. Am Anfang haben sich die Freundinnen nicht viel zu sagen, doch dann entdecken Sie, dass sie vor einigen Jahren mit demselben Mann eine Beziehung hatten.

Das große Thema von Dominik Grafs KOMM MIR NICHT NACH ist das Geheimnis – oder genauer – die Geheimnisse der Gegenwart und die der Vergangenheit. Der Film bezieht seine ganze Spannung aus diesen Unbekannten und wie das Verborgene die Beziehungen der drei Hauptfiguren beeinflusst. Die Drei leben in ihrer Villa wie in einer eigenen Welt: Der eitle Schriftsteller Bruno, der erfolgreiche Schundromane schreibt, die rätselhafte, immer etwas arrogante Psychologin und Vera, die das Zusammenleben mit Bruno offensichtlich als letzte Chance zur Flucht aus der Einsamkeit gewählt hat. Diese etwas angestrengte Konstruktion funktioniert erstaunlich gut aufgrund der exzellenten Besetzung. Allen voran Mišel Matičević, der der Figur Bruno, die eigentlich nichts Interessantes zu sagen hat, erstaunliche Präsenz verleiht.

Als Zuschauer ist man nie sicher, was als nächstes passiert: Gehen sich die Freundinnen, die sich eher wie Konkurrentinnen benehmen, vielleicht doch noch gegenseitig an die Gurgel? Welche Beziehungen werden auseinanderbrechen? Am Ende ist es entscheidend, was die Figuren einander offenbaren. Nur eins sei verraten: Ein Geheimnis erfährt nur der Zuschauer.

Der Wald als Freund und Feind

EINE MINUTE DUNKEL ist die Geschichte vom Gejagten und vom Jäger. Der Mörder Molesch entkommt aus dem Totenzimmer des Krankenhauses, in dem er von der toten Mutter Abschied nehmen sollte und der Polizist Kreil soll ihn fangen. Die Hauptrolle allerdings spielt der Thüringer Wald, in den Molesch sich flüchtet. Der Wald ist für den Fliehenden Freund und Feind zugleich: In ihm kann er sich vor den Hundestaffeln der Polizei verbergen, gleichzeitig treibt ihn eben dieser Wald weiter in den Irrsinn. Die Kamera von Reinhold Vorschneider nimmt den Zuschauer mit auf die Flucht. Gemeinsam mit Molesch taumeln wir umher und verlieren mehr und mehr die Orientierung. Die Kamera folgt uns oder ist uns voraus und schaut unruhig immer öfter nach oben, wo wir nur den Himmel und karge Tannenspitzen sehen.

Der Jäger Kreil kann auf dieser Jagd schon bald kaum folgen. Lahmgelegt vom Stress und vom Tinitus bleibt er zurück. So außer Gefecht gesetzt beginnt er nachzudenken und begibt sich in ganz anderem Sinn auf die Spur von Molesch. Er geht zurück in die Vergangenheit des Mörders und beginnt, den Mädchen-Mord in Dreileben neu aufzurollen, für den Molesch verurteilt wurde. Denn der Mord birgt ein Geheimnis, weil die Kamera, die die Tat aufzeichnete, eben in der entscheidenden Minute dunkel blieb.

Der Flüchtling Molesch taucht unterdessen immer weiter in seine eigene Welt ein, die nur noch von der Angst und vom Überlebenswillen gekennzeichnet ist – und Regisseur Christoph Hochhäusler zieht den Zuschauer unerbittlich mit in diese Welt hinein. In der Welt der Fakten und der Rationalität ist dagegen der Polizist Kreil unterwegs. Bei der Lösung seines Rätsels gelingt es ihm, die ersten Fäden zu entwirren. Während der ganzen Zeit ist der Zuschauer dabei unter Spannung, denn die Wege von Mörder und Polizist nähern sich einander an, weil auch Molesch noch einmal in das Haus, in dem er aufgewachsen ist zurückkehrt.

Hochhäusler erzählt die Geschichte wie eine alte Fabel. Mit ganz archaischen Bildern von Verlorenheit, Wahnsinn und Gewalt und einigen fast märchenhaften Szenen. Es ist ein düstere Fabel und der Zuschauer muss den Weg bis zum Ende mitgehen, um das Geheimnis zu erfahren.

Die Kuh - Freundin und Kämpferin

Diese Königinnen tragen keine Krone, sondern Hörner. Die Protagonistinnen von Nicolas Steiners Dokumentarfilm sind Kühe. In den Nebenrollen agieren ihre Besitzer, die einem alten Schweizer Brauch frönen und die vierbeinigen Milchspender zum Kampf antreten lassen. Als Siegestrophäen gibt es, was sonst, prunkvoll gestaltete Kuhglocken.

Steiner folgt als Beobachter dem Bauern Bert Branschen und seiner „Dominga“, einem jungen Schweizer Radiojournalisten, der über das Spektakel berichtet und eine Jungsclique Moped-Fahrern, die sich weniger für die Kühe als vielmehr für eine attraktive jugendliche Kuhbesitzerin interessieren. Der Regisseur filmt in schwarz-weiß und ist immer nah dran. Kuh Dominga kaut in aller Seelenruhe, trottet in den Hänger und ist von der ganzen Angelegenheit offensichtlich viel weniger beeindruckt als ihr nervöser Herr (bei Kühen klingt Herrchen definitiv unangemessen).

Nun ist es ja so, dass sich beim Wort Kuhkampf das Herz eines jeden vernünftigen Menschen zusammenzieht. Ist das jetzt eine Schweizer Unart, die bisher nur deshalb im Verborgenen blüht, weil sich ein echter Schweizer Bauer natürlich nicht so dämlich aufgockelt wie ein spanischer Torero? Das Bemerkenswerte ist, dass Steiners Film die Kuhbesitzer nicht als tierverachtende Irre oder bestenfalls als Spinner mit einem skurrilen Hobby darstellt. Hier wird Brauchtum betrieben. Und wer die Bauernfamilie Brantschen mit Dominga im Stall und auf dem Turniergelände sieht, kann nicht bestreiten, dass Dominga eben ein echtes Mitglied dieser Familie ist.

Nun ist der Kampf selbst nicht so martialisch, wie das Wort vermuten lässt. Aber es ist doch schon sehr spektakulär, wenn die Kühe in der Arena die Köpfe nach unten nehmen, die Hörner einhaken und versuchen sich aus dem Weg zu schieben. Schließlich wiegt so eine Kuh zwischen 500 und 750 Kilo. Die Kamera folgt dem Ganzen mit großer Ruhe und die Kämpfe selbst – gewonnen hat die Kuh, die ihre Gegnerin nach hinten schiebt und zum Abdrehen zwingt – werden in sehr faszinierenden Superzeitlupen gezeigt. Dabei kommt es manchmal auch zu Verletzungen, das verschweigt der Film nicht. Aber erneut ertragen das die Kühe gelassener als die Bauern. Schließlich geschieht dieses Kräftemessen auch mal auf der Weide.

KAMPF DER KÖNIGINNEN hat fast etwas Meditatives in der Art und Weise, wie es das Fremde zeigt. Ob jetzt eher die Kühe oder die Schweizer das Fremde sind, möge jeder für sich entscheiden und genauso über die moralische Bewertung eines Kuhkampfes. Wer sich einfach mal darauf einlässt, kann diesen Film sehr genießen.

Knarren, Schwänze, Körperflüssigkeiten

Ein sehr muskulöser nackter Mann posiert mit einem riesigen Gewehr und einer monströsen Erektion vor einer amerikanischen Flagge, überall literweise Blut – und das ist noch eine Untertreibung. Alle lächeln, alle freuen sich, alle haben Spaß – die nackten Models, die amerikanische Art Crowd. Willkommen in der Welt von Bruce LaBruce.

Wer ist Bruce LaBruce? Diese Frage versucht Angélique Bosio in ihrem Dokumentarfilm THE ADVOCATE FOR FAGDOM zu beantworten. So schwer scheint die Antwort gar nicht zu sein: Der Mann selbst, bürgerlicher Name Justin Stewart, sagt im dem Film, er habe Bruce LaBruce als alter ego erfunden. Eine Figur die intensiver sei und verrückter und mehr Interesse daran habe, berühmt oder berüchtigt zu sein. Irgendwann habe die Figur dann die Show übernommen. Heute kennt niemand Justin Stewart, aber Bruce LaBruce ist der King des Queercore. Ein gefeierter Filmemacher der auf Festivals in aller Welt schwule Arthouse Pornos (was immer das genau ist) zeigt, die in bizarren Zombie- und Trashwelten spielen. Die Differenz zwischen Person und Figur ist also damit geklärt, erklären tut das nichts.

Ich mag keine Pornos, ich mag keine Zombiefilme und mit Splatter Movies und SM-Gewaltexzessen auf der Leinwand, kann ich nichts anfangen. Und doch finde ich Bruce LaBruce unterhaltsam. Wie kann das nur sein? Er ist zum Verzweifeln. LaBruce hat etwas, über das in dem Film auch John Waters, Gus van Sant und viele andere sprechen: Irgendwo in der rasantesten Blutorgie blitzt ein Lächeln auf und trotzdem geht er weiter als alle anderen. Es ist wahrscheinlich dieser pure Spaß an der Grenzüberschreitung und der Subversion, mit dem er einerseits unterhält und anderseits wirklich alle gegen sich aufbringt. Der Skinhead der auf das Buchcover von „Mein Kampf“ abspritzt, der schwule Zombie, der einen Obdachlosen ins Leben zurückfickt, das Blut fließt in Strömen beim Sex und beim Blow-Job hat einer eine Schweinsmaske auf.

Bruce LaBruce hat schon alle erzürnt, das dokumentiert Angélique Bosio: Die linken Schwulen, weil er nicht politisch korrekt ist, die Queeren, weil er irgendwann das post-queere Zeitalter ausrief, die „Normalen“ sowieso, weil das alles ja irgendwie eher Hardcore als Artcore ist und die Konservativen kreisen eh‘ um die Lampe. Warum ist das jetzt so unterhaltsam? – Keine Ahnung, aber es ist so.

Im Cinemaxx 7 steht Bruce LaBruce ganz entspannt mit einem Weinglas in der rechten Hand, hat die obligatorische Sonnenbrille auf der Nase und plaudert. Der Mann ist der freundlichste Anarchist der Welt. Das ist es: Alle diese ja eigentlich so schockierenden Bilder haben etwas von der Anarchie des Kindergartens, wenn sich alle mit Fingerfarben oder Matsch beschmieren, obwohl sie es nicht sollen. Und genau darin liegt der Spaß: Die Freude über etwas, an dem man sich eigentlich nicht erfreuen darf. – Vielleicht bin ich aber einfach auch nur pervers. Macht nichts.

Dirk Lütters Langfilmdebüt DIE AUSBILDUNG betrachtet die moderne Arbeitswelt aus der Perspektive des 20-jährigen Jan, einem Auszubildenden in einem Call Center. Festivalblog hat mit dem Regisseur über seinen Film und über das, was Unternehmen von heute ihren Angestellten im Arbeitsalltag abverlangen.

Wie bist Du darauf gekommen, das Drehbuch so auf die Person des Auszubildenden zuzuspitzen?
Das es ein Auszubildender ist, war wirklich die erste Idee. Ich habe Ende der 90er Jahre einen Dokumentarfilm über drei Freunde gemacht, der 2001 rausgekommen ist. Er heißt „50374 Erftstadt“, so wie der Ort aus dem ich komme. In dem Film habe ich versucht, so etwas wie den Prototypen eines jungen Lebens in Westdeutschland zu zeichnen. Es geht um drei Freunde, die nach dem Abitur eine Ausbildung gemacht haben, angefangen haben zu arbeiten und damit auf unterschiedliche Art und Weise ihre Probleme hatten. Das war eben das ganz normale Leben dort in der Kleinstadt – auch in meiner Familie. Und mich hat immer interessiert, was da mit den Menschen macht und wie das prägt, wenn man mehr als die Hälfte des wachen Tages eine andere Person ist, als die, die man eigentlich ist.

Du meinst, dass man quasi eine Rolle spielt.
Genau. Wenn man etwas repräsentieren muss, etwas leisten soll und sich in gewisser Weise auch verstellen muss. Als zweites Phänomen ist mir der Konsum aufgefallen, den ich ja auch betrieben habe. Deswegen habe ich darüber nachgedacht, ob und wie das zusammenhängt – Arbeit und Konsum. Die Ausbildung ist ja eine Art Übergangszeit zwischen Schule und Arbeit, in der man noch nicht ganz in den Betrieb eingebunden ist, da hat man noch Welpenschutz. Erst danach beginnt dann der totale Ernst des Lebens.

Dein Interesse galt also dieser Sondersituation?
Die meisten Coming-of-Age-Filme handeln von jungen Menschen, die auf Widerstände stoßen, Hindernisse überwinden und so zu einem eigenständigen Menschen werden, der seine eigenen Entscheidungen trifft. Das halte ich für eine ziemliche Romantisierung. Ich sehe das nicht so. Die Schulzeit ist zu einem guten Teil Vorbereitung auf das Arbeitsleben, pünktlich kommen, still sitzen, von anderen gestellte Aufgaben bewältigen. Nach der Schule kommt man ja eigentlich nur in die nächste Stufe, also die Ausbildung, und das hat für mich wenig mit Selbstbestimmung und Selbständigkeit zu tun. Im Beruf sind dann viele komplett fremdbestimmt und fern von Sinnerfüllung, stehen obendrein noch unter enormem Leistungsdruck. Deswegen war für mich dieser Angelpunkt zwischen Schule und Beruf gut geeignet. Zusätzlich gibt es in diesem Alter dann noch diese Dinge, die einen Ausgleich darstellen sollen: Das Einkaufen, das Autofahren, die Discobesuche – wie wir eben früher so durch die Provinz gerast sind. Das war ja eigentlich totaler Quatsch (lacht). Dann passt man sich Stück für Stück so ein.

Das ist mir auch an der Hauptfigur Jan aufgefallen. War das von Anfang an so angelegt oder hat sich das erst in der Arbeit mit dem Schauspieler Joseph Bundschuh ergeben? Denn Jan ist ja ein unglaublich kontrollierter junger Mann, der ja fast gar nichts von einem Jugendlichen hat.
Er hat nichts vom Klischee eines Jugendlichen. Selbstkontrolle ist ja heute das Wichtigste im Berufsleben und das ist sehr allumfassend geworden. Wenn man heute in diesen ganzen Dienstleistungsberufen nicht selbstkontrolliert ist, fliegt man halt raus. Man muss immer die Form wahren und die Fassade aufrecht erhalten. Diese Leute habe ich auch schon in meiner Jugend gesehen. Das Klischee, dass Jugendliche über die Stränge schlagen und ausbrechen, stimmt ja nicht. Das ist nur ein kleiner Prozentsatz. Mein Eindruck von den jungen Leuten die ich getroffen habe, zum Beispiel auch während des Castings, war, dass – wenn überhaupt – ein ganz kontrollierter Ausbruch stattgefunden hat. Die unkontrollierte Jugend ist ein Filmklischee. Der Berufsterror geht ja heute schon mit 14 in der Schule los. Was will ich werden? Wie schreibe ich eine Bewerbung, Auslandsaufenthalt, Praktika für den Lebenslauf, usw.? Jugend hat für mich nichts mit Undiszipliniertheit zu tun. Ich wollte einen Jugendlichen zeigen, der schon sehr erwachsen ist.

Und da passte Joseph Bundschuh genau.
Er kann das sehr gut. Joseph ist ein ganz erstaunlicher Schauspieler, weil er ungeheuer präzise ist. Das hat, glaube ich, auch damit zu tun, dass er Trommler in einer Band ist. Er hat viel Gefühl für Rhythmus und Bewegungsabläufe. Gleichzeitig ist er auch als Mensch sehr konzentriert. Von seiner Lebenseinstellung hat er mit der Figur Jan gar nicht soviel gemeinsam, aber wie haben mit der Coachin Daniela Holtz daran gearbeitet, Gemeinsamkeiten zwischen der Rolle und der eigenen Persönlichkeit zu finden. Das hat uns bei der Arbeit sehr geholfen die jugendlichen Figuren Jan und Jenny emotional zu unterfüttern. Wir haben drei Tage in verschiedenen Schauspielerkonstellationen mit ihr gearbeitet.

Das Drehbuch ist sehr spartanisch, weil Du Sprache sehr sparsam und genau einsetzt, deswegen haben die Schauspieler Raum zu spielen. Wieviel Zeit und Mühe hat Dich das gekostet?
An dem Drehbuch habe ich vier Jahre gearbeitet. Im Schnitt ist noch einiges rausgeflogen. Ich habe im Schnitt wieder viel gelernt. Die wenigen Worte waren so angelegt. Dialoglastige Filme finde ich nicht so interessant, weil sie dem Zuschauer meistens keinen Raum zum Nachdenken lassen. Da wird der Zuschauer häufig mit Gefühlsbehauptungen oder Gefühlssimulationen bombardiert. Mir sind die Pausen zwischen den Sätzen wichtig. Damit wollte ich einerseits die Hemmungen und den fehlenden Zugang zu den eigenen Gefühlen und den Gefühlen des Gegenübers darstellen und bestimmte Sätze betonen; andererseits geben der sparsame Einsatz von Dialog und Pausen zwischen den Dialogen dem Zuschauer Raum, um selbst zu denken. Filme, die ich mache, Filme überhaupt, sind schon manipulativ genug. In 99 Prozent der Filme haben die Zuschauer inmitten von Text, Musik, Bildern und Schnitt gar keine Zeit für eigene Gedanken. Das finde ich furchtbar. Es ist auch mal gut, wenn sich der Zuschauer zwischendurch langweilt. Dann geht das denken los, bei mir zumindest ist das so. (lacht)

Der Film ist auch in seinen Bildern sehr wirkungsvoll. Was war der Leitfaden für die Kameraarbeit von Henner Besuch?
Für die Bildgestaltung war es wichtig, das Strukturelle der Welt, in der Jan lebt, sichtbar zu machen. Die Bildausschnitte sollten wie Teile einer Struktur wirken. Die Umgebung ist dafür wichtig und muss sichtbar sein, denn sie steht für die Struktur. Vertikalen bestimmen zum Beispiel die Arbeitsräume und grenzen die Menschen bildlich ein. Durch die Wiederholung von Orten und Einstellungsgrößen stellt sich dieser Effekt zusätzlich ein, ebenso durch wenig Kamerabewegung. Das lässt auch dem Zuschauer auch Zeit zum Wahrnehmen, Entdecken und Denken. Außerdem sollte wenig Horizont im Bild sein, wenig freier Blick - und wenn, dann begrenzt, zum Beispiel. durch Fensterrahmen, etc.
Das Licht haben wir in der Regel und wenn möglich relativ flächig gemacht, damit der Mensch im Bild keine schützenden Schatten hat – ein Symbol dafür, dass es kein Entkommen innerhalb des Systems gibt. Darüber hinaus sind die Dinge, besonders in der Firma und im Einkaufszentrum genauso hell wie die Menschen. Die Dinge als Vertreter der Struktur stehen also mit den Menschen auf einer Hierarchieebene.

Das Bild der Arbeitswelt, das der Film zeigt, ist ja fast hoffnungslos. Ist das Dein Bild der gesamten Arbeitswelt. Du kritisierst vor allem die Disziplinierung. Wie gehst Du eigentlich damit um, dass gerade das Filmemachen soviel Disziplin verlangt?
Erstmal zu dem Widerspruch: Natürlich ist Filmemachen – vor allem der Dreh und das Drehbuchschreiben – ungeheuer diszipliniert. Das ist vor allem für die schwierig, die am Set nicht Heads of Department sind. Ich habe ja auch als Kamera-Assistent gearbeitet. Da wechseln Zeiten totaler Ödnis mit Zeiten totaler Konzentriertheit und Überlastung – ziemlich schrecklich. Man kann bestimmt entspannt Filme machen. Ich kann das noch nicht. (lacht) Ich bin ja auch Teil des Systems und davon geprägt. Damit muss ich leben, aber ich arbeite daran. Was die Arbeitswelt betrifft, glaube ich, dass ein Großteil so funktioniert wie im Film. Es gibt Ausnahmen, aber je Profitgetriebener ein Arbeitsplatz ist, je größer ein Unternehmen, umso mehr ist man Rädchen, muss man funktionieren. Arbeitsteilung ist zwar ökonomisch effektiv, aber immer das Gleiche zu machen, ist doch sehr langweilig. Arbeit kann in diesem System nur so funktionieren, es geht ja um Profit, nicht um Menschen. Häufig fehlt auch noch der Sinn, weil man ja nichts herstellt, was wirklich essentiell wäre, was man selber oder andere dringend brauchen, sondern irgendwas, was irgendwem Geld einbringen soll.

Das Interview führte Steffen Wagner.

Die Hölle, das ist der Andere

Am Anfang ist alles so harmonisch. Lena steht auf dem Balkon und erzählt ihrem Freund Mario, dass im Park die Blumen blühen und wie sehr sie sich darauf freut, ihn später zu sehen. Es folgt die Enttäuschung: Er muss lange arbeiten, der Rückweg ist zu weit, er kommt heute nicht. Ganz klar, wer da der rücksichtslose Bösewicht ist.

Doch schnell wird klar: Lena hat ein Problem. Sie braucht die Aufmerksamkeit von Mario in jeder Sekunde. Er darf sich nicht ablenken lassen, niemals und von niemandem. Nichtbeachtung treibt Lena zu extremen Formen der Bestrafung. Sich selbst verletzt sie, Mario straft sie mit Psychoterror. In knapp 30 Minuten inszeniert Lothar Herzog die perfekte Beziehungshölle. Am Ende liegen die beiden im Bett – nebeneinander nicht miteinander. Wenn sie wieder aufwachen, das ahnt der Zuschauer, geht der Kampf in die nächste Runde.

Von einem, der nicht helfen darf

Der junge Bosnier Amir, der illegal in Deutschland ist, betreut die demenzkranke Frau Osterloh, die irgendwo am Rande der Stadt allein in einer besseren Laubensiedlung gleich am Bahndamm wohnt. Amir und Frau Osterloh brauchen einander. Amir, weil er das Geld und eine Aufgabe braucht und Frau Osterloh, weil sich niemand um sie kümmert und sie schlicht nicht mehr alleine leben kann.

Wer bei dieser Zusammenfassung gleich Alarmglocken hört – Hilfe! Schmonzettenverdacht, Melodram über Randfiguren der Gesellschaft – der sollte sich beruhigt im Kinosessel zurücklehnen. Susan Gordanshekan hat einen richtig guten Kurzfilm gemacht. Zwei sehr gute Hauptdarsteller, Arnel Taci und Renate Grosser, spielen die Geschichte ohne falsche Sentimentalität und sogar mit Witz. Ohne jede Aufdringlichkeit stellt der Film die Frage, wie es eigentlich sein kann, dass jemand der helfen will, nicht helfen darf und dass jemand, der Hilfe benötigt, diese deswegen nicht bekommt.

Estebans Unabhängigkeitstag

Ganz Buenos Aires feiert Argentiniens Unabhängigkeitstag. Und was macht Esteban? Er zerbricht alle Strukturen seines bisherigen Lebens: Sein Plattenladen ist Pleite, seine Ehe am Ende und sein eigener Sohn hält ihn offensichtlich für einen vollkommenen Verlierer. Esteban treibt durch den Tag und gehört nirgends mehr dazu. Dann führt ein eigentlich nichtiger Anlass, der Streit um einen Fußball auch noch zu einer mittleren Katastrophe.

Josephine Frydetzki erzählt in diesem Kurzspielfilm Estebans Geschichte in zum Teil traumartigen Bildern und schafft so in kurzer Zeit eine fesselnde Atmosphäre. Am Ende kann der Zuschauer für sich entscheiden, ob Esteban ein Mann ist, der sich von vielen Lasten befreit und loslässt oder ob er nicht eher ein Spielball des Schicksals ist, dessen bisheriges Leben auf einmal in Trümmern liegt.

Kleines Lichtchen, große Wut

„Eine saumäßige Leistung als Bericht“, sagt Paul Gratzik, „das kleine Lichtchen, das kleine Arschloch schätzt ein.“ Paul Gratzik liest einen Bericht des inoffiziellen Mitarbeiters IM Peter der Staatssicherheit – er liest einen Bericht, den er selbst geschrieben hat. Von 1962 bis 1981 war der Schriftsteller und Theaterautor IM für die Stasi und berichtete über Freunde und Kollegen. Dann enttarnte er sich 1981 selbst, wollte nicht mehr mitmachen. Es folgten Sanktionen, Zermürbungen durch den Unrechtsstaatsapparat und natürlich Veröffentlichungsverbot.

Annekartin Hendel hat den Film über Gratziks Leben gemacht, in dem Verrat fast 40 Jahre eine Rolle gespielt hat. Gratzik ist nicht gerade ein kooperativer Protagonist. Er wütet wechselweise gegen die Kapitalisten, die Stasi und auch gegen die Regisseurin: „Ich hör' diese scheiß westdeutschen Filmfragen genau raus!“. Aber Gratzik setzt sich mit seinem Leben auseinander und manchmal glaubt man, dass ihn der innere Zwiespalt zerreißt. Dann will er Dinge beiseite wischen oder behauptet, kein Gewissen zu haben. Wenn er aus seinen eigenen IM-Berichten vorliest, mag er sich über den Stil mokieren, aber er ist wirklich berührt und deswegen auch berührend. Jeder, der genau hinschaut sieht, dass hier ein Mann sitzt, der durch sein Aufbrausen viel verdecken will, der es sich aber eben nicht leicht macht.

Die große Leistung der Filmemacherin ist, dass sie hartnäckig bleibt und darüber hinaus auch Menschen zu Wort kommen lässt, über die der Schriftsteller berichtet hat. Durch die Hartnäckigkeit öffnet sich Gratzik und durch die vielen unterschiedlichen Stimmen ergibt sich ein differenziertes Bild eines Menschen, der vom Arbeiter zum Schriftsteller wurde, trotz Widerständen erfolgreich war und viele persönliche Niederlagen erlitten hat. Einfache Täter-Opfer-Zuweisungen werden so unmöglich. „Auch Verräter leiden“, sagt Gratzik.

„Seit Mitte der 80er Jahre lebt und dichtet Paul Gratzik zwischen Templin und Prenzlau glücklich in der Uckermark und erwartet knieenden Herzens sein seeliges Ende.“ So schreibt Paul Gratzik über sich selbst. Der eigentliche Vaterlandsverräter heißt übrigens Günter Wenzel. Er war Gratziks Führungsoffizier und kommt im Film auch zu Wort. Wenzel ist sich sicher, keinen Fehler gemacht zu haben. Er ist der Mann ohne Gewissen.

(Un)Freiwillige Selbstkontrolle

Jan ist 20 und arbeitet in einem Call Center. Jan will alles richtig machen – immer. Denn Jan ist noch in der Ausbildung und will danach unbedingt übernommen werden. Er steht unter Druck und will mit eiserner Selbstdisziplin standhalten. Regisseur Dirk Lütter zeichnet in seinem Langfilm-Debüt ein Bild der modernen Arbeitswelt und erzählt gleichzeitig eine Geschichte vom Erwachsenwerden. Sein präzises, realistisches Drehbuch versetzt seine Hauptfigur in eine Situation, in der ihr immer mehr Verantwortung aufgebürdet wird: Die schlechte Performance der Abteilung, in der Jan arbeitet, die Veränderungen im Betrieb, in der Jans Mutter auch Betriebsrätin ist, und schließlich seine Liebe zur neuen Zeitarbeiterin Jenny – alles das sind Konflikte, die von Jan Entscheidungen verlangen.

Darsteller Joseph K. Bundschuh verleiht der Hauptfigur eine fast unheimliche Intensität. Jan ist immer angespannt, immer aufmerksam. So, das hat er schon gelernt, muss man sich in der Unternehmenswelt verhalten. Und natürlich muss die Leistung besser werden, wie ihm der Personalchef Tobias immer wieder predigt. Auch Jenny (Anke Retzlaff) hat diese Regeln bereits verinnerlicht: „Ich bin hier nur Zeitarbeiterin“, sagt sie und lehnt das Glas Sekt bei einer Geburtstagsfeier im Büro ab. Der Kuss mit Jan auf dem Bürogang ist da fast schon eine Revolution. Dirk Lütter zeigt zwei Jugendliche, die kaum noch Jugendliche sein können, selbst in der Freizeit nicht. Lütter hat für seinen Film lange recherchiert – in Unternehmen, in Gesprächen mit Jugendlichen. Und er hat das, was er erfahren hat, auch in die Arbeit mit seinen Schauspielern eingebracht. Diese Vorbereitung ist das große Kapital des Films, dessen Geschichte genauso auf das Wesentliche konzentriert ist, wie das Spiel seiner Darsteller und die genaue, stimmige Bildsprache von Henner Besuchs Kamera.

Die Druck unter dem Jan steht, wird im Verlauf des Films immer größer. Im schnöden Berufsalltag stellen sich auf einmal große Fragen nach Loyalität oder dem richtigen Handeln und dem Zustand der Arbeitswelt als solche. DIE AUSBILDUNG ist das perfekte Beispiel dafür, dass ein Film ungeheuer spannend sein kann und dabei trotzdem auf alles Spektakuläre und vordergründige Effekte verzichtet. Was passiert, wird hier nicht verraten, weil das ein Film ist, den man sehen muss. Es ist der herausragende Film der Perspektive Deutsches Kino 2011 und einer der besten Perspektive-Beiträge der vergangenen Jahre.

Zum Interview mit Dirk Lütter über seinen Film

Robota unterwegs in Sachen Selbstverwirklichung

„Mach doch bitte mit, so macht doch bitte mit. Tanz doch bitte mit, so tanz doch bitte mit“ – singen 1000 Robota im ersten Song ihres Debütalbums von 2008. Das ist die Aufforderung, das ist das Programm. Denn die drei von 1000 Robota wollen etwas: Sie wollen eine neue Jugendbewegung entstehen lassen, von denen sie ihren Kindern später erzählen können. Größenwahnsinnig? Aber sicher! Warum soll man mit 17 und 18 – so alt sind Anton Spielmann, Jonas Hinnerkort und Sebastian Muxfeldt als sie zum ersten Mal in Studio gehen – auch nicht größenwahnsinnig sein?

Sandra Trostel war schon mit der Kamera dabei, bevor die Gruppe überhaupt ins Studio ging. Bei einem Konzert war sie von der Energie und der Präsenz der drei so beeindruckt, dass sie beschloss einen Film über sie zu machen. Dabei war die Regisseurin so klug, sich nicht auf ein bloßes Bandportrait zu beschränken – herausgekommen ist ein Film über das, was passiert, wenn sich eine junge neue Band im Musikbusiness weigert das Gehirn auszuschalten: Ein ständiges Schwanken zwischen Ambition und Frustration, zwischen künstlerischem Anspruch und den Zwängen des Geschäfts.

Die Regisseurin ist immer dabei: Im Studio beim Zoff mit dem Produzenten, in billigen Hotels und Jugendherbergen und auch auf einer bizarren Promotour nach London. Sandra Trostel ist nah dran, aber die Kamera drängt sich nie auf, nichts wird oder wirkt inszeniert. Wer sich aufdrängt, sind Journalisten. Sie stellen manchmal die Mehrheit des Konzertpublikums. Überhaupt sind alte Leute in der Überzahl, jedenfalls Leute, die mindestens doppelt so alt wie die Musiker sind. Der Band bereitet das sichtbaren Verdruss. Auch sie gestehen sich ein, dass die, die sie erreichen wollen, nur sehr zögernd kommen.

Der Film zeigt das alles. Das Sendungsbewusstsein, die Enttäuschung, die Diskussionen darüber und über das Selbstverständnis als Musiker. Nicht zu schweigen von dem Erschrecken der Band über die Gefräßigkeit des Musikgeschäfts und den dickschädeligen Willen, das nur begrenzt mitzumachen. Der Zuschauer stellt mit den Robotan fest: Die Fähigkeit zur Selbstreflexion macht das Musikbusiness nicht einfacher – eine Erkenntnis in guter Hamburger Tradition.

Sandra Trostel fängt auch eine sehr persönliche Dimension ihrer Protagonisten ein, wir sehen Verletzlichkeit und Arroganz. Doch dabei stellt die Kamera die Musiker nie aus oder führt sie vor. Das wäre sehr einfach gewesen, in einer Situation, in der eine Band fast hysterisch in deutschen Feuilletons zitiert wird, während ihre Konzerte ziemlich leer bleiben. Der Film überzeugt gerade, weil er nicht so einfach gestrickt ist. Denn am Ende ist alles offen: Das zweite Album wir mit einer neuen Plattenfirma in Angriff genommen. Einige neue Songs sind schon fertig. Die Mission bleibt die gleiche. Was sagt Anton: „Hab‘ Deine eigene Idee mit uns gemeinsam.“ - Wer traut sich?

zum Interview mit Sandra Trostel über ihren Film

Sandra Trostels erster langer Film UTOPIA LTD ist eine Dokumentation über das Musikgeschäft, die am morgigen Freitag um 19.30 Uhr im Cinemaxx 3 die Perspektive Deutsches Kino eröffnet. Sie hat die ersten Karriereschritte der jungen Hamburger Band 1000 Robota fast zwei Jahre lang begleitet. Herausgekommen ist ein spannender Film über drei Jungs, denen Musik noch etwas bedeutet und eine interessante Momentaufnahme von Jugendkultur und Pop-Musik in der Klemme zwischen Kunst und wirtschaftlichen Zwängen. Festivalblog hat die Filmemacherin interviewt.

Warum wolltest Du einen Film machen, der sich mit 1000 Robota beschäftigt?
Das war eigentlich Zufall. Ich habe sie zum ersten Mal bei einem Konzert gesehen, als sie als Vorband von Superpunk gespielt haben. Das war auch eines ihrer ersten Konzerte. Sowas hab‘ ich lange nicht gesehen – sowas Energetisches, Anklagendes, frei Rausgesprochenes. Einfach die Art, wie sie sich gegeben und auf der Bühne verhalten haben und die Texte ihrer Lieder.

Die waren einfach anders?
Ja. Deswegen ist der Film auch kein Bandportrait, er geht viel weiter. Die Robota sind ein Beispiel für viele andere in der Gesellschaft. In ihnen kann sich jeder wiederfinden, wenn er will.

War die Idee, mit der Gruppe einen Film zu machen, gleich von Anfang an da?
Das kam wirklich ganz spontan aus dem Bauch heraus. Dann habe ich ungefähr drei Wochen darüber nachgedacht und dabei wurde mir auch klar, warum ich die Robota so gut finde, was mich an ihnen interessiert und was mich so fasziniert hat. Danach habe ich mit ihnen Kontakt aufgenommen, wir haben gesprochen und so hat sich auch das Thema des Films weiter entwickelt.

Wie schreibt man für so einen Film eigentlich ein Buch?
Das ist eine gute Frage. Normalerweise schreibt man für so einen Film am besten gar kein Buch. Aber das wird ja gewünscht. Man muss das machen um Fördergelder beantragen zu können. Das ist bei so einem Film sehr schwierig. Ich kann zwar das übergeordnete Thema beschreiben, aber ich kann ja nicht vorher festlegen, was passiert. Ich lehne es vollkommen ab, etwas zu schreiben und die Protagonisten dann in eine bestimmte Richtung zu drücken. Das wäre Manipulation und das finde ich für diese Art der Dokumentation verwerflich.
Als Filmemacherin habe ich meinen Protagonisten gegenüber eine Verantwortung - man muss seine Protagonisten lieb haben. Wenn ich vorher alles aufschreibe und dann meine Fragen stelle, habe ich einen „Talking Heads“-Film, der nur über die Vergangenheit erzählt. Ich wollte aber dabei sein. Das hat auch die Finanzierung schwierig gemacht. Das war ein schwieriger Drahtseilakt, das überhaupt in der Form hinzukriegen.

War denn dein Dabeisein für die Band oder die damalige Plattenfirma „Tapete“ ein Problem?
Nee. Als ich damals zur Band gegangen bin und sie gefragt habe, ob ich einen Dokumentarfilm machen kann, haben die gedacht „Spinnt die eigentlich?“. Natürlich war das für sie einfach wahnsinnig aufregend. Ich glaube, in gewissen Momenten waren Sie auch ganz froh, dass wir dabei waren. Es kam von ihnen nie sowas wie „Jetzt will ich Dich nicht dabei haben“. Es kam höchstens mal ein „Jetzt mach‘ doch mal aus.“ Dann bin ich auch darauf eingegangen.

Auch der Konflikt zwischen der Band und der Plattenfirma, als sie sich im Studio gemeinsam die Aufnahmen anhören, ist ja mit im Film. Da spürt man schon die Spannung und die Frage, ob die Band ihre Vorstellung von der Platte – konkret soll der Song „Hamburg brennt“ auf das Album – durchsetzt oder nicht. [1000 Robota wollten den Song, der schon vorher auf einer EP erschienen war, nicht auf Platte haben und dabei blieb es dann auch.]
Das war eine ziemlich heftige Szene. Ich empfand das auch während des Drehs als Schlüsselmoment. Die Jungs sind sich da treu geblieben. Aber ich habe auch Tapete verstanden die müssen mit den gegebenen Umständen zurechtkommen und gucken, dass ihre Firma am Laufen bleibt. Das war interessant. Man kann gar nicht sagen „die verhalten sich richtig und die verhalten sich falsch“. Das zeigt eben auch wie jeder in der Mühle drinsteckt.

Eine interessante Essenz des Films ist für mich auch, dass die alte Regel im Musikgeschäft „Wenn Du mediale Aufmerksamkeit hast, hast Du Erfolg“ nicht mehr gilt. Hast Du das auch festgestellt?
Ja. Es gab um die Jungs einen großen medialen Hype, der sich so nicht erfüllt hat. Die Leute die darüber schreiben, sind ja älter – so zwischen 30 und 50. Die fühlen sich an ihre eigene Jugend erinnert. Auch jetzt nach der zweiten Platte habe ich das Gefühl, dass da viel älteres Publikum rumsteht, die Jüngeren sind weniger vertreten. Ich bin ja lange mit der Band unterwegs gewesen und habe viele kennengelernt, die so alt waren wie die Bandmitglieder - also 17, 18, 19 Jahre – bei diesem Publikum gibt es eine ungeheure Flüchtigkeit. Man klickt sich den ganzen Tag durch fünf Millionen Möglichkeiten. Nur wenige aus dieser Altersgruppe geben Geld für Musik aus, beziehungsweise wollen sich intensiv damit beschäftigen. Diejenigen, die die Band ansprechen wollte, sind nicht so auf die Musik angesprungen.
Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie Anton bei diesem ersten Konzert in Hamburg sagte: „Ey, hier sind ja nur alte Leute.“

Die Idee der Band ist ja „Hab Deine eigene Ideen mit uns gemeinsam“, wie Anton im Film sagt. Glaubt die Band, dass das funktioniert hat – ganz unabhängig vom wirtschaftlichen Erfolg?
Ich denke schon, dass sie sich eine eigene Welt geschaffen haben. Eine Jugendbewegung, eine Subkultur. Aber das ist eben doch sehr klein geblieben. Aber das, wovon sie geträumt haben, eine große Gruppe Jugendlicher zusammenzubringen, um gemeinsam "Nein!" zu sagen, das ist gar nicht mehr möglich. Sobald sowas aufkeimt, wird es aufgegriffen, vermarktet, ausgesaugt und wieder ausgespuckt. Diese Erfahrung hat die Band auch gemacht.

Hast Du da ein Beispiel?
Allein dass der „Bundesvision Songcontest“ [von Stefan Raab] auf die Band gekommen ist, die ja noch kaum jemand kannte. Das ist, wie wenn man sich bei H&M einmal durch die Regale kauft, da ist von jeder Zeit und jeder Idee etwas dabei…

Mich hat das gar nicht gewundert mit dem Bundesvision Songcontest. 1000 Robota hätten der Veranstaltung quasi künstlerische Legitimität verliehen. Die hätten sich mit einem Vertreter der Subkultur wieder einen neuen Markt erschlossen.
Genau deswegen hat es die Band am Ende ja auch abgelehnt. Wenn du deinen eigenen Weg gehen willst und deinen eigenen Kopf hast, wirst du als junger Musiker bei sowas nur verheizt. Das ist für gestandene Musiker wie zum Beispiel Peter Fox, Deichkind oder Fettes Brot was ganz anderes. Das Problem für 1000 Robota und andere junge Bands ist, dass sie gar keine Chance haben, sich zu entwickeln. Vielleicht kommen Leute auch dazu, darüber nachzudenken, wenn sie den Film sehen. Eine Band fällt eben nicht vollkommen vom Himmel. Heute soll sofort alles perfekt sein. Es gibt keine weiteren Chancen mehr, sich über zwei oder drei Alben zu entwickeln. Dadurch entstehen viele Dinge gar nicht mehr und das ist schade, dass es keine Möglichkeit mehr gibt, Fehler zu machen und sich weiterzuentwickeln. Die Gesellschaft beschneidet sich ja selbst damit. Das ist nicht nur bei der Musik so.

Der Film zeigt aber auch, dass heute alles viel schneller geht. Heute kann jede Band, die ein paarmal aufgetreten ist, eine CD produzieren.
Das ist die Demokratisierung der Medien. Das ist beim Musikaufnehmen so, aber auch beim Filmemachen. Das ist einerseits was Gutes, weil jeder etwas machen kann, fernab von wirtschaftlichen Zwängen, aber andererseits wird der Markt überschwemmt und keiner hat mehr den Überblick. Ich selbst habe ja auch Schwierigkeiten mich mit neuen Sachen, ob jetzt Musik oder Film, angemessen zu beschäftigen, weil man alles nur noch schnell überfliegt und sich damit nicht mehr auseinandersetzten kann.

Was mir auch aufgefallen ist bei der Band, ist diese Tendenz, immer die eigene Rolle und den Bezug zur Gesellschaft zu reflektieren. Das gibt es ja bei vielen deutschen Bands. Ist das was typisch Deutsches?
Ja, das kann sein. Dieses Ernsthafte, aber das ist ja auch nicht so verkehrt. Aber die Jungs sind durch das, was sie erlebt haben, dazu genötigt worden.
Dazu beigetragen hat auch dass sie ständig mit Journalisten, die Fragen gestellt haben, konfrontiert waren. Häufig haben Sie vor den Konzerten gesagt „Jetzt sind schon wieder so viele Journalisten da, wo sind denn die Leute?“. Sie mussten dadurch auch lernen, sich auszudrücken und waren oft frustriert, dass Einiges falsch rüberkam und viele Journalisten immer nur alles voneinander abgeschrieben haben. Deswegen waren sie auch dankbar, dass wir als Filmteam uns über Jahre sehr intensiv mit ihnen beschäftigt haben. Dass wir sie kennen und sie auch verstehen. Deswegen sind sie auch glücklich über den Film und freuen sich über ihn. Und obwohl sie keine Heroes in dem Film sind, sind sie trotzdem stolz.

Das Gute an dem Film ist, dass sie mal sympathisch und mal unsympathisch rüberkommen, aber man versteht immer warum.
Das war auch mein Ziel. Ich wollte nicht werten, sondern zeigen was passiert. Natürlich ist es meine subjektive Wahl, was ich filme, aber die Verantwortung meinen Protagonisten gegenüber ist mir wichtig. Es ist klar, dass jeder mal was Falsches sagt oder sich daneben benimmt. Aber das wollte ich als Filmemacherin nicht werten. Jeder Zuschauer kann sich seine eigenen Gedanken machen.

Im Interview zum Film sagt Anton: „Heute ist mir die Musikindustrie nicht mehr wichtig und ich habe auch nicht das Gefühl, dass wir ein Teil davon sind“. Ist das eine Pose oder eine ernstgemeinte Aussage? Der Erfolg ist ihnen wirklich egal, solange sie zu ihren Bedingungen Musik machen können?
Ich glaube, das ist ehrlich. Sie haben jetzt mit Buback ein Label gefunden, das sie sehr unterstützt und sie auch machen lässt und ihnen Zeit gibt. Oben an steht für sie, sich selbst treu zu bleiben, seiner Kunst treu zu bleiben und das zu machen, was man machen möchte und sich nicht nach dem Markt zu strecken. Natürlich würden die sich freuen, wenn es zum Leben reicht, aber das ist heutzutage als Musiker immens schwierig.

Was bedeutet das denn für das Schaffen von Kunst im weiteren Sinn?
Kunst war immer ein Mittel, um Fragen zu stellen, Dinge infrage zu stellen und neue Gedanken und Bewegung zu produzieren. Der Film fällt in eine Zeit, wo so offensichtlich ist, dass sich alles nur nach dem Fluss des Geldes richtet und auf Wirtschaftlichkeit überprüft wird. Ich habe die Kunst oder die Musik als Beispiel genommen, weil man in 90 Minuten nicht die Welt erklären kann. Aber das lässt sich auch auf andere Bereiche übertragen. So würde ich mir zum Beispiel wünschen, dass der Film dazu beiträgt, dass Förderinstitutionen oder öffentlich-rechtliche Fernsehsender darüber nachdenken, was uns diese Denkweise eigentlich bringt.

Das Interview führte Steffen Wagner.

Auf der Berlinale herrscht striktes Rauchverbot. Auf der Leinwand wird zwar noch eifrig gequarzt, aber vor allem bei den amerikanischen Produktionen darf man davon ausgehen, dass es sich dabei um garantiert unschädliche Kräuterzigaretten handelt. Schließlich hat der ganze unselige Nichtraucherfaschismus in Kalifornien seinen Ursprung, und die Keimzelle entstand im ach so gesundheitsbewussten Hollywood.
Für nikotinabhängige Berlinalefreunde eröffnen sich dadurch interessante wissenschaftliche Perspektiven. Alljährlich im schönen Februar kann man testen, wie widerstandsfähig der eigene Körper gegen Kälte und Zugluft ist. Denn eins ist sicher: Der gottverdammte Potsdamer Platz samt Umgebung ist nicht nur zum Herzerweichen trostlos, sondern beheimatet auch einige der kältesten Ecken Berlins. Vor jedem Kino kuscheln sich zwischen den Filmen bibbernde Ausgegrenzte zusammen, die mit ersterbenden Fingern Glimmstengel halten. Ungeschlagen auf der nach unten offenen Temperaturskala ist der Eingangsbereich vor dem Cinemaxx. Der Wind pfeift fröhlich bei Minusgraden, und die Lungen pfeifen mit.

Wo ist die gesponserte Raucherlounge? Warum haben die französischen Filmregisseure noch nicht demonstriert? Zumindest die französischen Filmschaffenden werden doch noch rauchen? Godard würde sich das nicht bieten lassen, aber der kommt nicht. Gegen jeden Missstand auf dieser Welt erhebt doch irgendein Star die Stimme, aber die Raucher lassen sie in der Kälte stehen. Bastarde! Gibt es denn keine Rebellen mehr, keine unangepassten Helden der Filmkultur? Früher gab es mal Raucherkinos. Es hilft nur eins: Helmut Schmidt muss Jurypräsident werden.

„Hast Du Berlinale-Karten?“ – „Wer hat Berlinale-Karten?“ – „Gibt es noch irgendwo Berlinale-Karten?“ – „Ich würde ja so gerne zur Berlinale gehen, aber es gibt ja eh keine Karten.“ Das ist das Mantra der Berlinale-Fans. Aber: Es stimmt eigentlich gar nicht. Deshalb im Folgenden einige Tipps, wie man an die begehrten Tickets kommt.

Erstens sollte man immer daran denken, dass viele Wege zur Berlinale-Karte führen. Die Vorverkaufsstellen in den Potsdamer Platz Arkaden, am Kino International und in der Urania sind von 10-20 Uhr geöffnet, man kann die Karten online bestellen, an den Theaterkassen kaufen, die an das Eventim-System angeschlossen sind oder die Karten am Tag der Vorstellung direkt an der Tageskasse des jeweiligen Kinos kaufen. Es ist immer einen Versuch wert, zu einer Tageskasse zu gehen, weil Akkreditierte oft Karten zurückgeben.

Zweitens ist es wichtig, dass man die verschiedenen Vorverkaufsfristen nicht durcheinander bringt. Die Karten gehen für Wettbewerbswiederholungen vier Tage im Voraus in den Verkauf, für alle anderen Filme drei Tage im Voraus. Eine Ausnahme sind die Vorführungen am Berlinale-Publikumstag, Sonntag, 20 Februar: Für diese Filme kann man Karten ab dem kommenden Montag, 7. Februar, über alle Vorverkaufswege kaufen. Und das gilt auch für alle Filme, die im Friedrichstadtpalast, im HAU, in den Spielstätten des Kulinarischen Kinos und den Spielstätten der Kiez-Kinos gezeigt werden: Vorverkaufsstart 7. Februar.

Drittens: Man sollte auch nach interessanten Filmen in den Nebenreihen Ausschau halten. Für das Forum, das Panorama, die Perspektive Deutsches Kino usw. gibt es eigentlich besonders bei den Wiederholungen meist noch Karten.

Viertens und am allerwichtigsten: Nie in der Schlange die Nerven verlieren!
Wirklich alles zu Karten und Preisen findet man hier.

Keine Frage, die Berlinale ist eine tolle Sache, aber …Hinter diesem aber lauert sie: die Berlinaledepression – in jedem Jahr. Es gibt kein Entrinnen.
Es ist so: Die ersten drei Berlinaletage vergehen wie im Flug. Es läuft, ich sehe jeden Tag zwei bis drei Filme, schreibe zügig Kritiken, die Laune ist gut. Dabei ist es ziemlich egal, ob die Filme gut oder schlecht sind. Denn, hey, was macht mehr Spaß als ein saftiger Verriss.

Dann geht es langsam abwärts. Die Berlinaledepression beginnt mit Zuständen leichter Verwirrung: Wo ist nochmal die Vorführung von dieser Dokumentation über Züge in West-Transylvanien? Arsenal, Cinemaxx, Cubixx? Warum wollte ich die eigentlich sehen und warum zum Teufel um 9.30 Uhr morgens – hab‘ doch heute Nacht noch bis zwei Uhr geschrieben. Um 15 Uhr dann irgendwas Deutsches und um 22 Uhr dieser Film über den Zusammenbruch sozialer und familiärer Strukturen in chinesischen Wirtschaftssonderzonen, der „eindringlich und bedrückend die Absurdität der Globalisierung“ schildert, wie schon die Vorankündigung so, nun ja, eindringlich und bedrückend verheißt. Von diesem bekannten asiatischen Regisseur, dem Dingens.

Schon schleicht sie sich an, die Berlinaledepression. Spätestens am Schreibtisch, wenn ich leider meine eigenen Notizen nicht mehr entziffern kann. „Gut gemacht, Dialog und Bezug auf Stadt aber WICHTIG warum…“ - es folgt Unleserliches.

Der nächste Tag wird härter. Gott, grau draußen. Und dann mittags wieder das alte Essproblem. Spätestens am sechsten Tag wird es dann fast unmöglich, die gesehenen Filme auseinanderzuhalten und natürlich wird die Liste der ungeschriebenen Kritiken immer länger. Beim Warten auf den nächsten Film schlafe ich öfters ein; während des Films nicht, würde ich ja gerne, kann ich aber nicht. Und Blog-Meister Andreas schreibt eine dringende Mail an alle, dass wir mehr auf die Rechtschreibung achten müssen.

Die Leute, die sind auch schlimm. Viele Leute, deswegen kein Sauerstoff im Kino. Kopfschmerzen! Und Hunger oder leichte Übelkeit oder beides. Müde… aber immer weiterschreiben… Diesen Streifen zur Verwirrungen der Adoleszens in Argentinien lass‘ ich sausen. Verwirrt bin ich selber.

Deswegen der Tipp: Weniger Filme gucken. Und trotz allem – ich kann die Berlinale kaum erwarten.

Elf Beiträge bewerben sich im zehnten Jahr in der Perspektive Deutschen Kino um den Preis „Dialogue en Perspective“, der seit 2004 vom Deutsch-Französischen Jugendwerk vergeben wird. Vorsitzender der Jury, in der Jugendliche aus Deutschland, Frankreich und Bosnien-Herzegowina ihren Favoritenfilm küren, ist 2011 Romuald Karmakar. Im Programm sind sechs Spielfilme und fünf Dokumentarfilme vertreten, darunter auch einige mittelange Filme mit einer Länge zwischen 20 und 60 Minuten. UTOPIA LTD. von Sandra Trostel, eine Dokumentation über den Weg der Hamburger Band 1000 Robota in das Musikbusiness, eröffnet die Sektion am Freitag, 11. Februar, um 19.30 Uhr im Cinemaxx 3.

Das Themenspektrum ist wie immer in der Perspektive breit gefächert. Bei den Spielfilmen geht es um Beziehungsprobleme (WEISST DU EIGENTLICH DASS GANZ VIELE BLUMEN BLÜHEN IM PARK von Lothar Herzog), oder um die Herausforderungen beim Start in das Berufsleben (DIE AUSBILDUNG von Dirk Lütter). Mit den Abgründen des Teenie-Daseins beschäftigt sich Ziska Riemann in dem visuell ungewöhnlichen, comichaft-schrillen LOLLIPOP MONSTER, während Josephine Frydetzki in DÍGAME – SAG MIR einen Tag im Leben des Argentiniers Esteban schildert, genauer gesagt den Tag, an dem Estebans bisheriges Leben in sich zusammenbricht. Ein ganz besonderes Verhältnis zwischen jung und alt zeigt Susan Gordanshekan in EISBLUMEN: Ein junger Bosnier, der illegal in Deutschland ist, betreut eine demenzkranke Frau. Elke Hauck dagegen inszeniert in DER PREIS eine ungewöhnliche Heimkehr. Ein junger Architekt plant in seiner Heimatstadt ein neues Stadtviertel.

Bei den Dokumentarfilmen erzählt Anne Hepp in ROTKOHL UND BLAUKRAUT eine Geschichte über zwei deutsch-türkische oder türkisch-deutsche, wie man mag, im Ruhrpott. Die Hauptdarsteller in Nicolas Steiners Film dagegen sind vierbeinig: In KAMPF DER KÖNIGINNEN messen sich Kühe, um Kuhglocken als Preise zu gewinnen. Das Thema der Umtriebe der Staatssicherheit packt Annekatrin Hendel in VATERLANDSVERRÄTER auf neue Weise an. Den Schriftsteller Paul Gratzik konfrontiert sie mit seiner erstaunlichen Vergangenheit: Gratzik war 20 Jahre IM der Stasi, bevor er sich 1981 selbst enttarnte. Etwas außergewöhnliches für die Perspektive macht Jasin Challah. Mit KAMAKIA – DIE HELDEN DER INSEL hat er eine Dokumentar-Komödie über griechische Lover gedreht, die in den 60er und 70er Jahren Touristinnen beglückten.

Toiletten, genauer gesagt Männertoiletten, genauer gesagt Urinale (vulgo Pinkelbecken) sind ein Ort der Begegnung der besonderen Art – erst recht auf der Berlinale. Die Zustände dort sind in der Regel beklagenswert (zuviele Männer zur gleichen Zeit am selben Ort) aber nicht uninteressant, denn auf der Berlinale sind schließlich viele besonders hippe Leute unterwegs. Am Urinal leiden aber oft gerade besonders hippe Leute unter ganz besonderen Problemen.

Meine empirischen Studien der vergangenen Jahre haben ergeben, dass gerade besonders hippe Leute nicht einmal am Urinal auf die Insignien der Hipness verzichten können. Das kann die Sache kompliziert machen. Der Berlinale-Hipster trägt nämlich allerlei Gerät mit sich herum – mindestens eine Berlinale-Tasche und ein Netbook/Subnotebook/Laptop whatever (iPhone ist auch schlecht. Schon mehrfach gesehen: iPhone entkommt in ungünstigem Moment aus Hosen- oder Jackentasche und fällt da auf den Boden, wo der stolze Besitzer es eigentlich gar nicht mehr aufheben will). Das kann die Sache (und beim Herantreten an das Urinal geht es wirklich nur um eine einzige Sache) zu einer großen Herausforderung machen, die nur mit einer Kombination aus Balancegefühl und Konzentration zu bewältigen ist. Denn auf den Boden stellen will man natürlich weder den teuren Apfel-Computer noch die Berlinale-Tasche. Mangelt es an der richtigen Kombination aus Balancegefühl und Konzentration kann das zu unschönen Nebenwirkungen wie Streuverlusten oder Pfützenbildung führen.

Der Autor dieser Zeilen hat deshalb noch nie eine Berlinale-Tasche besessen. Das Einzige, was er zur Berlinale mitnimmt: Ein Herlitz Oktavheft A6 und einen Kugelschreiber. Das Handy befindet sich beim Toilettenbesuch am besten gemeinsam mit Oktavheft und Kugelschreiber in der Jackentasche innen bei geschlossenen Reißverschluss. Einen besseren Toilettentipp wird Mann für diese Berlinale garantiert nicht kriegen.

42 Filme aus den Sektionen Wettbewerb, Panorama, Forum, Generation und erstmals auch zwei Beiträge aus der Perspektive Deutsches Kino konkurrieren in diesem Jahr um den Preis für den Besten Erstlingsfilm. Die Auszeichnung ist mit 50.000 Euro dotiert und wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet. Das Preisgeld teilen sich Regisseur und Produzent des Preisträgerfilms. Die Gewinner werden am 19. Februar bei der offiziellen Preisverleihungsgala im Berlinale Palast bekannt gegeben.

Über die Preisträger entscheidet eine dreiköpfige Jury:
Bettina Brokemper (Deutschland): Die Produzentin lernte ihr Metier an der Hochschule für Film und Fernsehen in München. 2003 gründete sie die Produktionsfirma Heimatfilm, mit der sie nationale und internationale Erfolge feiern konnte, zuletzt BAL (Honig) Goldener Bär 2010. Zuvor etablierte sie sich als Geschäftsführerin der Kölner Zentropa-Dependance (seit 2001), wo sie unter anderem Lars von Triers DOGVILLE und ANTICHRIST koproduzierte.

Assaf Gavron (Israel): Der israelische Bestsellerautor hat vier Romane veröffentlicht, darunter den international erfolgreichen Titel „Ein schönes Attentat”. Gavron ist Sänger und Songwriter der israelischen Kultband „The Mouth and Foot” und leitete das Schreibteam des preisgekrönten Computerspiels „Peacemaker”. 2010 lebte er mit einem DAAD-Stipendium in Berlin. Im Dezember erhielt er den Autorenpreis des israelischen Ministerpräsidenten.

Michèle Ohayon (Marokko/Israel): Die Regisseurin hat 1997 mit dem oscarnominierten Film COLORS STRAIGHT UP weltweit Bekanntheit erlangt. Mit ihren dokumentarischen Arbeiten feierte sie seither immer wieder Erfolge. Im Berlinale Special zeigte sie 2008 STEAL A PENCIL FOR ME, 2010 präsentierte sie S.O.S./STATE OF SECURITY, eine Dokumentation über die US-Sicherheitslage aus Sicht des ehemaligen Chefs der Terrorismusabwehr Richard A. Clarke.

Der Sitznachbar im Kinosaal ist ein verhasstes, oft gedisstes Wesen – in vielen Fällen mit Recht. Jeder Kinogänger kann Geschichten über hustende, riechende, schniefende, kraspelnde, kauende, rülpsende, röchelnde, räuspernde, labernde, hampelnde Zeitgenossen erzählen, die abgrundtiefen Ekel und pochende Kopfschmerzen erzeugen. Für eine repräsentative Auswahl konsultiere der geneigte Leser den Artikel der verehrten Kollegin im Berlinale-Countdown von morgen. Ich aber möchte heute eine Lanze für den Sitznachbar brechen.

Denn was das Kino ohne Sitznachbar ist, musste ich mehr als einmal während meiner traurigen Jugend in der noch traurigeren niedersächsischen Kleinstadt E. in den 80er Jahren des vergangenen Jahrhunderts erfahren. Das Kino ohne Sitznachbar ist nämlich ein Nichts. Und das kommt so. Hatte sich nämlich auf die Kinoleinwände der wie gesagt sehr traurigen niedersächsischen Kleinstadt E. einmal ein nicht-mainstreamiger Film verirrt – das passierte etwa einmal im Monat entweder im „Welttheater“ oder im „Deli“ (so hießen die Kinos in der sehr traurigen niedersächsischen Kleinstadt E. in den 80er Jahren des vergangenen Jahrhunderts und so heißen sie sogar noch heute) – dann ging das bange Warten los: Man saß zu zweit oder dritt im Saal und hoffte, dass noch irgendwer kam, damit man mindestens zu fünft war: Dann ließ sich der Filmvorführer, nörgelnd zwar aber immerhin, herab, den Streifen auch zu zeigen. Ansonsten blieb die Leinwand dunkel.

Und zum Schluss was Besinnliches: Jeder ist ein Sitznachbar, in jedem Kino überall auf der Welt.

Die Perspektive Deutsches Kino ist in Sachen politischer Aktualität in diesem Jahr allen anderen Sektionen weit voraus. Der Dokumentarfilm STUTTGART 21 – DENK MAL! findet seinen Weg direkt aus dem Schneideraum auf die Berlinale zu seiner Uraufführung bei der Perspektive Deutsches Kino: Freitag, 18. Februar, um 16.30 Uhr im Cinemaxx 3 am Potsdamer Platz.

Die beiden jungen Filmemacher Lisa Sperling und Florian Kläger zeigen in ihrem Regiedebüt STUTTGART 21 - DENK MAL! die Entwicklung einer der größten Bürgerinitiativen in Deutschland seit vielen Jahren. Im Anschluss an den Film findet eine Diskussionsrunde mit den Filmemachern, Produzent Peter Rommel, Publikum und Gästen über Bürgerprotest und sich veränderndes Demokratieverständnis statt.

Auch in diesem Jahr lotet das Forum Expanded den Grenzbereich zwischen Kunst und Kino aus. 42 Künstler, Filmemacher, Performer und Musiker aus 16 Ländern präsentieren filmische Arbeiten in Ausstellungen, in Screenings, im Radio und auf der Bühne. Dazu gehören unter anderem die Ausstellung Parallel Worlds im Salon Populaire (Kunstsaele Berlin), die Audiobeiträge Screen Off und die Reihe History Lessons mit Filmen und Gesprächen, die die Weitergabe des filmischen Erbes zum Thema machen.

Mit DAS SCHLAFENDE MÄDCHEN präsentiert das Forum Expanded eine Weltpremiere des Berliner Künstlers Rainer Kirberg. In der Botschaft von Kanada und im Filmhaus läuft eine Auswahl von HAUNTINGS, Videos über Gespenster der Filmgeschichte, die Guy Maddin für das Toronto International Film Festival gedreht hat.
Zu den gezeigten Kunststücken gehört auch BLIND eine neue Videoinstallation über den Blindenfußball von Annika Larsson in der Potsdamer Straße 88. Den Abschluss des Forum Expanded bildet ein Konzert von Genesis Breyer O-Porridge, Tony Conrad und Morrison Edley im HAU.

Als Teil des offiziellen Programms zeigt Berlinale Special im Kino International und im Friedrichstadtpalast aktuelle Werke zeitgenössischer Filmemacher sowie filmische Portraits herausragender Persönlichkeiten, unter anderem als Deutschlandpremiere THE KING’S SPEECH von Tom Hooper mit Golden Globe-Gewinner Colin Firth in der Hauptrolle als stotternder King George VI.

In Erinnerung an den im November verstorbenen italienischen Regisseur Mario Monicelli gibt es ein Wiedersehen mit seinem Film IL MARCHESE DEL GRILLO, für den Monicelli 1982 mit einem Silbernen Bären ausgezeichnet wurde. Eine Weltpremiere von Berlinale Special ist der neue Film von Julie Gavras: LATE BLOOMERS mit Isabella Rossellini und Wiliam Hurt in den Hauptrollen. Zu den weiteren Filmen der Reihe gehört SING YOUR SONG, ein Dokumentarfilm von Susanne Rostock über Harry Belafonte.

„The voice of genius!“ Mit diesem Ausruf beginnt Woody Allen seine Besprechung von Bergmans Autobiographie The Magic Lantern, die er im September 1988 für die New York Times schrieb. Dann lässt er Bergman selbst zu Wort kommen, der immer wieder über die existenziellen Katastrophen seines Lebens berichtet: Das Trauma der Schulbesuche, die Bergman im wahrsten Sinne des Wortes zum Kotzen brachten, die brutalen Eltern, der Hass auf Bruder und Schwester, die häufigen Gedanken an Selbstmord. Allens Fazit: Mit diesem Hintergrund ist man gezwungen ein Genie zu werden.

Woody Allen hat Bergman bewundert – er bewunderte ihn vor allem als Entertainer, wie er schreibt: Bergmans Fähigkeit Geschichten zu erzählen, sein Gefühl für Spannung und sein Gespür für den Umgang mit Bildern, Licht und Symbolen. Als seinen Lieblingsfilm nennt Allen DAS SIEBENTE SIEGEL, die große Schachpartie zwischen Antonius Block und dem Tod. Als Woody Allen Ende der Siebziger mit INTERIORS seinen ersten „ernsten“ Film machte, entdeckten alle Kritiker Bergman-Referenzen.

Allens Verehrung war ehrlich aber nicht ohne Humor. In seiner Kurzgeschichte Death Knocks muss sich der Tod auf ein Kräftemessen mit dem renitenten Nat Ackerman einlassen, der keineswegs vor hat, sein New Yorker Appartement in Queens schon mit 57 Jahren zu verlassen. Da der Tod nicht Schach spielen kann, einigen sich die Kontrahenten auf Gin Rummy. Nat gewinnt fürs Erste einen Tag Aufschub und 28 Dollar. Seinem Freund Moe sagt er am Telefon: „I played gin with Death, but he’s such a schlep!“ So hätte Bergman das wohl nicht ausgedrückt.

Die Perspektive Deutsches Kino geht mit elf Filmen – allesamt Weltpremieren – in ihr zehntes Jahr. Auf dem Perspektive-Programm der Berlinale 2011 stehen sechs Spielfilme und fünf Dokumentarfilme. Dabei sind auch wieder einige sogenannte mittellange Filme. Die Perspektive wird 2011 zum zweiten Mal von einem Dokumentarfilm eröffnet. Das Thema: deutscher Punk aus Hamburg. In ihrem Regiedebut mit dem Titel UTOPIA LTD. folgt Sandra Trostel der Band 1000 Robota, die seit 2008 eine EP und zwei Alben veröffentlicht hat, von den Anfängen auf dem Weg ins Musikbusiness.
Zwei Filme der Perspektive nehmen erstmals am Wettbewerb „Bester Erstlingsfilm“ teil: DIE AUSBILDUNG von Dirk Lütter und LOLLIPOP MONSTER von Ziska Riemann.

Der Preis für den besten Erstlingsfilm wird sektionsübergreifend an einen Debütfilm aus dem Wettbewerb, dem Panorama, dem Forum, der Sektion Generation der Perspektive Deutsches Kino vergeben. Über den Gewinnerfilm entscheidet eine dreiköpfige internationale Jury. Der Preis wird von der Gesellschaft zur Wahrnehmung von Film- und Fernsehrechten (GWFF) gestiftet, ist mit 50.000 Euro dotiert und geht an den Produzenten und den Regisseur des Gewinnerfilms.

Hier die komplette Liste der Filme der Perspektive Deutsches Kino der Berlinale 2011
Der Preis von Elke Hauck
Dígame - Sag mir von Josephine Frydetzki
Die Ausbildung von Dirk Lütter
Eisblumen von Susan Gordanshekan
Lollipop Monster von Ziska Riemann
weisst du eigentlich dass ganz viele blumen blühen im park von Lothar Herzog
Kamakia – Die Helden der Insel von Jasin Challah (Dokumentarfilm)
Kampf der Königinnen von Nicolas Steiner (Dokumentarfilm)
Rotkohl und Blaukraut von Anna Hepp (Dokumentarfilm)
Utopia Ltd. von Sandra Trostel (Dokumentarfilm)
Vaterlandsverräter von Annekatrin Hendel (Dokumentarfilm)

Zu The Thin Red Line gab der Kurator der der Geburtstags-Retrospektive David Thomson nicht nur eine brillante Einführung (man kann dem Mann stundenlang zuhören wenn, er über Film spricht. Mein Gott, er war mit Terrence Malick essen!) sondern verkündete auch Niederschmetterndes: Offensichtlich wäre Malicks neuer Film The Tree of Life mit Sean Penn und Brad Pitt auf der Berlinale gelaufen, wenn sich die Postproduktion nicht verzögert hätte. Wenn man bedenkt, dass Malick seit in den letzten 41 Jahren nur fünf Filme gemacht hat und The Tree of Life eben Nummer 6 ist, ist das wirklich unfassbares Pech. This really pisses me off! Und wir regen uns über das Wetter auf.

Waste Land von Lucy Walker hat den Panorama-Publikumspreis gewonnen. Der Film begleitet den brasillianischen Künstler Vik Muniz, bei einem seiner aufwendigsten Projekte: Einer Installation im "Jardim Gramacho". "Jardim Gramacho" liegt in einem armen Außenbezirk von Rio de Janeiro und ist eine der größten Mülldeponien der Welt: Die Menschen dort leben vom Müll, den sie sammeln undauf die unterschiedlichste Art wiederverwenden. Muniz hat die sogenannten Pflücker in sein Kunstprojekt einbezogen.
Lucy Walker hat schon 2007 mit Blindsight den Panorama-Publikumspreis gewonnen.

You were, what you said you were

Regisseur James Rasin hat eng mit dem langjährigen Partner von Candy Darling, Jeremiah Newton zusammengearbeitet. Die Klammer für den Film sind Newtons Bemühungen die Asche von Candy gemeinsam mit der von Newtons Mutter beizusetzen. Rasin schildert den Aufstieg von James Lawrence Slattery zum Filmstar Candy Darling. Dabei wird eins klar: James war ein Junge im falschen Körper. James wollte ein Filmstar sein, aber ein weiblicher Filmstar. Ihre Idole waren Kim Novak und Lana Turner.

Die Auftaktzeile von Velvet Undergrounds Song „Candy Says“ lautet: Candy says, I've come to hate my body. So ist es. Candy Darling aber ist mehr als Körper. Candy Darling ist ein ein Mythos, eine Kunstfigur, die lebendiger und authentischer ist, als James Lawrence Slattery je war. Candy Darling ist exaltiert, manchmal schlagfertig und vor allem genauso charismatisch wie die Hollywood-Diven der Fünfziger. Das heißt nicht, dass Candy glücklich war. Newton hat nach ihrem Tod auch ihre Tagebücher gefunden, die im Film eine wichtige Rolle spielen. Candy war einsam, aber wenn sich glücklich war, dann in den Momenten, in denen sie im Rampenlicht stand.

Candy starb mit 29 Jahren an Krebs. Kurz vor Ihrem Tod ließ sie an ihrem Krankenbett von Peter Hujar noch ein atemberaubendes Foto machen. Candy war bewusst: Ihr Leben war eine Performance und dafür wollte sie jeden Moment nutzen. James Rasin ist ein erstaunlich berührender Film gelungen. Berührend ist besonders, wie sehr Jeremiah Newton Candy Darling ganz offensichtlich geliebt hat. Das hatte irgendwann wohl auch Candy verstanden, die vom Vater misshandelt und von der Mutter nach dem Tod verleugnet wurde. Candy Darling ist die Diva, die es vielleicht auch ohne Drella geschafft hätte, ein Star zu werden.

Wie kam das Böse in die Welt?

Zweiter Weltkrieg im Pazifik irgendwo auf den Salomoninseln: Private Witt (James Caviezel) hat sich unerlaubt von der Truppe entfernt und lebt in einem Dorf mit den Inselbewohnern ein fast idyllisches Leben. Mit dem Idyll beginnt der Film. Halt! Nicht ganz. In der ersten Szene sehen wir einen großen Alligator, der langsam ins Wasser gleitet und abtaucht. Die Gefahr ist also immer vorhanden. Auch für Witt ist die Unbeschwertheit schnell vorbei. Sergeant Welsh (Sean Penn) verpfeift ihn zwar nicht, als er ihn findet. Aber er teilt ihn einer Sanitätseinheit zu, die im Gefecht verwundete versorgen muss. Deswegen ist er auch mit dabei, als die US-Truppen die strategisch wichtige Insel Guadalcal erobern sollen. Die Landung glückt ohne Verluste. Doch dann soll die Einheit um Captain Staros (Elias Koetas) auf Befehl von Colonel Tall (Nick Nolte) einen Hügel erobern, auf dem sich die Japaner mit schweren Waffen verschanzt haben.

Auch wenn die Gefechte um die Höhe C-210 einen breiten Raum in dem Film einnehmen, The Thin Red Line ist kein epischer Kriegsfilm. Der Zuschauer blickt nicht aus der Vogelperspektive auf das Gefecht, er ist mit im Gefecht. So teilt er die Konfusion, die Angst und das Nichtverstehen der Soldaten. Außerdem wir die Action immer wieder von der Stimme Private Witts gebrochen. Er spekuliert über Sinn: Wie das Böse in die Welt kam, wann der Mensch die Fähigkeit zum Frieden verloren hat, was das Ganze überhaupt für einen Sinn hat. Das könnte fürchterlich aufgesetzt ein, fügt sich aber perfekt in die fließenden Bilder vom Gefecht, der Natur der Insel und die Bilder ein, die aus der Sehnsucht der Männer nach der Heimat entstehen. Warum das funktioniert ist unerklärlich. Das ist die hohe Kunst von Terrence Malick.

Malick hat Stars für seinen Film zur Verfügung gehabt: Travolta, Clooney, Penn, John Cusack, Woody Harrelson: Travolta und Clooney sind eine Minute bzw. 30 Sekunden im Film zusehen. Und eher unbekannte Gesichter wie Caviezel und Koetas kriegen viel Zeit auf der Leinwand. Dazu spielt Nolte den Kotzbrocken. Für Helden hat Malick keinen Platz. The Thin Red Line ist eher eine gewalttätige Meditation über den Krieg und das Leben im Allgemeinen: Jeder sucht nach dem Sinn, viele Sterben früh, viele versteinern, einige werden verrückt und einige wenige bewahren den Funken – den Glauben an das Schöne, die Liebe und daran, dass sich das alles irgendwie lohnt.

Luzie Ahrens war ein großer Glücksgriff

Wie bist Du auf das Thema gekommen?
Überhaupt nicht geradlinig, sondern auf ganz großen Umwegen. Tatsächlich stand am Anfang der Wunsch mit der Kamerafrau Jenny Lou Ziegel, mit der ich an der dffb mehrere Seminare gemacht habe, zusammen einen Film zu drehen. Wir wollten so arbeiten, wie in den Seminaren, in denen Regie und Kamera von Beginn an gemeinsam Stoffe entwickeln. Es ist seltsam, wie Geschichten entstehen. Erst gibt es Fragmente und dann findet man die Verbindungen. Am Anfang stand die Situation eines Mädchens, das im Auto mitfährt und nicht reden will. Und später kam die Idee mit der Mutter, die nicht da sein kann. Dann haben wir das Thema des Gefängnisses hinzugefügt und begonnen zu recherchieren. Als klar war, dass die Mutter im Gefängnis sitzt, hat die Geschichte eine Riesensprung nach vorne gemacht.

Wie lange hat der Prozess gedauert, vom ersten Gedanken bis zum Drehbeginn?
Eineinhalb Jahre. Da waren auch Pausen dazwischen, in denen ich nicht daran arbeiten konnte. Das ist auch unüblich für so eine rbb-Koproduktion. Normalerweise sind die Zeiträume kürzer.

Wie habt Ihr recherchiert? Der Film ist sehr genau und sehr interessant, was zum Beispiel die Abläufe im Gefängnis angeht.
Es gibt die JVA für Frauen in Lichtenberg. Dort wollten wir zunächst eigentlich nur recherchieren, haben dann aber auch dort gedreht. Der Leiter Matthias Blümel war sehr entgegenkommend und hat uns alles gezeigt. Wir waren erst ganz überwältigt von der Atmosphäre. Es wirkt anders, als Gefängnisse, die man aus Filmen kennt – fast wie eine Kindertagesstätte. Dadurch wird es aber noch unheimlicher, wenn man über die JVA nachdenkt. Es hat eine Zeit gedauert, bis bei mir das Gefühl angekommen war: Hier sind Frauen, die hier nicht rausdürfen. Das ist dann beklemmend. Aber Lichtenberg ist eine der fortschrittlichsten Einrichtungen in Deutschland, es gibt viele Frauen, die sich dahin verlegen lassen wollen.

Wie seid ihr zu Eurer Hauptdarstellerin Luzie Ahrens gekommen, die eine unglaubliche Leistung abliefert?
Luzie ist eine ganz spezielle, kleine Person. Wir hatten zu unserer eigenen Überraschung nur sechs Mädchen, die sich beworben haben. Vom Drehbuch her war klar, dass sich das Mädchen am Ende vor der Kamera die Haare kurz schneiden musste. Das war ein Problem. Dafür sind wir sogar von Casting-Agenturen beschimpft worden. Es war ein großer Schritt und sehr mutig von ihr, dass sie das gemacht hat. Luzie war auch schon für „Das weiße Band“ gecastet worden. Aber weil sie vom Alter her nicht so gut gepasst hat, hatte sie nur eine sehr kleine Rolle. Aber eine Casterin in Wien hat sie uns schließlich empfohlen, obwohl Luzie bei keiner Agentur war. Sie war nur mit ihrer Schwester mitgegangen zum Casting. Die Jessi ist ihre erste Sprechrolle.

Ich war vor allem beeindruckt, wie sie nur mit Blicken und Gesten spielen konnte. Denn sie war beim Dreh ja erst elf Jahre alt.
Ja das ist ihre Präsenz und wie sie das spielt. Sie ist die Hauptdarstellerin und in 90 Prozent des Films zu sehen. Wenn wir Luzie nicht gefunden, hätten, hätte das ganze Projekt auch noch kippen können. Denn Sie war ein ganz großer Glücksgriff.

Wie hast Du Luzie Hilfestellung gegeben durch Deine Regie? War da viel Erklärung nötig?
Erklären muss man eigentlich nicht viel. Ihr Präsenz hat vollkommen gereicht. Sie ist sehr cool vor der Kamera. Das Drumherum stört sie gar nicht. Wenn ich erkläre, geht es vor allem um Abläufe. Luzie war technisch sehr penibel. Sie mag auch überhaupt nicht improvisieren. Sie wollte einen festen Text haben. Das hatte ich gar nicht so erwartet. Wir haben geübt, wie wir während des Drehs Kontakt aufnehmen. So konnte sie auf Dinge reagieren, die ich ihr mitteile, ohne dass es sie aus dem Konzept bringt – z.B. das Timing oder so etwas. Am wichtigsten war, deutlich zu machen, dass sie nichts falsch machen kann und dass es normal ist, wenn wir eine Szene nochmal drehen. Denn das ist das Schlimmste, was einem vor der Kamera passieren kann, das Gefühl etwas falsch zu machen. Am Ende waren solche Zeichen dann gar nicht mehr notwendig. Am Ende war sie der Profi. Sie wusste immer genau, warum wir eine Szene wiederholt haben.

Was mir aufgefallen ist: In den Credits ist Jenny Lou Ziegel nicht für die „Kamera“, sondern die „Bildgestaltung“ zuständig. Was heißt das?
Sie ist sehr genau. Sie will auf keinen Fall etwas machen, was sie in der Zukunft nicht so schön findet. Das, was entsteht, soll Bestand für die Ewigkeit haben. Es ist eine sehr intensive Zusammenarbeit. Schonungslos (lacht), aber das ist gut. Das war jetzt das dritte Mal, dass wir uns zusammen die Köpfe zerbrochen haben (lacht noch lauter), aber ich möchte nicht anders arbeiten. Das Buch war von Anfang an sehr visuell angelegt.

Hast Du schon Pläne für weitere Filme?
Erstmal muss der Film aus meinem Computer raus. Ich bin noch ganz woanders. Ich brauche jetzt erstmal wieder eine Schreibphase. Es gibt außerdem noch einen Kurzfilm, der auf Förderung wartet.

Mach Platz, Neo!

Professor Vollmer (Adrian Hoven) ist ein Genie, er hat Simulacron I entwickelt, ein Computerprogramm das sogenannte Identitätseinheiten schafft, die funktionieren wie echte Menschen in der Realität. Das Programm soll die zukünftige Entwicklung der Gesellschaft simulieren, damit Politiker wie Staatsekretär Winlaub (Heinz Meier – ja genau, Loriots Vater Hoppenstedt) die richtigen Entscheidungen für eine blühende Gesellschaft treffen kann. Leider verhält sich der Professor sehr seltsam und ist kurz darauf tot. Selbstmord, das ist die offizielle Version. Sein Nachfolger Dr. Stiller gerät schnell unter Druck eines obskuren Unternehmens und versucht in der realen Welt und im Computerprogramm herauszufinden, welches Spiel gespielt wird.

Allein zu sehen, wie Stiller sein Bewusstsein in das Computerprogamm einspeist, um sich in die simulierte Welt zu transferieren ist genial. Er legt sich hin, setzt sich einen hypermodernen Helm auf (ok, ok es ist ein Motorradhelm mit ein paar Kabeln, aber kein Vorwurf an die Requisite) und ist auf einer anderen Realitätsebene. Erinnert das nicht dunkel an Avatar?

Was den Film so sehenswert macht, ist sein Umgang mit Bildern und der Kamera. Fassbinder schafft es mit einfachsten Mitteln, Science-Fiction-Atmosphäre zu schaffen. Das Institut für Kybernetik und Zukunftsforschung ist ein beklemmender technisierter Unort und auch die reale Welt der Zukunft wirkt unpersönlich und abweisend. Den Rest besorgt die Kamera von Michael Ballhaus: Die Kamerafahrten sind unglaublich. Die Kamera gleitet an Glasscheiben vorbei durch ein Riesenbüro hindurch, fährt in kreisenden Bewegungen und findet ihre Motive immer wieder in Spiegeln. Diese indirekte Filmweise muss höllisch aufwendig gewesen sein, schafft aber genau die Atmosphäre, in der die Unterscheidung zwischen Echtem und Simuliertem immer schwieriger wird.

Stiller ist mit seinem Kollegen Fritz Walfang (Günter Lamprecht) der Einzige, der überhaupt an Aufklärung interessiert ist. Löwitsch gibt den Kämpfer in einer Welt der Politiker und Technokraten. Natürlich haben die Geschichte und die Figuren, besonders die Frauencharaktere, ihre Schwächen. Trotzdem ist Welt am Draht seiner Zeit weit voraus und wirkt auch heute nicht antiquiert. Kein Wunder, dass sich das MoMa in New York an der Restaurierung beteiligt hat.

Ein Bekenntnis zum Kino

Euer Film ist ja eine Vater-Sohn-Geschichte in einer Welt nach der Apokalypse. Was wolltet ihr zuerst machen: Einen Film über die Post-Apokalypse oder eine Vater-Sohn-Geschichte?
Linus: Die Grundidee ist von Anna. Wir schreiben immer zusammen.
Anna: Ich habe ein bisschen rumgespielt mit Dingen, von denen ich wusste das Linus sie interessant findet. Da kam ich auf die Vater-Sohn-Geschichte und auf das Thema Gewalt. Und der Auslöser war eine Anekdote: Ein Freund von mir war als Austauschschüler in den USA mit seiner Gastfamilie in Alaska. Da war es sehr abgeschieden - kein Internet, kein Telefon, aber viele wilde Tiere Bären usw. Dadurch war er ziemlich angespannt. Als er nachts Geräusche gehört hat, ist er nachts raus und stand auf einmal vor dem geladenen Gewehr seines Gastvaters, der auf Bären gelauert hat. Und so kam ich auf die Idee einer Familie, die abgeschieden in einer sehr brutalen Welt lebt. Der Vater übernimmt die Rolle des Verteidigers und der Sohn hat eher Angst. Als zweite Idee kam hinzu, dass der Sohn mit einem Gefährt flüchten will und am Vater vorbeikommen muss.

Und wie habt ihr diese Ideen dann diskutiert?
Anna: Linus war erst gar nicht so angetan. Die Geschichte spielte erst im Wald und das hat ihn nicht angeturnt. Er fand die Idee nicht schlecht, aber wollte eher eine Wüste nach der Apokalypse, so ein bisschen was wie Mad Max.
Linus: Und ich wollte keine Bären, sondern Wüstenpiraten und die Flucht auf einem Motorrad. Ich habe gar nicht über die Machbarkeit nachgedacht. Ich habe mir nur gedacht: Wenn es das alles noch gäbe, dann würde die Idee gefallen.
Anna: Ich bin ja Drehbuchschreiberin und Producerin. Wir spinnen auf der Drehbuchebene erstmal einfach rum und ich kann es dann als Producerin ausbaden (lacht). Beim Schreiben heißt es, anything goes.

Wie ging es dann weiter?
Linus: Es war schon ziemlich klar, wer im Team sein würde. Wir hatten beim unserem vorherigen Film Gray Hawk ein Superteam, einen sehr guten Kameramann mit Luciano Cervio usw. Wir wollten das mit einem ähnlichen Team wieder machen. Deswegen war es auf der technischen Seite nicht so schwer. Es war deutlich mehr zu tun und daher eine größere Crew notwendig. Aber im Großen und Ganzen wußten wir, wir können auf alte Bekannte zurückgreifen. Schwer waren die Details, vor allem die Location für den Dreh zu finden. In Spanien kann man sowas drehen, abeer das können wir nicht bezahlen. Dann sind wir auf Polen gekommen, wo viele osteuropäische Western gedreht wurden, aber das war zu schön. Von einem Kollegen haben wir dann von der Tagebauregion in der Lausitz erfahren, sind dahin und waren begeistert. Einen konkreten Ort zu finden, war nicht so einfach, weil ja keine Fahrspuren, Geräte usw. zu sehen sein durften.
Anna: Und dann musste ja noch eine Hühnerfarm her. Aber wir waren sehr froh, dass unser Szenenbildner gelernter Architekt ist. Der hatte gleich die Übersicht und viele gute Ideen, damit wir die Logistik besser bewältigen konnten. Basis für die Farm war ein Container. Mit dem haben wir das ganze Baumaterial in den Tagebau transportiert und hinterher auch wieder mitgenommen. Und nachts war der Container auch der Lagerraum.
Linus: Wir durften im Tagebau auch nicht schlafen. Wir mussten jeden abend aus dem Tagebau raus und haben in Forst in der alten Grundschule geschlafen.

Wieviel Tage habt ihr gedreht?
Anna: 13 plus einen Mini-Nachdreh. Wir hatten eben wirklich wenig Geld: 15.000 Euro. Davon mussten wir ein 40- 50-köpfiges Team zwei Wochen verpflegen, durch die tägliche Anfahrt hatten wir hohe Spritkosten, Kostüme, Austattung, Motorräder usw.
Linus: Unser zweites Set, das Piratenlager, war in Rüdersdorf – in einem alten Kalkbergwerk, das gerne für Filmaufnahmen genutzt wird.

War es schwierig, die Szene in 25 Minuten zu erzählen?
Anna: Was wir gekürzt haben, war zum Beispiel eine längere Szene über die Reise mit dem Motorrad von der Farm zum Piratenlager. Das ist jetzt nur noch so eine kurze, fast psychedelische Sequenz. Auch der Handlungsstrang mit der Mutter ist rausgefallen. Es gab noch mehr Interaktion zwischen dem Jugen und seiner Mutter. Die Szenen haben uns auch gut gefallen. Aber wir hatten das Gefühl, das ist zuviel für 25 Minuten. Die wesentliche Handlung findet eben zwischen Sohn und Vater statt und dann ist noch die Schwester wichtig. Deswegen ist die Figur der Mutter fast weggefallen, nicht etwa weil die Schauspielerin nicht gut war oder so.
Linus: Als wir die Idee mit der Wüste und der post-apokalyptischen Welt hatten, war für mich klar, dass es eine Art Italowestern wird. Damit war auch klar, dass das Tempo eher langsam wird – lange Einstellungen, die in der Totalen die Wüste zeigen usw. Wir hatten die Wahl zwischen mehr erzählen oder die Bilder länger wirken zu lassen.

Könnt ihr noch etwas zu der beeindruckenden klassischen Musik erzählen?
Linus: Die Musik konnte nur so entstehen, wie sie entstanden ist, weil der Film eine Koproduktion mit der HFF „Konrad Wolf“ in Potsdam ist. Wir wollten mal mit anderen Studenten zusammenarbeiten. Der Soundtrack ist von Felix Raffel extra für den Film komponiert und mit dem Filmorchester Babelsberg eingespielt. Felix hat in Hannover an der Musikhochschule studiert und studiert jetzt im zweiten Semester Filmmusik an der HFF. Und er hatte im Rahmen des Studiums die Möglichkeit, die Musik mit dem Orchester einzuspielen. Er war ganz heiß darauf, viel mit Orchester zu instrumentieren. Das hatte ich mir erst gar nicht so vorgestellt, aber dann habe ich gemerkt: Das ist ein Film bei dem das geht.

Habt Ihr eigentlich ganz bewusst so einen Film mit großen Bildern und großer Musik gemacht?
Linus: Ich muss zugeben, dass davon mehr in der Postproduktion entstanden ist, als ich eigentlich gerne zugeben möchte. Ich würde gerne behaupten, dass ich mir das von Anfang an so überlegt habe. Aber erst in der Postproduktion ist mir klar geworden, dass der Film mehr ist als einer Vater-Sohn-Geschichte. Er ist vor allem ein Bekenntnis zum Kino und erst in zweiter Linie ein Film über persönliche Konflikte. Ein Dozent von uns hat gesagt: Es gibt Filme über Menschen, das ist der Film nicht. Es gibt Filme über Situationen, das ist er eigentlich auch nicht. Der Film ist ein Film über Filme und das Filmemögen.

Erzählt doch zum Schluss noch etwas über Euer nächste Projekt „Dr. Ketel“.
Linus: Das ist auch wieder ein gemeinsames Projekt. Das wird unser gemeinsamer Abschlussfilm.
Anna: Und unser erster langer Film.
Linus: Es geht um einen Arzt in Neukölln in einer sehr, sehr nahen Zukunft, in der das Gesundheitssystem zusammengebrochen ist. Es ist sozusagen eine groteske Variante der Gegenwart. Der Arzt, der selber keine Approbation mehr hat, fängt wieder an zu behandeln, weil die Leute ihn brauchen. Er hilft ohne Anmeldung, ohne Termin, wo er gebraucht wird.
Anna: Und dabei bewegt er sich natürlich in der Illegalität. Der Film hat einen Hauch von Science Fiction, near future sozusagen. Wir machen gerade während der Recherche kleine Drehs. Wir sind mit unseren Schauspieler in Neukölln unterwegs und drehen explorative Szenen. Wir entdecken viele Dinge über das Machen.

Das Interview führte Steffen Wagner.

So sind Männer eben

Lebendkontrolle erzählt eine klassische Männergeschichte: Ein Mann will sich ändern, kann aber nicht. Weil die Umstände gegen ihn sind, der Zufall ihm übel in die Quere kommt und er sich vor allem selbst im Weg steht. Mark ist genau der Typ, der sich selbst nie im Griff haben wird. Er liebt Jessica und doch benimmt er sich wie ein Idiot – so sind Männer eben. Aber Mark hat auch einen weichen Kern. Wenn es um seinen Kumpel Boxer geht, lügt er lieber, als ihn zu verletzen – so sind Männer eben.

Florian Schewe hat aus einer guten Geschichte einen routinierten Film gemacht, der manchmal allerdings etwas zu nah am Klischee ist. Aber unterhaltsames Kino ist es allemal, zumal die Besetzung der drei tragenden Rollen perfekt gelungen ist. Und wenn wir gerade dabei sind: Wer ein schönes Drehbuch für einen Kiez-Krimi mit Eddy Kante in der Hauptrolle schreibt, kriegt von mir 'ne Kiste Bier spendiert.

Der Zuschauer hat keine Wahl

Juliane Engelmann hat mit Narben im Beton einen Film gemacht, der schwer zu verkraften ist. Das ist nicht abwertend gemeint. Verwahrloste Kinder, tote Kinder, getötete Kinder das sind Themen bei denen die Medien gewöhnlich zum einem großen Empörungswettkampf auflaufen: Wer macht sich lauter Luft? Wer fordert die schärfsten Konsequenzen? Rabenmütter! Asoziale! Monster! Seine Werturteile schießt der Boulevard dann aus der Hüfte ab, das Hirn ist eher nicht beteiligt.

In Narben im Beton wird nicht geurteilt, sondern nur beobachtet. Das ist beunruhigend. Am Ende wird ein Neugeborenes sterben, das ist dem Zuschauer schon nach wenigen Minuten klar. Wie kann das passieren? Es muss doch jemand Schuld haben? Der Film muss doch wenigstens eine Haltung haben, Stellung beziehen. Muss er? „So kann man's ja auch nicht machen“, empörte sich ein Kollege nach der Pressevorführung. Warum eigentlich nicht?

Juliane Engelmann hat einen Film gemacht, der eine junge Frau in einer extremen Situation beschreibt. Aber traut sich wirklich jemand zu behaupten, dass diese Situation grundlegend unrealistisch ist? Der Film mündet in einer Katastrophe, die kaum größer sein könnte. Doch irgendwo im Hinterkopf verschafft sich der Gedanke Platz, dass diese Katastrophe auch eine Erleichterung ist – ein monströser Gedanke. Die Katastrophe hat wenigstens etwas von Annas Verzweiflung in Wut verwandelt und sie hat den widerwärtigen Typen nicht wieder in die Wohnung gelassen. Entsteht Hoffnung aus der Katastrophe? Aber das darf man nicht denken. Allein solche Gedanken wird man nach diesem Film nicht mehr los, weil das Gefühl des eigenen Unbehagens immer größer wird. Als Zuschauer muss man innerlich schon Stellung beziehen, da lässt der Film keine Wahl. Gut so.

Weil es nicht so sein kann, wie es war

Jessi reagiert auf den Druck von außen, indem sie sich vollkommen in sich zurückzieht. Wichtig sind für sie die Besuche bei ihrer Mutter. Denn sie versucht das Unmögliche: das zerüttete Verhältnis zwischen ihrer Mutter und ihrer Schwester zu reparieren. Aber das Leben kann nicht einmal für kurze Zeit so sein, wie es früher war. Deshalb sucht Jessi nach einem eigenen Weg, wie sie mit ihrem Leben fertig werden kann.

Mariejosephin Schneider (Buch und Regie) erzählt in nur 30 Minuten eine ganz spezielle Geschichte über das Erwachsenwerden. Sie stellt die Figur von Jessi in den Mittelpunkt und sieht genau hin: Wie läuft das ab, wenn ein Kind seine Mutter im Knast besucht? Wie blickt Jessi ihre Mutter an, wenn die der großen Schwester nicht einmal per Telefon zum Geburtstag gratulieren will? Die 11-jährige Luzie Ahrens trägt den Film. Die Kamera von Jenny Lou Ziegel ist immer bei ihr, ohne aufdringlich zu sein. Luzie Ahrens spielt sparsam aber eindringlich, mit Blicken und Gesten, mit ihrer Mimik. Das Drehbuch ist so intelligent, dass es die Dialoge auf das Notwendige beschränkt. Menschen, die auf der Suche sind, reden nicht viel. Jessi ist eine kleine Geschichte, die viele der großen Geschichten in den Schatten stellt, die auf dieser Berlinale mehr ausgewalzt als erzählt werden.

Pepare to be brainwashed

Nach vielen Jahren, Guetta hatte inzwischen sogar sein großes Idol Banksy getroffen und war sein Helfer beim Locationscouting und offizieller Filmchronist geworden, hatte Guetta Tausende Videokassetten und machte daraus: Life Remote Control – einen wüsten Zusammenschnitt von Filmschnipseln. In Exit Throught the Gift Shop wird daraus ein kurzer Auschnitt gezeigt, der manisch-brillant aussieht. Aber Banksy fand Life Remote Control „shit“ und machte aus der Doku von Thierry Guetta über Banksy einen Film von Banksy über Thierry Geutta.

In Wahrheit aber ist Exit Through the Gift Shop ein Film darüber, wie Hype funktioniert oder auch wie Street Art domestiziert wird. Banksys Kunst - die manchmal genial ist, z. B. seine Graffitis an der israelischen Mauer in der West Bank von 2005 - wird von der Straße in die Galerien geholt, anfangs sogar gegen seinen Willen. Mittlerweile wird sein Kunst für hohe sechstellige Summen gehandelt. Subversion in der Kunst funktioniert nie auf Dauer, dass weiß man spätestens seit Duchamp und seinem Fountain (erdacht 1917, re-enacted in den Fünfzigern und Sechzigern) oder Harings Graffiti aus den Achtzigern. Sogar Guetta, der eine fiktive Figur ist oder auch nicht, wird als Mr. Brainwash zum Künstler. In der Kunstwelt ist alles möglich, weil Kunst eine soziale Praxis ist. Sclag nach bei Arthur C. Danto.

Banksy hat einen amüsanten, harmlosen, etwas langweiligen und vor allem formal erstaunlich konventionellen Film gemacht, den die Berlinale allen Ernstes als „Experimentalfilm“ ankündigt. Maybe You've Bee Brainwashed, too!

Raub ist Arbeit

Trojan ist ein Krimineller, ein hochprofessioneller Krimineller. Er handelt schnell, kühl, rational. Sein Ziel ist, einen Raub zu begehen, der es ihm ermöglicht, die Branche zu wechseln. Trojan ist der Film. Die Kamera folgt ihm fast ohne Unterbrechung. Mit ihm sind wir immer in Bewegung, wir planen und handeln, begeben uns in Gefahr. Arslans Bilder sind genauso kühl wie seine Hauptfigur. Im Schatten ist ein Film über einen Unternehmer und sein nächstes Projekt. Verbrechen ist für Trojan eine Arbeit und so zeigt Im Schatten eigentlich Alltag. Es gibt Gewalt, aber die ist nur Mittel zum Zweck. Schließlich gibt es auf jedem Markt Konkurrenten. Es geht ums Geschäft, bitte nicht persönlich nehmen.

Das Brillante an Arslans Film ist der Rhythmus, den Trojan vorgibt. Seine Pläne und Aktionen entfalten eine Dynamik, die nicht mehr aufzuhalten ist. Trojan ist der professionellste Kriminelle seit Jef Costello. Die Mechanik des Verbrechens hat in Im Schatten eine ungeheure Faszination, nicht obwohl, sondern gerade weil sie so alltäglich daher kommt. Der Zuschauer sitzt im Kinosessel und denkt: Genauso kann es funktionieren, aber wird es auch funktionieren? Die Anspannung überträgt sich von der Leinwand. Schließlich geht es um viel, eigentlich um alles - um die Existenzgrundlage und die Freiheit.

Mit dem Passat auf Sinnsuche

Ich bin im Kino bereit, jederzeit alles zu glauben - alles: Dass es blaue Ökoippie-Außerirdische gibt, die drei Meter groß sind oder dass sich ein versponnener Wissenschaftler mit einem Leoparden um einen Dinosaurierknochen streitet, kein Problem. Hauptsache die Geschichte ist so erzählt, dass sie überzeugt. Genauso ist es bei Cindy liebt mich nicht. Eine Frau verschwindet und ihre beiden Liebhaber, die verschiedener nicht sein könnten, machen sich gemeinsam auf die Suche. Das ist doch extrem unwahrscheinlich. Na und? Hannah Schweiers Geschichte funktioniert. Ihr Drehbuch (nach einer Vorlage von Juan Moreno und Jochen-Martin Gutsch) ist clever, sie hat die richtigen Bilder und die richtigen Schauspieler gefunden. Vor allem Clemens Schick und Peter Weiss spielen perfekt zusammen.

Schweiers Film ist eine Mischung zwischen einer melancholischen Komödie (vor allem über Männer) und einem Roadmovie. Wie in jedem gelungenen Roadmovie geht es in der Enge des Autos (in diesem Fall ein Passat der ersten Generation) um die Gegensätze zwischen den Charakteren und die großen Fragen: Warum machen wir das hier und wo wollen wir eigentlich hin? Was weiß ich eigentlich über mich und was über andere Menschen? Schön und clever.

Was brauche ich, um ich zu sein?

Psychose ist eine Sammelbegriff für psychische Erkrankungen, die den Bezug des Erkrankten zu seiner Umwelt stören. Symptome sind unter anderem Halluzinationen, Ichstörungen, Angstzustände, Depressionen und Manie. Die Krankheit verläuft in Schüben. „Krisen“ nennt das Gamma Bak in ihrem Film. Bei ihrer ersten großen Krise beginnt sie zum Beispiel Papier in den Ecken ihres Zimmers aufzustapeln. Das mag nicht dramatisch klingen, aber für sie verdrängte das Stapeln den Wunsch zu essen und die Fähigkeit zu schlafen. Außerdem litt sie unter furchtbaren Angstzuständen.

Mit der Diagnose Psychose kamen die Psychopharmaka in das Leben von Gamma Bak, Halperol, Lithium, Medazepam – im Abspann nennt sie 14 Medikamente. Und mit den Medikamenten kommen die Nebenwirkungen. Nebenwirkung ist dabei nichts anderes als ein Euphemismus. Es sind unerwünschte Wirkungen: Gewichtszunahme, Sprachstörungen und andere Bewegungsstörungen, Einschränkung der Mimik, Müdigkeit, Erbrechen – die Liste ist endlos. Und die gewünschte Wirkung führt oft dazu, dass der Patient eigentlich gar keine Emotionen mehr spürt.

Gamma Bak berichtet nicht nur selbst über ihre Erfahrungen. Sie diskutiert mit ihren Freunden vor der Kamera oder Familienmitglieder oder Freunde verfassen Videobriefe. Der Vater, der Freund, die Freundinnen, der Cousin – sie sprechen über ihre Sorgen, fragen sich nach Gründen und Rätseln über ihre eigene Hilfslosigkeit.
So entsteht für den Zuschauer ein facettenreiches Bild. Je länger man zuschaut, umso mehr respektiert man den Weg, den Gamma Bak geht und versteht die Hindernisse, die auf diesem Weg zu bewältigen sind. Allein die ständige Selbstbeobachtung, um ein Frühwarnsystem gegen eine neue Krise zu entwickeln, ist ein kräftezehrender Prozess. So viel Selbsterkenntnis wird man sich als „Gesunder“ kaum zumuten.
Gamma Bak selbst verschweigt nicht, wie schwierig sie es zunächst fand, sich als psychisch krank zu „outen“. Denn die Krankheit sei auch eine Falle. Das Etikett „psychisch krank“ führe leicht dazu, dass jedes Verhalten nur noch als Krankheitssymptom interpretiert werde. „Ich kann nicht wie jeder andere einfach mal was Verrüktes machen“, sagt Gamma Bak. Mit dem Filmprojekt leistete sie der Krankheit Widerstand. Der Film sei immer für ein Publikum gedacht gewesen, sagte sie nach der Premiere. „Wenn ich jetzt nicht hier stehen würde, um den Film zu zeigen und über ihn zu sprechen, dann wäre ich gescheitert.“ Das ist Gamma Bak mit Sicherheit nicht, vor allem weil der Film das Korsett der Krankheit aufbricht. Der Film handelt vom Leben einer Filmemacherin, von ihrer Geschichte als Kind von Flüchtlingen, von ihren ersten Schritten als Künstlerin von ihren Hoffnungen und Ängsten und auch von Krankheit. Schnupfen im Kopf ist ein persönlicher Sieg und in filmischer Hinsicht herausragend.

Wahrhaftigkeit für Bernd und Roland

Moyas Film nimmt die kulturellen Klischees mit Verve auf die Hörner: Auf der einen Seite die „fucking Germans“ mit ihren „fucking Foreign Film Awards“ auf der anderen Seite (des Atlantiks) die „willenlosen Sklaven dieses intellektuellen Vernichtungsapparates“. Das ist vielleicht nicht besonders subtil, aber witzig. Wirklich brillant ist die zentrale Szene dieses 25-Minüters, wenn Hugenrubel und Arnold kurz vor dem Ausrasten sind „weil Bernd und Roland“ gleich da sind und sich die notwendige Echtheit nicht einstellen will.

Wortkaskaden und Scherengeklapper

Regisseur Christian Hornung hat per Zeitungsannonce nach jemand gesucht, der eine Idee für einen Film hat und darüber berichtet: Eigentlich wollte er drei bis vier Geschichten dokumentieren, aber mit Gleb hat er den geborenen Erzähler und damit das alleinige Zentrum seines Films gefunden. Der Friseur, vor 20 Jahren aus Weißrussland nach Deutschland gekommen, ist von einer geradezu barocken Beredsamkeit. Mit leichtem Akzent fabuliert er von einem einsamen Mann, einer einsamen Frau und ihren Sehnsüchten. Natürlich will Gleb die beiden zusammenbringen, aber der Weg dorthin ist verschlungen. Als Zuschauer erleben wir mit, wie Gleb sein mündliches Drehbuch an seinen Kunden ausprobiert und mit ihnen diskutiert.

Christian Hornung hat eine ebenso passende wie intelligente Struktur für seinen Dokumentarfilm gefunden: Er zeigt nur die Gespräche Glebs mit seinem Publikum auf dem Frisierstuhl. Es gibt keine Interviews oder klassische „Talking Heads“-Situationen. So setzen Hornung und sein Kameramann Karsten Krause (Kompliment: trotz der vielen Spiegel ist Krause nie im Bild zu sehen) einen Erzählstrom durch gekonnte Schnitte in Bilder um, mit seinen Wiederholungen, seinen Brüchen und dem Kreisen um das Thema Einsamkeit. Ein charmanter, kleiner Film.

Handlung? Ästhetik?? Haltung???

In Peter Kerns Film bringt der junge Axel (Harry Lampl), kaum haben ihn die Skins rekrutiert, aus Versehen einen Sozialarbeiter um, um dann ebenfalls aus Versehen von dem alten, schwulen Wäschereibesitzer Tritzinsky (Helmut Berger) vorerst gerettet zu werden. Denn Axel löst bei Tritzinsky Schuldgefühle aus, weil er ihn an einen Freund aus HJ-Zeiten erinnert, den der alte Mann in der Nazizeit nicht nur geliebt, sondern auch an die Gestapo verraten hat. Und Axel ist jetzt in einem Loyalitätskonflikt: Er möchte von den Skins akzeptiert werden, empfindet aber auch Freundschaft für den Wäschereibesitzer, weil der der Erste ist, der sich wirklich um ihn kümmert.
Aus einer eigentlich einfachen Geschichte „Jugendlicher mit Problemen gerät in die Fänge von Skinheads und bekommt noch größere Probleme“ kreiert Peter Kern einen Plot, der einem den Mund offen stehen lässt und garniert ihn mit Bildern, die zwischen brutaler Gewalt, echter Zärtlichkeit und Übelkeit erregendem Nazikitsch hin- und hertaumeln. Genauso unstet wie die Handlung und die Ästhetik ist die Haltung des Regisseurs: Ist das Satire? Ist das Sozialkritik? Ist das die Verarschung einer dekadenten, am Sex blöde gewordenen Künstlerszene oder ist das ein mit einem breiten Grinsen gesetzter Faustschlag in die Fresse der österreichischen Nazis? Ich habe keine Ahnung. Außer Ratlosigkeit bleibt nur die Anerkennung für die gute Leistung von Harry Lampl als Axel.

Freundschaft, Liebe, Sehnsucht: Gefühle ohne Soße

Dreiecksgeschichte wurden schon dutzendfach auf die Leinwand gebracht, aber das Drehbuch von Dietrich und Anna Brüggemann gewinnt einer gewöhnlichen Konstellation ungewöhnliche Seiten ab. Die Dialoge haben Biss und die Figuren entsprechen eben nicht den Klischees, sind exzentrisch und doch glaubwürdig, weil das Schauspielertrio hervorragend zusammen funktioniert. Renn, wenn Du kannst schafft das eher seltene Kunststück eine Geschichte über Freundschaft, Liebe und Sehnsucht zu erzählen, ohne ins Sentimentale oder Peinliche abzudriften. Der Komödie setzt sich dabei mit erstaunlich ernsten Themen auseinander, ohne ihren Witz zu verlieren oder sich belehrend oder mitleidsheischend im Ton zu vergreifen: Was passiert, wenn man die eigene Beziehungsunfähigkeit zur herausragenden Charaktereigenschaft erklärt? Kann man das durchhalten und was hat ein Rollstuhl damit zu tun? Und wie sieht es eigentlich mit den Träumen und Plänen aus, die sich jeder für sein Leben so zusammenspinnt?
Dietrich und Anna Brüggemanns Film gibt auf diese Fragen überraschende Antworten. Die beiden haben sogar die Chuzpe, die Zuschauer mit einer pseudokitschigen Volte zu erschrecken, dazu will ich hier nicht mehr verraten.

Kleines Budget, großes Kino

Das Budget ist mit etwa 15.000 Euro klein und die Spielzeit mit 25 Minuten kurz, aber das hat Regisseur Linus de Paoli und Produzentin Anna de Paoli, die auch gemeinsam das Drehbuch geschrieben haben (Co-Produzentin Anna Katharina Guddat), keine Grenzen gesetzt: The Boy Who Wouldn't Kill sieht aus, klingt und fühlt sich an wie großes Kino. Der Film der beiden Studenten an der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin erzählt die Geschichte einer Konfrontation zwischen Vater und Sohn auf einer einsamen Hühnerfarm irgendwo im Niemandsland nach der Apokalypse – es geht um nicht weniger als Leben und Tod.

Das Begeisternde an dem Film ist nicht die archaische schon oft variierte Geschichte, sondern es sind die epischen Bilder, die emotional mitreißende Musik, komponiert von Felix Raffel, gespielt vom Filmorchester Babelsberg und die kongeniale Kameraarbeit von Luciano Cervio. Die Filmteam ist es an den 13 Drehtagen in einem stillgelegten Tagebau bei Cottbus gelungen, mit wenig Geld und viel Enthusiasmus eine eigene Welt zu schaffen und eine Geschichte mit Lust an der Phantasie zu erzählen. Gerade darum ist die lobende Erwähnung der Internationalen Jury bei renommierten internationalen Festival des phantastischen Films im catalonischen Sitges vom vergangenen Jahr wohlverdient. Die Bilder können sich mit klassischen Italo-Western messen, erinnern an Mad Max oder auch an die kargen Landschaften von There Will be Blood.
Die Auseinandersetzung zwischen Anjo (Pit Bukowski) und seinem Vater (Jörg Bundschuh) gewinnt ihre Spannung, weil der Regisseur und seine Mitstreiter aller Register der guten, alten Illusionsmaschine Kino ziehen und das Tun sie nicht nur mit großem Sachverstand, sondern vor allem mit viel Lust am Filmemachen selbst. The Boy Who Wouldn't Kill sind perfekte 25 Minuten für alle, die das Kino wegen seiner Phantasie lieben.
The Boy Who Wouldn't Kill wird auf der Berlinale zusammen mit Glebs Film und Hollywood Drama am Sonnabend, 13. Februar, 19.30 Uhr Cinemaxx 3; am Sonntag, 14. Februar, 13 Uhr Colosseum und am Sonntag, 14. Februar, 20.30 Uhr Cinemaxx 1 gezeigt.

Aus Anlass eines runden Geburtstags ist ein Rückblick immer etwas Besonderes. Deshalb hat die Berlinale den Filmkritiker und Autor David Thomson (Seine bekanntesten Bücher: Have you seen? A Personal Introduction to 1.000 Films und The New Biographical Dictionary of Film) eingeladen ganz subjektiv Filme der Sektionen Wettbewerb, Forum, Panorama und Generationen auszusuchen. 38 sind es geworden aus mehr als 15.000 Filmen, die im Programm der Berlinale in 60 Jahren gezeigt worden sind. Thomson eröffnet die Retrospektive am 11. Februar persönlich mit einer Einführung vor dem Screening von Jean Renoirs The River (Der Strom). Es folgen Klassiker wie Godards A Bout de Souffle (Außer Atem), Polanskis Repulsion (Ekel) oder Almodóvars La Ley Del Deseo (Das Gesetz der Begierde) aber auch (fast?) Vergessenes wie Werner Herzogs Berlinale Erstling Lebenszeichen. Die aktuellsten Filme in dieser Geburtstags-Retrospektive sind Away from Her (An ihrer Seite) von Sarah Polley und Yella von Christian Petzold.

Zum 60. Geburtstag spendiert die Berlinale sich und uns eine doppelte Hommage: Für ihr Lebenswerk werden die Schauspielerin Hanna Schygulla und der Drehbuchautor und Regisseur Wolfgang Kohlhaase mit goldenen Ehrenbären ausgezeichnet. Im Programm der Hommage laufen jeweils fünf Filme mit Schygulla und von Kohlhaase.
Hanna Schygulla wurde vor allem als Darstellerin in den Filmen von Rainer-Werner Fassbinder bekannt. Die Berlinale zeigt deshalb auch unter anderem den frühen Fassbinder-Film Rio das Mortes und sein Spätwerk Die Ehre der Maria Braun. Für die Titelrolle erhielt Schygulla 1979 den silbernen Bären als beste Schauspielerin und den Deutschen Filmpreis in Gold.
Der Berliner Wolfgang Kohlhaase arbeitet seit mehr als 50 Jahren vor allem als Drehbuchautor. Zu seinen bekanntesten Filmen gehören Solo Sunny und Sommer vor dem Balkon (Regie: Andreas Dresen) und Die Stille nach dem Schuß (Regie: Volker Schlöndorff). Diese Filme werden auch in der Hommage gezeigt, außerdem Kohlhaases erster großer Erfolg als Autor Berlin – Ecke Schönhauser von 1957 (Regie: Gerhard Klein). Solo Sunny bekam 1978 einen silbernen Bären, Kohlhaase schrieb nicht nur das Buch, sondern war neben Konrad Wolf auch Co-Regisseur.

Sogenannte „mittellange“ Filme, ca. 25. bis ca. 60 Minuten, haben es schwer, in die Kinos zu kommen und ein Publikum zu finden. Das ist schade, wie die Perspektive Deutsches Kino in diesem Jahr beweist. Nach den Pressevorführungen steht fest: Man kann auch relativ kurzer Zeit eine gute Geschichte erzählen. Positiv fällt auf, dass das Themenspektrum bei den Mittellangen in diesem Jahr von Science Fiction, über Komödien bis hin zum Sozialdrama reicht. Besonders gelungen sind zwei ganz unterschiedliche Geschichten über das Erwachsenwerden. „The Boy Who Wouldn't Kill“ von Linus de Paoli, inszeniert einen Vater-Sohn-Konflikt in der apokalyptischen Welt nach dem großen Krieg - 25 Minuten, die sich Anschauen und Anhören wie großes Kino. Die 11-jährige „Jessi“ steht im Mittelpunkt von Mariejosephin Schneiders gleichnamigen Film: Jessis Mutter sitzt im Gefängnis und das Mädchen muss erwachsener sein als es will.

Auf der Berlinale werden sechs der mittellangen Filme in zwei Dreierpacks gezeigt: „The Boy Who Wouldn't Kill“, „Glebs Film“ und „Hollywood Drama“ laufen zusammen am Sonnabend, 13. Februar, 19.30 Uhr Cinemaxx 3; am Sonntag, 14. Februar, 13 Uhr Colosseum und am Sonntag, 14. Februar, 20.30 Uhr Cinemaxx 1. „Jessi“, „Lebendkontrolle“ und „Narben im Beton“ werden gezeigt am Mittwoch, 17. Februar, 19.30 Uhr im Cinemaxx 3; am Donnerstag, 18. Februar, 13 Uhr im Colosseum und Donnerstag, 18. Februar, 20.30 im Cinemaxx 1. Kurzfilm Nummer 7 „WAGs“ läuft im Vorprogramm am Freitag 19. Februar, 19.30 Uhr im Cinemaxx 3; am Sonnabend, 20. Februar, 13 Uhr im Colosseum und Sonnabend, 20. Februar, 20.30 im Cinemaxx 1.

Neun Spielfilme und fünf Dokumentarfilme zeigt die Perspektive Deutsches Kino in diesem Jahr; darunter sind acht mittellange Filme mit einer Länge von 25 bis 60 Minuten. Wie immer setzt sich der junge deutsche Film mit Problemen auseinander, in diesem Jahr vor allem mit familiären Problemen. Ob die Beiträge des Programms „Schmerzgrenzen überschreiten“, wie die Berlinale im besten Pressemitteilungsdeutsch behauptet, werden wir sehen.

Gespannt sein kann man zum Beispiel darauf, wie Carolin Schmitz in ihren Portraits deutscher Alkoholiker mit einem Problem umgeht, das jedem bekannt ist aber fast niemanden zu interessieren scheint. Jan Raiber berichtet in Alle meine Väter ebenfalls dokumentarisch über die Suche eines jungen Mannes nach seinem Vater. Dagegen hat Christian Hornung für Gelbs Film ein weniger schicksalhaftes Thema gewählt: Er portraitiert einen Friseur in Hamburg-Altona, der seinen Kunden eine Filmgeschichte erzählt, die nur in seiner Phantasie entstanden ist.

Auch die Spielfilme widmen sich eher düsteren Geschichten: Narben im Beton von Juliane Engelmann erzählt die einer völlig überforderten dreifachen Mutter, die erneut schwanger ist und Lebendkontrolle von Florian Schewe die eines Knackis auf Freigang. Eröffnet wird die Perspektive mit Dietrich Brüggemanns Renn, wenn Du kannst und der kann in einer Dreiecksbeziehung zwischen einer Cellistin, einem Rollstuhlfahrer und einem Zivi auch komische Momente entdecken.

Der Film "Renn wenn Du kannst" von Dietrich Brüggemann ist der Eröffnungsfilm der Perspektive Deutsches Kino bei der Berlinale 2010. Robert Gwisdek spielt einen Rollstuhlfahrer, der sich in eine Musikstudentin (Anna Brüggemann) verliebt und dabei in seinem Zivi (Jacob Matschenz) einen umbequemen Konkurrenten hat. Die Hauptdarstellerin Anna Brüggemann hat gemeinsam mit ihrem Bruder, der hinter der Kamera seht, auch das Drehbuch geschrieben.

Der Leiter der „Perspektive Deutsches Kino“; Alfred Holighaus, trägt im Februar 2010 zum letzten Mal die Verantwortung für diese Sektion. Er wird schon im Januar Geschäftsführer der Deutschen Filmakademie, steht der Berlinale aber noch bis Ende Februar zur Verfügung. Holighaus kam im Sommer 2001 zur Berlinale und kuratierte im darauf folgenden Jahr zum ersten Mal die neu geschaffene Festivalsektion, die aktuellen deutschen Produktionen der unterschiedlichsten Formate eine Plattform bietet. Die Perspektive ist in einem knappen Jahrzehnt zu einer Art Wundertüte des jeweils aktuellen Filmjahrgangs geworden (die Filme müssen im Jahr vor dem Festival gedreht werden). In dieser Tüte finden sich immer wieder Kostbarkeiten, z.B. Muxmäuschenstill (Marcus Mittermeier), Netto (Robert Thalheim) oder Prinzessinnenbad (Bettina Blümner), aber auch häufig Unausgegorenes. Langweilig ist die Perspektive nie, besonders aktuellen deutschen Dokumentarfilmen verschafft sie verdiente Aufmerksamkeit.

Für ihre Polit-Doku-Satire "The Yes Men Fix the World" erhalten Andy Bichlbaum, Mike Bonanno und Kurt Engfehr den von Radio Eins, dem Tip und der Panomara-Sektion vergebenen Publikumspreis. Die Panorama-Zuschauer wählten den Film auf Platz 1 vor "Welcome" von Philippe Lioret und "Der Knochenmann" von Wolfgang Murnberger. Insgesamt wurden über 21.000 Stimmen abgegeben. Die Preisverleihung findet am morgigen Sonntag um 17 Uhr im Cinemaxx 7 statt.

"Soul Power“ mit diesem Song eröffnen der Godfather of Soul and the Mighty JBs den Film, mit “Say it Loud (I’m black and Proud)” beenden sie die Dokumentation über das Soul Power-Festival 1974 in Kinshasa im Rahmenprogramm zum “Rumble in the Jungle” Ali vs. Frazier. Jeffrey Levy-Hinte hat aus mehreren Tagen Filmmaterial – allein 12 Stunden Konzert-Footage – einen Musikfilm im cinema verité Stil gemacht, der einen auf eine Klassenfahrt der Elite-Soulschule nach Zaire mitnimmt. Dabei sind neben James Brown, Bill Withers, Miriam Makeba, B.B. King und die Spinners in einer Soundqualität, die sich mit den besten Musikfilmen von heute messen kann.

"Soul Power“ ist eine Zeitreise. Die Klamotten: mehr Schlaghose war nie, James Brown (mit leichtem Bauchansatz und Pornobalken) in einem funky Jump Suit, Schlaghosen ungeahnten Ausmaßes und Kragenecken mit denen man Segelfliegen könnte. Dazu kommt der Spririt: Die Amerikaner sind noch ganz beseelt vom Civil Rights Movement und Black Power, reden von Homecoming, Roots and Freedom in Africa und befinden sich offensichtlich in völliger Unkenntnis über die politischen Abgründe des Mobutu Sese Seko. Muhammad Ali philosophiert in nie endenden Wortkaskaden über die amerikanische Gesellschaft, den afrikanischen Traum und natürlich seinen eigenen Status als "The Geatest“. Ali rappt ohne jede Musikbegleitung, man könnte stundenlang zuhören. Das können die schwarzen Jungs von heute mit den doofen Tattoos, den bräsigen Hosen und den beknackten Goldketten nicht einmal, wenn sie drei Wochen im Studio gestanden haben.

"Soul Power“ hat einige Szenen über die chaotische Organisation drumrum, etwas Backstage-Material und einige schöne Aufnahmen von Straßenmusikern. Herzstück ist aber die Musik: Bill Withers will make you weep, The Spinners will lift your soul and JB will hit you one more time. Jeffrey Levy-Hinte versprach im Filmgespräch, dass es eine DVD-Version mit viel, viel mehr Musik geben solle, aber dazu sei noch viel Arbeit nötig. Hoffen wir mal, dass der liebe Gott ein Funken Soul hat und das DVD-Projekt zustande kommt. Right on!

Joe Dallesandro war der erste Schauspieler, der sich in den Kunstfilmen von Warhols Factory auszog und "full-frontal“ vor der Kamera agierte. Nach drei Filmen ("The Loves of Ondine“, "Lonesome Cowboys“, "Flesh“) war er 1968 eine Sex-Ikone und spukte fürderhin durch die Köpfe von Männern und Frauen des Underground. Dallesandro – wegen seines Tattoos auf dem rechten Oberarm nur "Little Joe“ genannt – sah und sieht das alles mit erfrischender Gelassenheit. "So? Das war also Kunst?“, fragt er im Dokumentarfilm von Nicole Häusser. "Meine frühen Aktfotos waren Pornographie und im Film ist es Kunst? Na gut.“

Der Film erzählt die Kindheit und Jugend von Joe in sehr ungewöhnlichen und wirkungsvollen Animationen, die Schauspielerkarriere ist mit Filmausschnitten, privaten Filmaufnahmen und ausführlichen Interviews dokumentiert. Dallesandro selbst ist mit seiner Tochter Vedra Co-Produzent und hat auch das Drehbuch geschrieben. Damit ist klar, dass er den Film als Medium nutzt, um seine Person und seine 40 Jahre auf der Leinwand auch einmal aus der eigenen Sicht zu beleuchten. Das endet zum Glück nicht in eitler Selbstbeweihräucherung, im Gegenteil Dallesandros selbstironische Distanz und sein trockener Humor sind die große Stärke von "Little Joe“. Die Kunstfilme im Factory Stil halte er nicht für Kunst, auch Warhol habe das nicht getan, sagt Dallesandro im Film. Morrissey habe hart daran gearbeitet und es habe auch interessante Momente gegeben. Aber so etwas wie ein echtes Drehbuch habe es nie gegeben: "It was hard, because first of all we had to pretend, we were actors“.

Insgesamt hat Dallesandro mehr als 50 Filme gemacht. Auf die erste Morrisey-Trilogie „Flesh“, "Trash“, "Heat“ folgten noch zwei Morrissey-Filme "Flesh for Frankenstein“ (in 3-D!) und "Blood for Dracula“ jeweils mit Udo Kier. Dann drehte er drei Filme in Italien, die alle etwas Sex, viel Gewalt und krude Stories gemeinsam hatten, bevor ihn schließlich Mitte der Siebziger Louis Malle für seinen Märchenfilm "Black Moon“ und Serge Gainsbourg für "Je t’aime moi non plus“ (den man ab und zu bei Arte im Spätprogramm sehen kann – mit Joe und wichtig Jane Birkin, Handlung ist nicht so wichtig) engagierten. Weitere Dallesandro-Filme dieses Jahrzehnts trugen so erstaunliche Titel wie "Killer Nun“ und "Ferien und ein Massaker“. In den Achtziger riefen auf einmal die USA: Joe war Lucky Luciano in Coppolas "Cotton Club“, spielte in mehreren Folgen von Miami Vice und in Blake Edwards "Sunset“. Die Neunziger begann er in John Waters "Cry Baby“ und schloss sie mit Steven Soderbergh The Limey“ ab.

Dallesandro redet im Film offen über seine Rolle als Sexsymbol, "schwul was ist das? Packt mich doch nicht in eine Schublade“; sein Status als Star, "Stars waren wir nur in Deutschland“; und die Planlosigkeit seiner Karriere, "ich machte viele Filme, weil ich immer Geld brauchte“. Als Schauspieler sieht sich Dallesandro immer noch nicht, das nimmt man ihm allerdings nicht ganz ab. Mit diesem Gesicht und dieser Leinwandpräsenz kann man nichts Anderes als Schauspieler sein. Im Interview nach dem Film wiegelte er ab: "I just was lucky one day to like Campbell’s Soup“. Eine gute No-Budget-Doku über einen sympathischen Mann, der den Kontroll-Freak Paul Morrissey und den Warhol-Factory-Irrsinn mit Hilfe von gesundem Menschenverstand und Ironie besser überstanden hat als viele seiner Zeitgenossen. Auf dieser Berlinale erhält er Ehrenteddy für sein Lebenswerk.

Zwischen den deprimierenden Auftaktszenen von „Milk“ – körnige schwarz-weiß Fernsehbilder aus dem Florida der 60er-Jahre – in denen Männer, die verzweifelt ihre Gesichter zu verbergen suchen von Polizisten in einen Transporter gezerrt werden, nur weil diese Männer schwul sind – und den Schlussbildern, in denen tausende Menschen sich in San Francisco mit dem ermordeten Harvey Milk solidarisieren, liegen 128 Filmminuten, ein Politikerleben und eine gesellschaftliche Revolution. Natürlich ist die Ermordung eines Menschen auch etwas Deprimierendes, aber diese Solidaritätsgeste war 1979 nicht nur eine der Trauer, sondern auch eine der Hoffnung: Harvey Milk hatte in nur sieben Jahren etwas für die Gleichberechtigung von Schwulen und Lesben erreicht, dass sich durch Gewalt nicht rückgängig machen lässt.

Gus Van Sant konzentriert sich in „Milk“ ganz auf die Arbeit von Harvey Milk (Sean Penn) als politischer Aktivist. Der Film setzt erst mit Milks 40. Geburtstag ein und zeichnet dann eine kurze aber spektakuläre politische Karriere nach, die mit seinem Umzug im Jahr 1972 in den Castro District von San Francisco beginnt. Dort eröffnete er in der Castro Street ein Fotogeschäft. Als Geschäftsmann merkt er schnell, wie er aufgrund seiner Homosexualität einerseits diskriminiert wird andererseits merkt er schnell, welche Chancen Schwule und Lesben haben, wenn sie sich organisieren und nicht nur solidarisch untereinander handeln, sondern ihren Kampf gegen Diskriminierung und für Bürgerrechte auch mit den Anliegen anderer Gruppen verknüpfen. Milks Durchbruch als Politiker gelingt, als er eine Koalition mit der Gewerkschaft der Lastwagenfahrer knüpft: Die Teamsters wollten Druck auf die Brauerei Coors ausüben, die sich weigerte einen Tarifvertrag zu unterschreiben. Milk organisierte einen Boykott, der Coors aus allen Schwulen-Bars im Castro District verdrängte. Coors musste schließlich nachgeben. Als Gegenleistung setzte sich die Gewerkschaft für die Einstellung schwuler Lastwagenfahrer ein. Van Sant erzählt die Geschichte des Aufstiegs ganz konventionell chronologisch. Die charismatische Persönlichkeit Milks steht dabei im Mittelpunkt: Wie er einen Kreis von Unterstützern um sich sammelt, die Spitzen des schwulen politischen Establishments in San Francisco abkanzelt und hinter sich lässt, wie er politische Niederlagen einsteckt und schließlich den gefeierten Sieg erringt und in den Stadtrat von San Francisco gewählt wird.

Harvey Milk ist der, der es möglich macht, mit einer Mischung aus fast manischer positiver Energie und reiner Freunde daran, als offen schwuler Mann Erfolg zu haben. „Für mich geht es nicht um politische Themen, sondern um meine Art zu leben“, sagt er einmal zu seinem politischen Widersacher im Stadtrat und späteren Mörder Don White (Josh Brolin). Sean Penn, der sonst oft introvertierte Sonderlinge spielt, gibt der Figur von Harvey Milk auf der Leinwand eine fast kindliche Begeisterung und Offenheit, die zum Motor des Films wird. Und gerade dieser Kontrast zu dem unsicheren White und vor allem zu den bigotten, reaktionären Idioten um den kalifornischen State Senator John Briggs (Denis O’Hare) und seine Christian Coalition, die der Diskriminierung von Homosexuellen wieder in Gesetzen festschreiben wollen, schärft die politische Botschaft des Films. So begreift man sehr genau den Hebel, den Milk entdeckt hat, um für schwule Gleichberechtigung zu kämpfen: Auf Schritt 1 „Sagt allen Leuten, die ihr kennt, dass ihr schwul seid!“ folgt Schritt 2, nämlich nach politischen Partnern zu suchen. Das Selbstbewusstsein von Schritt 1 ist der Katalysator für Schritt 2. Das Selbstbewusstsein lebte Harvey Milk vor und im Poltischen war er ein Genie: An erster Stelle stehen Gleichberechtigung und Bürgerrechte, aber Milk kämpft für die soziale Absicherung von Rentnern, bezahlbare Wohnungen, die Interessen von kleinen Einzelhändlern und besonders öffentlichkeitswirksam gegen Hundekot in den Parks. So verschafft er sich ein breites Wählerfundament und persönliche Akzeptanz

Als Don White am 27. November 1979 Harvey Milk und den liberale Bürgermeister San Franciscos, George Moscone (Victor Garber), umbringt, beendet das zwei Menschenleben, aber die soziale Bewegung für Bürgerrechte ist so nicht zu stoppen. Das Verdienst von „Milk“ ist, diese politische Entwicklung für ein großes Publikum auf die Leinwand zu bringen. Eine Leerstelle des Films ist die private Seite von Harvey Milk, die im Ungefähren bleibt. Das ist bedauerlich, weil viele Fragen offen bleiben. Auf der anderen Seite ist es konsequent, weil es Gus Van Sant so gelingt, die wichtigen politischen und gesellschaftlichen Zusammenhänge klar darzustellen. Das kann auch ein Grund für die etwas langweilige, filmische Konventionalität des Films sein. Letztlich ist es allemal wichtiger, die politische Auseinandersetzung um Gleichberechtigung von Schwulen und Lesben verständlich nachzuzeichnen, als sich auf formale cineastische Höhenflüge zu begeben. Acht Oscar-Nominierungen, darunter Bester Film, Beste Regie, Bester Hauptdarsteller für Sean Penn und Bester Nebendarsteller für Josh Brolin und zahlreiche Filmpreise geben Van Sant ohnehin Recht.

"Yes Men" gewinnen den Panorama-Publikumspreis

Die „Yes Men“ wollen die Welt retten – mit Kapitalismuskritik. Zu diesem Zweck führen Andy Bichlbaum und Mike Bonanno nach ihrem Film aus dem Jahr 2003 in „The Yes Men Fix the World“ zum zweiten Mal Manager, Regierungsvertreter, Wirtschaftsexperten und die Medien vor, indem sie sie einfach nachahmen. Dabei zeigt sich: wenn die Kamera angeht, reden Experten mit jedem; wenn die Powerpoint-Präsentation hochfährt, fahren Managergehirne runter und die Medien (BBC, CNN, diverse Nachrichtenagenturen) glauben und berichten eigentlich alles.

Um vom subversiven Dokufilmer zum Topmanager zu werden, brauchen Bichlbaum und Bonnano nur das Internet, ein Telefon, Haargel und einen Businessanzug. Das Prunkstück des Films ist eine Episode, in der Bichlbaum es 2004 schafft, als Sprecher von Dow Chemicals im Fernsehsender des BBC Worldservice vor 300 Millionen Menschen aufzutreten und wortreich zu verkünden, dass die Firma die Opfer des Chemieunfalls in einer Pestizid-Fabrik im indischen Bhopal von 1984 mit 12 Milliarden US-Dollar entschädigen werde.

Dow hatte das Verursacherunternehmen Union Carbide 1999 übernommen. Union Carbide und später der neue Mutterkonzern hatten es immer abgelehnt, die Angehörigen der rund 8.000 Opfer angemessen zu entschädigen, die unmittelbar bei der Katastrophe oder kurz danach starben. Durch gravierende Spätfolgen stieg die Todeszahl auf geschätzte 15.000 Menschen. Die Familien der Toten erhielten durchschnittlich 2.200 US-Dollar. Für Entgiftungs- und Sanierungsarbeiten in der Region und als einmalige Zahlung an mehr als 500.000 Verletzte zahlte Union Carbide 470 Millionen US-Dollar. Noch heute leiden die Menschen unter den Spätfolgen wie Unfruchtbarkeit und eine hohe Prozentzahl von Behinderungen bei Neugeborenen durch Schädigung des Erbguts. Noch heute wird die Gesundheit der Einwohner durch verseuchten Boden und kontaminiertes Trinkwasser geschädigt.

Die beiden Aktivisten erreichten ihren Mediencoup mit erstaunlich geringem Einsatz. Sie richteten 2002 die Website dowethics.com ein, die aussah wie eine ganz offizielle Dow Chemicals-Seite. Dann warteten sie. 2004 interessierte sich die BBC für die Initiative und gab Bichlbaum die Chance für seinen großen Auftritt als Dow-Spokesman Jude Finisterra vor einem Millionenpublikum. Da Medien funktionieren wie sie funktionieren, ging die Nachricht des Einlenkens von Dow in Minuten um die ganze Welt - über die Agenturen und andere Rundfunk- und Fernsehsender. Dow Chemicals neue Bußfertigkeit war die Topmeldung in allen Web-Newsforen. Die Falschmeldung flog erst nach zwei Stunden auf, als die Zentrale von Dow Chemical energisch zu dementieren begann.

Der Film zeigt diese Medienaktion und noch weitere weitaus bizarrere. Darüber hinaus wenden sie sich die Regisseure gegen die wirtschaftsliberale, regulierungsfeindliche Schule von Milton Friedman. Sie führen Experten vor, die allem was mit Regierungseingriffen zu tun hat, den Kampf ansagen. Als Friedman-Schüler sind Vertreter von Think Tanks wie dem American Enterprise Institute allerdings nicht nur lächerlich eitel sondern auch ideologisch jämmerlich. Sie sind weniger an einem freien Markt interessiert, als an der Manipulation desselben im Interesse der Großkonzerne, von denen sie finanziert werden. Friedman selbst war zumindest ein Radikalliberaler, der sich nicht nur gegen eine wirtschaftliche Rolle des Staates, sondern auch gegen die Wehrpflicht, die Kriminalisierung von Drogen und Eingriffen in die Privatsphäre aussprach.

„The Yes Men Fix the World“ zeigt eine Methode des politischen Aktivismus, die allemal intelligenter, ehrlicher und vor allem komischer ist als das, was zum Beispiel Michael Moore produziert. Der Zusammenbruch der Finanzmärkte spielt nur als kurze aktuelle Meldung eine winzige Nebenrolle in dem Film. Es wäre spannend zu sehen, wie die marktradikalen Experten heute mit ihrem Credo „Der Markt wird es richten“ umgehen. Es ist das beeindruckendste an dem Film, wie er in kurzer Zeit zu einem Anachronismus geworden ist. Auf einmal ist die Forderung nach Regulierung nicht nur das Anliegen zweier kleiner Politaktivisten. So sind Andy Bichlbaum und Mike Bonanno von auf einmal Teil des politischen Mainstreams. Es ist ein gutes Zeichen, dass Menschen nicht mehr als Radikale abqualifiziert werden können, die eigentlich nichts weiter tun, als ihre Empörung über unethisches Unternehmenshandeln und inkompetente Wirtschaftspolitik in subversives Engagement umzusetzen.

Jetzt ist schon wieder was passiert ... Wer diese Stimme aus dem Off hört, weiß: Brenner (Josef Hader) muss wieder ermitteln in einer neuen Verfilmung eines Krimis von Wolf Haas. Diesmal kommt Brenner auf die Spur des Knochenmanns. Wie immer wieder Willen, denn eigentlich sollte er doch nur für den Berti (Simon Schwarz) eine Leasingrate für den zitronengelben Beetle vom Horvarth eintreiben. Jetzt aber ist der Horvarth verschwunden. Und was dann passiert, frage nicht, schau’ lieber hin.
Link zum festivalblog-Interview mit Josef Hader

Dem kleinen aber von jeher feinen Filmland Österreich ist etwas gelungen, was es sonst nur in Hollywood gibt: Das Trio Wolfgang Murnberger (Regie, Drehbuch), Wolf Haas (Romanvorlage, Drehbuch) und Josef Hader (Hauptrolle, Drehbuch) hat das erschaffen, was man im heutigen Moviebusiness ein Franchise nennt. Dabei vermeiden die Drei souverän die Ödnis des formelhaften Wiederholens, die jenseits des Atlantiks so oft die Kinokassen klingeln lässt. "Komm süßer Tod“, "Silentium“ und jetzt "Der Knochenmann“ sind drei Filme mit der Hauptfigur Brenner, die trotzdem in der Machart und der Geschichte so originell sind, dass das Publikum nie vor Überraschungen sicher ist. In jedem Film wird eine eigene Welt beschrieben mit sicherem Gespür für eine ganz eigene Atmosphäre, skurrile Charaktere und charmant-brutale Bösartigkeit. Der Schmäh macht den Unterschied und den gibt es nur in Österreich.

Im Zentrum vom Knochenmann steht neben Brenner der Wirt Löschenkohl (Josef Bierbichler), der in seinem Wirtshaus an einem Unort direkt neben einer unfassbar hohen Autobahntalbrücke, seine Backhendl kredenzt und sein Gulasch kocht. Sein Streit mit dem Junior (Christoph Luser) und seine verzweifelte Liebe zu einer Prostituierten (Dorka Gryllus) setzen einen mörderischen Prozess in Gang. Löschenkohl entwickelt in seinem unermüdlichen Einsatz für die Liebe die Wucht eines 40-Tonners, dem auf der Abfahrt vom Alpenpass die Bremsen versagen. Der Brenner kennt sich erst mal überhaupt nicht aus (wie man in Österreich sagt), sucht weiter den Horvarth und pflegt nebenher eine zart keimende Romanze zur Birgit (Birgit Minichmayr), der Frau vom Junior. Wer mehr von der Handlung eines Krimis verrät, ist ein Fetzenschädel.

"Der Knochenmann“ hat ein Ensemble, wie man es nicht oft in einem Film findet. Josef Hader ist so sehr Brenner, dass man schon gar nicht mehr weiß, ob es den Brenner nicht eigentlich in Wirklichkeit gibt und Josef Bierbichler ist einfach ein Naturereignis. Die Nebenrollen sind mit Birgit Minichmayr, Stipe Erceg, Pia Hierzegger und Christoph Luser in ähnlicher Qualität besetzt. So entsteht aus den Figuren, starken, bedrohlichen Bildern und Dialogen, die auf’s Wort passen, ein Mikrokosmos des kriminologischen und gastronomischen Wahnsinns mit Herz.

"The Messenger“ ist ein Film über den Krieg, in dem kein Schuss fällt, kein Panzer fährt, keine Rakete von einem Jet abgeschossen wird. Regisseur Oren Moverman lässt die spektakulären Hollywoodbilder beiseite und beschäftigt sich mit dem was wichtig ist – mit dem was der Krieg anrichtet: dem Tod, der Verzweiflung der zurückgelassenen Angehörigen und dem Kampf der aus dem Krieg Zurückgekehrten um ein normales Leben.

Sergeant Will Montgomery (Ben Foster) ist ein Held, das erzählen ihm jedenfalls seine Vorgesetzten: Er wurde im Irak schwer verwundet und hat vergeblich sein Leben riskiert, um einen anderen Soldaten zu retten. Zurück in den USA hat er noch drei Monate Militärdienst abzuleisten, als er zu einer Sonderabteilung delegiert wird, deren einzige Aufgabe es ist, Angehörigen die Nachricht zu übermitteln, dass ihre Tochter, ihr Sohn, ihr Mann oder ihre Frau im Krieg getötet wurde. Mit den neuen Herausforderungen soll ihn Tony Stone (Woody Harrelson) vertraut machen, der schon einige Zeit in der Sonderanteilung arbeitet. Stone erledigt seine Pflicht scheinbar unbewegt wie ein Fels, die Dienstanweisung ist seine Bibel, er geht vor wie nach einem Skript. Trotzdem sind die Überbringer der schlechten Nachrichten vielen Anfeindungen ausgesetzt: Sie werden beschimpft, bespuckt und sogar angegriffen.

Für Montgomery ist das – wie für den Zuschauer – nur schwer zu ertragen. Er macht zum ersten Mal etwas, für das er nicht ausgebildet wurde. Die Trauer, mit der er täglich konfrontiert wird, verstärkt seine eigenen Zweifel am Krieg, an der Armee und an seiner eigenen Lebenssituation nur noch. Er ist wie eine Feder in einem Uhrwerk, die immer stärker überdreht wird. Die Durchhalteparolen von Stone "die Army ist die beste Familie, die man haben kann“ zerren immer mehr an seinen Nerven. Trotzdem entwickelt sich zwischen den beiden Männern eine Freundschaft.

"The Messenger“ ist die erste Regiearbeit von Oren Moverman, der zuvor als Drehbuchautor unter anderem gemeinsam mit Todd Haynes "I’m not there“ geschrieben hat. Moverman bleibt ganz dicht an seinen Hauptfiguren und verzichtet in der Geschichte auf jede Art von Hollywood-Schnickschnack. Es gibt keine Rückblenden auf Kriegserfahrungen, keine Action... Es gibt Emotionen aber keine kitschige Sentimentalität. Mutig von Overman ist es besonders, das Duo Montgomery/Stone nicht zu Helden aufzublasen. Die beiden Soldaten versuchen nur ihren Job zu machen und das ist schwer genug. Am Ende gibt es so etwas Ähnliches wie Hoffnung, aber der Film vermeidet auch da das Klischee.

"The Messenger“ zeigt eine Arena des Krieges, in der mit Heroismus nichts zu gewinnen ist. Es gibt überhaupt keine Gewinner mehr. Es gibt nur noch den persönlichen Verlust und die Hoffnung, das letzte an Kraft aufzuwenden, um ein Rest an Würde zu bewahren – das gelingt nicht immer. "The Messenger“ ist kein angenehmer Film, sondern ein guter Film. Im Friedrichstadtpalast war es nach dem letzten Bild drei Sekunden still. Dann kam ein kurzer Applaus, dann war es wieder still bis zu einem weiteren kurzen Applaus nach dem Ende des Abspanns. Auch beim Rausgehen war es ruhiger als sonst. Ein gutes Zeichen.

Ein Häuschen im Grünen, davon träumt er der Großstädter. Rückzug ins Private, selbst renovieren und in trauter Zweisamkeit der ekligen Entfremdung entkommen – das muss so schön sein. In der Auftaktszene von Sebastian Schippers "Mitte Ende August“ sitzen Hanna (Marie Bäumer) und Thomas (Milan Peschel) beim Notar und kaufen ein heruntergekommenes Haus auf dem Land. Dann sieht man sie leicht irre vor Glück durch das neue Eigentum taumeln und Pläne schmieden. Von da an geht’s bergab.

Schon bei den ersten Arbeiten am Haus zeigt sich, wie überfordert Hanna und Thomas mit ihrem Renovierungsprojekt sind. Mit dem reichhaltigen Material des Baumarktes werkeln sie an ihrer Beziehung ebenso inkompetent wie an ihrem Haus. Thomas ist ein großes Kind, das eins will: Veränderung und zwar schnell. Also muss in die Außenwand ein Loch für eine Tür geschlagen werden. Hannas praktische Fragen nach der Statik spielen für ihn keine Rolle. Hanna dagegen macht mit aufgesetzter Fröhlichkeit alles mit, aber unter der Oberfläche lauert die Angst. Sie will einen Plan, an dem sie sich orientieren kann und vor allem will sie mit Thomas alleine den Sommer verbringen.

Mit der Zeit zu zweit ist es vorbei, als Thomas Bruder Friedrich (André Hennicke) seinen Besuch ankündigt. Friedrich befindet sich in einer veritablen Lebenskrise: Seine Frau hat ihn verlassen, das Architekturbüro, in dem er arbeitete, ist pleite. Aus Ärger und wohl auch aus Verzweifelung über den ungenehmen Gast lädt Hanna daraufhin ihr Patenkind ein, die Teenagerin Augustine (Anna Brüggemann). Friedrich und Augustine werden ungewollt zum Brandbeschleuniger in der Beziehungsvorhölle.

Sein Figurenquartett hat Sebastian Schipper nur in groben Strichen gezeichnet. Man erfährt wenig über ihren Hintergrund. Zum Beispiel bleibt völlig unklar, was Hanna und Thomas eigentlich abseits der Hausbaustelle im "wirklichen Leben“ tun. Trotzdem oder gerade deswegen versteht der Zuschauer die Charaktere. Das ist die große Kunst des Drehbuchs, der Regie und der Schauspieler. Vor allem Milan Peschel und Marie Bäumer nutzen den Freiraum, den der Film bietet, um in Alltagsdialogen und improvisierten Szenen das auszudrücken, was die Schwierigkeiten des Zusammenlebens ausmacht. Die Unsicherheit, die Sprachlosigkeit, das Nichtverstehen des Anderen, die Enttäuschung und der verzweifelte Versuch es doch irgendwie zum Funktionieren zu bringen.

"Mitte Ende August“ findet eine Balance zwischen Depression und Witz und schafft so eine Tragikkomödie. Sebastian Schipper ist mit seinen skizzierten Figuren und der spartanischen, handlungsarmen Geschichte ein Risiko eingegangen: Der Film hätte in einer öden Versuchsanordnung enden können. Aber das Vorhaben funktioniert, weil die Schauspieler dieser Geschichte das Leben geben, was Beziehungsdramen so oft fehlt. Der großartige Soundtrack, den Vic Chestnut für diesen Film geschrieben hat – introvertierte, instrumentelle Gitarrenmusik und ein paar sehr schöne, sehr traurige Songs – ist unersetzlich, damit der Funke zum Kinopublikum überspringt.

„The Reader“ nach Bernhard Schlinks Weltbestseller „Der Vorleser“ ist kein Film über die Liebe, sondern ein Film über emotionale Abhängigkeit, persönliche Schuld und ihre Folgen. Die Sommeraffäre zwischen dem 15-jährigen Schüler Michael Berg (David Kross) und der 36-jährigen Straßenbahnschaffnerin Hanna Schmitz (Kate Winslet) mit ihrem bizarren Vorlese-Ritual beeinflusst das gesamte spätere Leben von Michael. Als er während seines Jurastudiums Mitte der 60er Jahre in einem Seminar die Auschwitz-Prozesse in Frankfurt verfolgt, erkennt er Hanna Schmitz als eine der Angeklagten. Die sechs KZ-Wärterinnen müssen sich für den Mord an 300 Menschen verantworten. Während der sogenannten „Todesmärsche“, mit denen Häftlinge vor allem ab April 1945 aus den Konzentrationslagern zu Sammelstellen getrieben wurden, schlossen die Wärterinnen die Häftlinge in einer Kirche ein und ließen sie nach einem Bombenangriff verbrennen.

Es geht in „The Reader“ eben nicht um ein „skandalöses“ Verhältnis zwischen einem Teenager und einer erwachsenen Frau. Das Mediengeschnatter um die Sexszenen kann man getrost vergessen. Das Ritual von Vorlesen und Sex ist vor allem ein Symbol für die emotionale Unreife beider Charaktere: Michael ist zu jung um zu lieben und Hanna Schmitz so emotional verkümmert, dass Vorlesen die eigentliche Form der Intimität für sie ist.

Der Film stellt interessante Fragen: Die nach Schuld und einer möglichen oder unmöglichen Sühne, nach dem Verhältnis von Verbrechen und Strafe und am wichtigsten nach dem Zusammengang zwischen Strafe, Gerechtigkeit und Moral. Wenn man den Film aus dieser Perspektive sieht, wird die Gerichtsverhandlung über die Schuld von Hanna Schmitz zum Kern des Films. Das härteste Urteil, das der Rechtsstaat kennt – lebenslänglich – trifft sie allein. Sie allein wird für den Mord an 300 Menschen schuldig gesprochen. Die fünf mitangeklagten Frauen erhalten wegen Beihilfe zum Mord in 300 Fällen ein Strafmaß von drei Jahren und vier Monaten, obwohl ihre Mittäterschaft logisch und moralisch unbestreitbar ist. Hanna Schmitz hat sich mit ihrem Schuldeingeständnis, das alle Angeklagten belastet, in eine Situation gebracht, die es allen anderen erlaubt die Schuld auf sie abzuwälzen. Die Gerichtsszenen mit Hanna Schmitz im Verhör, Burghard Klaußner bleibt einem in der kleinen Rolle des Richters lange in Erinnerung, und dem mit sich hadernden Michael auf den Zuschauerrängen, sind die stärksten des Films.

Michael Berg trägt sein Leben lang an einer emotionalen Schuld: Er hat während des Prozesses Informationen zurückgehalten, die seine ehemalige Geliebte entlasten hätten. Damit nimmt er in Kauf, dass sie allein für etwas bestraft wird, das sie nicht allein zu verantworten hat. Viel später (jetzt gespielt von Ralph Fiennes) als er wieder durch von ihm gelesene Hörbücher mit der Inhaftierten Kontakt aufnimmt, entzieht er sich immer noch jeder weiteren persönlichen Kommunikation durch Briefe. Schließlich ist er doch bereit, sie kurz vor ihrer Entlassung im Gefängnis zu besuchen und auch dazu, sie nach der Entlassung zu unterstützen. Nie ringt er sich zu einer eindeutigen Haltung zu Hanna Schmitz durch, weil er weder über ihre Taten noch über sein eigenes Verhalten während des Prozesses ein moralisches Urteil fällen kann. An dieser Unfähigkeit ist sein Leben gescheitert.

Stephen Daldry hat einen Film inszeniert, der voll auf emotionale Wucht setzt. Das ist bei einem solchen Thema eigentlich kein Kritikpunkt – wenn die ekelerregend kitschige Musik von Nico Muhly nicht wäre. Es ist nicht nachzuvollziehen, warum Daldry nicht allein seinen herausragenden Hauptdarstellern (Kross, Winslet, Fiennes) und den prägnanten Bildern der vielfach ausgezeichneten Kameramänner Roger Deakins (Dead Man Walking, A Beautiful Mind, No Country for Old Men) und Chris Menges (Oscar für Killing Fields und The Mission) vertraut, um die Emotionen des Filmstoffs zu transportieren. Ich biete dem Regisseur oder dem Verleih Senator Entertainment 1.000 Euro dafür, den Film ohne die grauenhafte Musik sehen zu dürfen.

„Short Cut to Hollywood“ ist ein echtes Überraschungs-Highlight der Berlinale. Jan Henrik Stahlberg hat nicht nur das geniale Drehbuch geschrieben, sondern spielt auch die Hauptrolle und führte gemeinsam mit Marcus Mittermeier Regie. Die Geschichte über drei Freunde, die aus ihrem tristen Alltag ausbrechen, um als Musik- und Medienstars in den USA Karriere zu machen, ist originell, skurril und zudem mit bizarrem Humor erzählt wie seit Jahren keine mehr in einem deutschen Film. Mehr vom Inhalt zu verraten, hieße den Spaß am Kinobesuch zu verderben. Das muss man gesehen haben: Auf der Berlinale läuft der Film noch am 12.2. im Zoo Plast, am 13.2. im Cinemaxx 7 und am 14.2. im International.

Sie sind golden, fluffig und vor allem zahlreich: Seltsame Puschel an vielen, vielen Masten rund um den Berlinale-Palast. Aber was sind sie? Übriggebliebene Weihnachtsdekoration, clevere Tarnung für Überwachungskameras oder war Jeff Koons auf Drogen? Viele Berlinalebesucher bleiben stehen und wundern sich, keiner weiß eine Antwort. Nur festivalblog kennt die Fakten.

Ein Anruf beim Team der Berlinale-Pressestelle brachte Licht ins Dunkel. „Nein, nein“, gibt ein Mitarbeiter freundlich Auskunft, „natürlich sind es keine Puschel.“ Es handele sich vielmehr um von einer internationalen Designagentur speziell gebrandete „Berlinale-Bommel“. Natürlich. Ich schäme mich ein wenig. Darauf hätte ich allein aus Gründen der alliterativen Anmut selbst kommen können. Vom „Be berlin“ zum „Be Berlinale-Bommel“ ist es nur ein kleiner Gedankensprung aber ein großer Satz des genialisch-stringenten Stadtmarketings. „Ohne Klarheit in der Sprache ist der Mensch ein Gartenzwerg“, wie schon Sven Regener so schön schrieb. Die Bommel symbolisieren, so der Pressestellen-Mitarbeiter weiter, die Kuscheligkeit mit der das freundliche Berlin die Gäste aus aller Welt empfängt und die Sonne, die bekanntlich auf der Berlinale immer scheint.

Zwei der mächtigsten Männer der Welt, Berlinale-Chef Dieter Kosslick und Papst Bendikt XVI., haben sich im Vorfeld des Festivals zum Essen getroffen. Der Gedanke an diesen Gipfel des obersten Hirten aller Filmgläubigen und des obersten Hirten aller Katholiken raubte mir heute morgen den Schlaf.

Um exakt 4:39 Uhr war es, als ich jäh aus dem Schlaf aufschreckte und erstaunt auf die Leuchtziffern meines Weckers blickte – im Kopf ein heller Geistesblitz: Unser Dieter und unser Benedetto waren zusammen essen. Ein guter Freund hatte mir von dem Treffen erzählt. Der Gedanke erschien mir völlig klar, real und logisch. Ich freute mich sehr, was mich weitere fünf Minuten Schlaf kostete. Dann wurde ich nachdenklich. Warum genau hatten sich die beiden eigentlich getroffen? Und wo? Und interessiert sich der Papst überhaupt fürs Kino?
Aber die Erinnerung war immer noch da: „Dieter Kosslick hat nach der Premiere von „Operation Walküre“ mit dem Papst gegessen“, so hatte es der immer überaus zuverlässige Freund berichtet. Hmmm. Äh... was? – Ach so. Moment mal. Tom Cruise, TOM CRUISE hat er gesagt. Und mein schabernackiges Unterbewusstsein hat Tom Cruise offensichtlich in Benedikt XVI. verwandelt. Wow! Ich begann mir leichte Sorgen um mein Unterbewusstsein zu machen. Andererseits warum eigentlich? Ich trat mein Unterbewusstsein kräftig in den Hintern und fiel stattdessen meinem überragenden Assoziationsvermögen beglückt um den Hals. Dann beschloss ich weiterzuschlafen. Schließlich war es erst 5:34 Uhr und heute geht die Berlinale los. Da muss man geistig wach sein.

Soziale Probleme weltweit nehmen die Filmemacher des "International Social Action Film Festival" am Sonnabend, 11. Oktober, in den Fokus ihrer Kameras. Das eintägige Festival beginnt um 13.45 in der "Humboldt Viadrina School of Governance" in der Wilhelmstraße 67. Kurze und mittellange Filme beschäftigen sich mit aktuellen Themen wie Menschenrechte, Gesundheit oder sozial verantwortungsbewusstes Unternehmertum. Es werden nicht nur Filme gezeigt: Mit Vertretern von Nichtregierungsorganisationen kann das Publikum auch die Gründe für soziale Probleme und Lösungsmöglichkeiten diskutieren.
Um 20 Uhr wird der vielfach ausgezeichnete, oscarnominierte Dokumentarfilm WarDance von Sean Fine und Andrea Nix Fine gezeigt, der 2007 auf dem Sundance Film Festival den Preis als bester Dokumentarfilm gewann. "WarDance" begleitet eine Gruppe von Schülern bei der Teilnahme am Nationalen Musikwettbewerbs in Uganda. Der ugandische Bügerkrieg hat das Leben dieser Kinder schwer gezeichnet, für sie ist ihre Performance mehr als nur ein Wettbewerb. Mehr Informationen zum Social Action Film Festival

In seinem jüngsten Film „Chien Fuck!“ seziert Carl Andersen gnadenlos und komisch – das ist etwas völlig anderes als gnadenlos-komisch – den emotionalen Tumult, dem sich Menschen durch den verzweifelten Versuch der Zweisamkeit aussetzen. Franz liebt Julie, Julie weiß nicht so genau, ob sie das auch tut. Darüber miteinander zu reden, ist für die beiden unmöglich – also tun sie es mit Freunden. Heraus kommt der ultimative Diskursfilm über das Leben, die Liebe und den Sex mit komischen und niederschmetternden Gesprächen über gescheiterte Beziehungen und darüber hinaus „echtem“ Sex. „Chien Fuck!“ läuft im Rahmen des Festivals „50 Jahre Anderground“ am Donnerstag, 17. Juli, und am Mittwoch, 23. Juli, jeweils um 22 Uhr in den Tilsiter Lichtspielen sowie am Montag, 28. Juli, im 22 Uhr in der Brotfabrik.

Zum Geburtstag: Frauen, Liebe, Sex und das Zwischenmenschliche

Beziehungen können nicht nur für Frauen eine Qual sein. Regisseur und Darsteller Carl Andersen in seinem Film "Vom Luxus der Liebe".

Wer sich an „50 Jahre Anderground“ heranwagt, wird feststellen, dass die Filmwelt, die Carl Andersen geschaffen hat, eine seltsame, oft irritierende aber in jedem Fall eine interessante ist. Kein Zuschauer sollte in die Sexfalle tappen. Sicher spielt Sex für Andersen eine wichtige Rolle (für wen nicht)? Die häufigen Sexszenen in seinen Filmen sind drastisch verfremdet oder gnadenlos realistisch, der Zuschauer weiß oft nicht, welche Variante ihn mehr verstört. Aber Andersen stellt immer die Fragen nach der Emotion dahinter. Liebe=Sex? Liebe≠Sex? Liebe mit Sex? Liebe ohne Sex? Ist Liebe möglich? Andersens fragt nach den Bedingungen für eine funktionierende Beziehung (Was sind das bloß für Menschen die Beziehungen haben, betrachten die sich denn als Staaten?) Er zeigt das Machtgefälle in Beziehungen mit unterschiedlichen filmischen Mitteln und aus unterschiedlichen Perspektiven. Das macht er sehr intelligent. Seine besten Filme sind die, in denen die Grenzen zwischen Realität, Fiktion und Dokumentation verschwimmen. Der Zuschauer ist dann mitten im Beziehungsgeflecht zwischen den Figuren und fragt sich: Was ist echt? Dieser Spannung kann man sich nicht entziehen.

„50 Jahre Anderground“ spannt den Bogen vom Filmdebut „Vampyros Sexos“ bis zu „Chien Fuck“. Es gibt viel Seltsames, Verwirrendes und Unterhaltsames aus dem Andersen-Kosmos zu entdecken. Außerdem bleibt die Hoffnung, dass dieses Festival dazu beiträgt, aus dem spannenden Rohschnitt von „Obsession: 25 Bilder pro Sekunde“ einen fertigen Andersen-Film werden zu lassen.

Carl Andersen auf MySpace

Aufzeichnungen eines Ausdelegierten

Das „achtung berlin“-Festival zeigt wie die vergangene Berlinale, dass die Realität oft spannender ist als die Fiktion und dass Dokumentarfilme Geschichten erzählen, die man einem Spielfilm kaum glauben würde. „Sportsfreund Lötzsch“ von Sandra Prechtel und Sascha Hilpert zeigt das Menschenverachtende des real-existierenden Sozialismus. Der Radsportler Wolfgang Lötzsch wird wegen seiner ideologischen Unzuverlässigkeit trotz seiner überragenden Leistungen aus dem DDR-Leistungssportsystem „ausdelegiert“ und von der Stasi überwacht. Lötzsch kämpft als Einzelner gegen das System, so sagt er es selbst im Film. Prechtel und Hilbert lassen in ihrem Film nicht nur Freunde und Radfahrerkollegen zu Wort kommen, sondern auch den Major der Staatssicherheit Heinrich Engelhardt, der die Überwachungsoperation „Speiche“ koordiniert hat. „Sportsfreund Lötzsch“ fokussiert auf einen Mann, der nur Sportler sein wollte und zum Rebell gemacht wurde. Der Erkenntnisgewinn durch den Film über das Zusammenwirken von Politik und Stasi im unermüdlichen Kampf gegen die Freiheit des Einzelnen ist enorm.

Wolfgang Lötzsch, Jahrgang 1952, war ein begnadetes Radfahrertalent. Die Eltern unterstützen ihn von Anfang an, auch das Fördersystem der Kinder- und Jugendsportschulen in der DDR erkannte die Veranlagung und nahm ihn mit zwölf Jahren auf. Von da an gewann Lötzsch für den Sportclub Karl-Marx-Stadt alles, was es zu gewinnen gab. Für die Olympiamannschaft von 1972 war er ein unumstrittener Kandidat und wurde nominiert, allerdings weigerte er sich wie von den Funktionären verlangt in die SED einzutreten. Im März 1972 wurde der SC Karl-Marx-Stadt vom DDR-Turn- und Sportbund aufgefordert, Lötzsch aus dem Verein auszuschließen. Auch eine Intervention des Radtrainers Werner Marschner blieb vergeblich.

Im Film liest Marschner aus seinem Brief vor, in dem er eine Garantie für Lötzsch ausspricht – „sollte Wolfgang Lötzsch jemals zum Republikverräter werden, will ich mit der ganzen Härte wegen Beihilfe zum Verrat gerichtet werden“ – heißt es da. Wenn man diese Formulierungen hört, weiß man schlagartig, worum es geht. Es geht nicht um eine Nominierung, sondern um die sportliche Existenz von Lötzsch. Marschners Intervention bleibt vergeblich. Lötzsch ist jetzt ausgeschlossen aus dem Leistungssport. Er wird Mitglied der Betriebssportgruppe Wismut Karl-Marx-Stadt, trainiert allein und bekommt keinerlei Unterstützung. Für ihn gibt es weder Profiräder noch Wintertrainingslager im Ausland und natürlich keine Teilnahme an internationalen Rennen wie der Friedensfahrt. Dafür lässt ihm die Staatssicherheit eine Rund-um-Bewachung angedeihen.

50 IM und ein Radfahrer

Das Talent von Lötzsch setzt sich allerdings auch trotz seiner Benachteiligung durch. Er wird 1973 und 1974 DDR-Bahnradmeister über 4.000 Meter, gewinnt 1974 den Klassiker „Rund um Berlin“ und zahlreiche weitere Rennen. Die Stasi sieht mit besonderem Misstrauen: Um Lötzsch entsteht eine Fangemeinde, die sogar zu den Rennen mitreist. Sein größter Triumph gelingt Lötzsch als er 1976 das Qualifikationsrennen für die olympischen Spiele in Montreal gegen die gesamte DDR-Radelite gewinnt. Nominiert wird er trotzdem nicht. Daraufhin stellt er einen Ausreiseantrag. Die Reaktion des Staates: Entzug der Fahrerlizenz und der Verlust des Studienplatzes. In Berlin nimmt Lötzsch Kontakt zur Ständigen Vertretung der BRD auf und trifft sich mit dem Journalisten Peter Pragal von der Süddeutschen Zeitung. Pragal berichtet im Filminterview: „Es war klar, dass mein Büro abgehört wurde. Aber er wollte mit seiner Geschichte an die Öffentlichkeit.“ Nach der Veröffentlichung in der SZ intensiviert die Stasi ihre Aktivitäten. Jetzt will der Inlandsgeheimdienst Lötzsch endgültig klarmachen, dass alle Hoffnungen auf eine Ausreise illusorisch sind. Lötzsch erhält einen gefälschten Brief mit einem Angebot aus dem Westen: Es gebe Interesse, ihn als Radfahrer in die Bundesrepublik zu holen. Lötzsch trifft sich mit einem Herrn Wegner in Berlin. Für 20.000 D-Mark könne man ihn mit einem gefälschten Pass in den Westen holen. 10.000 würden Wegners Geschäftspartner zahlen, den Rest müsse der Radfahrer selbst besorgen. „Das war’s dann natürlich“, erinnert Lötzsch sich, „woher sollte ich 10.000 D-Mark kriegen?“ Alle diese Maßnahmen bestätigt im Film der damalige Major des Staatssicherheit Heinz Engelhardt, der die Operation „Speiche“ leitete. Seine Auftritte sorgen für die spannendsten und ekelhaftesten Momente in dem Film. Ein schlechtes Gewissen liegt Engelhardt fern. Alles sei im Interesse der DDR geschehen. Lötzsch hätte seinen Weg ja nicht wählen müssen.

Eine Zukunft auf der anderen Seite der Mauer ist also verbaut. Doch der Dezember 1976 bringt eine persönliche Katastrophe: Lötzsch soll wegen angeblicher Ruhestörung bei einer Party fünf Mark Strafe zahlen. Er weigert sich und redet sich gegenüber dem Volkspolizisten in Rage, flucht über den „Scheißstaat“ und sagt, dass „Biermann Recht hat“. In der DDR reicht das für 10 Monate Haft wegen „staatsverleumdender Äußerungen“. Wenn Lötzsch im über seine Haft spricht, ist es mit seiner Beherrschung fast vorbei. Er sagt nur wenige Worte, aber man spürt, wie ihm die Ungerechtigkeit und das Verdammtsein zum Nichtstun zugesetzt haben. Nach der Haftentlassung arrangiert sich Lötzsch nach einiger Zeit mit den Behörden, tritt in die Partei ein und darf ab 1979 auch wieder Rennen fahren. 1983 gewinnt er zum zweiten Mal „Rund um Berlin“, 1985 unterbietet er zweimal die WM-Norm in 4000m-Einzelverfolgung. Lötzsch: „Ich hab mir gesagt, immer nur Konflikt kann es auch nicht sein. Mann will ja auch leben“. Major Engelhardt bemerkt dazu ohne jede Ironie: „Ich hatte Respekt davor, wie Lötzsch sich in der Haft fit gehalten hat“, außerdem habe man ihm nach der Haft geholfen „fast schon wie bei einer Therapie“.

Jeder nach seiner Fähigkeiten...

Mehr als 70 Filme laufen vom 16. bis 22. April auf dem Filmfestival „achtung berlin – new berlin film award“ im Babylon Mitte. Im Filmwettbewerb „Made in Berlin-Brandenburg“ treten 36 Filme an, die von einer Berlin-Brandenburger Produktionsfirma realisiert wurden oder sich mit Berlin beschäftigen. Den „new berlin film award“ erhalten die Gewinner in den Kategorien Spielfilm, Dokumentarfilm, Mittellanger Film und Kurzfilm. Ausgezeichnet wird außerdem die beste Kamera und der beste Schnitt. Weitere Festivalsektionen sind Berlin-Brandenburg spezial und HeimatDokumente. Die Retrospektive trägt den Titel „B wie Berlin“, zu sehen sind Kurzfilme aus 60 Jahren Berlinwerbung. Für Kinder und Jugendliche gibt es am Sonnabend- und Sonntagnachmittag ein Kurzfilmprogramm.

Drei Berlinalebeiträge aus den Jahren 2007 und 2008 wurden in dieser Woche für den Deutschen Filmpreis "Lola" nominiert. "Prinzessinnenbad" von Bettina Blümner, der 2007 in der Perspektive Deutsches Kino lief, hat in der Kategorie Bester Dokumentarfilm eine Chance auf die "Lola". Viermal nominierte die Deutsche Filmakademie "Yella" von Christian Petzold aus dem Wettbewerb 2007: In den Kategorien Bester Film und Beste Regie, Beste Hauptdarstellerin (Nina Hoss) und Beste Kamera (Hans Fromm). "Kirschblüten" von Doris Dörrie, gezeigt im Wettbewerb 2008, wurde in sechs Kategorien berücksichtigt, darunter Bester Film und Beste Regie. Außerdem erhielten die beiden Hauptdarsteller Hannelore Elsner und Elmar Wepper Nominierungen. Doris Dörrie kann sich außerdem Hoffnung auf den Filmpreis für ihr Drehbuch machen und Sabine Greunig tritt in der Kategorie Bestes Kostümbild an.

(Foto: Spirit Filmverleih)

Der Episodenfilm „Die Österreichische Methode“ lief bereits bei den Hofer Filmtagen 2006 und auf verschiedenen anderen Festivals. Jetzt kommt er auch in die Kinos (Starttermin: 20. April 2008). Im Mittelpunkt jeder der fünf Episoden stehen junge Frauen in extremen Beziehungssituationen. Der Film ist ein gemeinsames Projekt von fünf Absolventen der Kölner Filmhochschule Florian Mischa Böder, Peter Bösenberg, Gerrit Lukas, Erica von Moeller und Alexander Tavoli.

„Die Österreichische Methode“ ist ein formales und inhaltliches Wagnis - der Film zeigt 24 extreme Stunden im Leben der Protagonistinnen. In Summe ergibt das fünf Geschichten, in denen Existenzielles auf dem Spiel steht: Clara (Cathérine Seifert) hat einen Gehirntumor und will ihr Leben beenden. Julia (Maja Beckmann) studiert Medizin und besorgt Clara Medikamente für den geplanten Selbstmord. Die Begegnung mit Clara stürzt Julia in so starke Selbstzweifel über ihr oberflächliches Leben, dass sie beschließt, sich selbst umzubringen. Claras Pläne aber werden durch die aufkeimende Liebe zu Wolfgang (Carlo Ljubek) in Frage gestellt.

Die Sängerin Maleen (Lilia Lehner) leidet an der eingefahrenen Beziehung mit ihrem narzisstischen Pianisten Sascha (Arno Frisch). Eva (Susanne Buchenberger) ist die Geliebte ihres Psychologen Roman (Michael Abendroth). Bei einem gemeinsamen Abendessen mit seiner Ehefrau Carmen (Susanne Lothar) soll das Ende der Therapie gefeiert werden. Mona (Julie Bräuning) und Hans (Johann von Bülow) sind in einer Beziehung des Wahnsinns gefangen, in wahrsten Sinne des Wortes: Hans hat die junge Frau an sein Bett in einem entlegenen, halbverfallenen Bauernhof gekettet.

Die Welt, die die Geschichten beschreiben, ist eine düstere. Von der Liebe zum Tod ist es nur ein kleiner Schritt. Das zu zeigen ist die Ambition der fünf Regisseure. Daran scheitert der Film. Das Hauptproblem der „Österreichischen Methode“ ist es, dass die fünf Episoden in ihrer filmischen Qualität zu unterschiedlich sind. Erica von Moeller gelingt mit ihrer Episode über die existenzielle Not der todkranken Clara eine bewegende Geschichte, die von den beiden Hauptdarstellern Cathérine Seifert und Carlo Ljubek mit großer emotionaler Tiefe gespielt wird.
Diese Episode um eine Frau, die nach ihrem Entschluss zum Selbstmord auf einmal wieder die Hoffnung entdeckt, bleibt im Gedächtnis haften und hätte einen ganzen Filmabend verdient.

An dieses Niveau reichen die anderen Episoden nie heran. Den anderen Regisseuren gelingen einige starke Szenen aber keine stimmigen Geschichten. Die Stories über Julia, die sich zum Nachweis der eigenen seelischen Abgründe zum Selbstmord entschließt oder über das Amour-Fou-Pärchen Mona und Hans sind eher ärgerlich als berührend. Der Zuschauer steht vor dem Dilemma eines sehr unrunden Filmabends, der sich dennoch lohnt: Wegen der spannenden und aufwühlenden Minuten, die Erica von Moeller mit ihrer Episode in Szene setzt.

Aufzeichnungen über Unsichtbare

Die drei Hauptfiguren driften rund um den Bahnhof Zoo. Aileen schminkt sich auf dem Bürgersteig. Angel, der sich als altkluger Veteran des Drogenstrichs inszeniert, putzt für ein bisschen Geld einen Toilettencontainer der Drogenhilfe und Daniel versucht rauszufinden, wo er jetzt am besten anschaffen kann, um an Geld zu kommen. Die Kamera ist immer ganz dicht dabei. So muss der Zuschauer am Unort „Bahnhof Zoo“ bleiben, den er als „Normalmensch“ nur noch als Transitraum für Ankunft und Abfahrt von S-Bahnen kennt. Schnell wird deutlich, dass der scheinbar ziellose Alltag durch gnadenlose Zwänge strukturiert ist: Durch Anschaffen Geld besorgen, Drogen kaufen, einen Schuss setzen und einen sicheren Platz für die Nacht finden. Darum geht es - jeden Tag wieder aufs Neue.

Ãœberlebensnotwendigkeiten: Klamotten, Gel, Deo

Daniel ist in Aileen verliebt. Wenn sie beide einen Platz im Nachtasyl bekommen haben, macht er sich sorgen, dass sie nicht genug isst und kocht für sie. Er massiert sie gegen ihre Rückenschmerzen, deckt sie zu gibt ihr einen Gute-Nacht-Kuss. Aileen selbst hat die größten Probleme: Sie kann kaum noch Geld verdienen. „So Scheiße wie ich im Moment aussehe, würde ich mich auch nicht mitnehmen“, sagt sie sarkastisch. Außerdem geht es ihr körperlich immer schlechter. Die Kamera begleitet Aileen zum ärztlichen Sozialdienst: Die Ärztin versucht Blut abzunehmen. Das ist eine Tortur - für Aileen und die Zuschauer. „Nicht aus meinem Ballerarm“, bittet die Sechzehnjährige. Aber die Ärztin kann überhaupt keine Vene mehr finden, die nicht schon völlig vernarbt ist. Wie lange sie sich das mit dem Heroin noch antun wolle, fragt die Ärztin. Kraftlos erzählt Aileen von ihrem abgebrochenen Entzug.

Sebastian Heidinger gelingt es, die gewöhnliche und die ungewöhnliche Seite des Lebens von Aileen, Angel und Daniel einzufangen. Das schafft er, weil er gemeinsam mit seinem Team sorgfältig und vor allem einfühlsam gearbeitet hat. In den Monaten der Vorrecherche haben die Filmemacher mit einem VW-Bus in der Nähe des Zoos gestanden und den Obdachlosen dort Essen und Getränke angeboten. Von Anfang an haben sie dabei offen darüber gesprochen, dass sie Interessierte für einen Dokumentarfilm suchen und nicht etwa karitativ arbeiten: Diese Ehrlichkeit und die zeitintensive Arbeit zum Aufbau von Vertrauen wird von den drei Hauptmitwirkenden und vielen anderen mit Offenheit belohnt.

Leben mit einem lebensgefährlichen Problem

Diese Reduktion auf das Wesentliche macht den Film so überzeugend: Es geht nicht um Erklärungen, warum diese Jugendlichen Drogen nehmen. „Drifter“ verzichtet auf anmaßend psychologisierende Nachforschungen in den einzelnen Biographien ebenso wie auf die Diskussion von zukünftigen Lebensentwürfen. Der Film handelt von der Gegenwart, denn sie ist, was zählt. Der Film heischt nicht nach Mitleid, er dramatisiert oder bagatellisiert nicht. Viele Szenen, die die Normalität und Selbstzerstörung im Abstand von nur wenigen Sekunden zeigen, bleiben haften. So wie diese: Angel kocht für jemand, bei dem er schläft. Er kann das gut. Es gibt keinen Fertigfrass. Er paniert ein Schnitzel und brät es. Weichgeklopft hat er es mit einer Wodkaflasche.

zum Interview mit Regisseur Sebastian Heidinger

„Drifter“ läuft in der Perspektive Deutsches Kino am Sonnabend, 16. Februar, um 21:30 Uhr im Cinemaxx 3 und am Sonntag, 17. Februar, um 13 Uhr im Colosseum.

Aufgepasst und mitgedacht!

Myriam führt mit ihrem Mann Bernd eine perfekte Ehe. Die beiden leben in einem erzkatholischen Kaff in Nordrheinwestfalen an der holländischen Grenze. Myriam arbeitet in der Gemeindebibliothek, Bernd macht Karriere als junger Bürgermeister. Als Myriam ihrem Mann das vergessene Handy bringen will und ihm im Auto nachfährt, entdeckt sie, dass er über die Grenze und in ein Bordell fährt. Die junge Frau ist am Boden zerstört. Doch es kommt nicht zu einem Wutausbruch. Sie beschließt, Bernd verstehen zu lernen. Da kommt das zufällige Wiedersehen mit der ehemaligen Schulfreundin Sylvia genau richtig. Sylvia hat früher als Prostituierte gearbeitet und verdient ihr Geld jetzt mit Live-Sexshows, die sie mit der Webcam im eigenen Wohnzimmer aufnimmt. So eine Session, eine Art Telefonsex mit Bild, wird zur ersten Begegnung Myriams mit bezahltem Sex. Doch Myriam treibt ihr Studium der käuflichen Geschlechtlichkeit weiter: Sylvia arbeitet in einem Bordell im Industriegebiet an der Bar. Wild entschlossen mehr über die männliche Lust im Rotlichtmilieu zu erfahren, heuert auch Myriam als Bardame an. Das Etablissement ist für weitergehende Studien bestens geeignet: Myriam bedient auch in den Separées und beobachtet wie der Filmzuschauer, der die ganze Szenerie aus ihrer Perspektive sieht, lesbischen Sex, Oralsex usw.

Folgen Sie mir noch? Gut. Nun zündet der Film die nächste Raketenstufe zum Verlassen des uns bekannten Plausibilitätsuniversums:

Die Versuchung ist ein teuflisch' Ding

Sie sind verblüfft, geradezu perplex? Sie fragen sich, wie diese Geschichte als Film funktionieren soll? Herzlichen Glückwunsch! Denksportaufgabe gelöst: Was braucht ein guter Film? Eine glaubwürdige Geschichte.

„Die Dinge zwischen uns“ hat ein ernsthaftes Problem, die jeden Film zum Scheitern bringt: Der Zuschauer glaubt diese Geschichte keine fünf Minuten. Ein Plot mit einer überraschenden Wendung ist eigentlich etwas Gutes und kann einen Film interessant und spannend machen. Das geht aber nur, wenn man einer Figur einen ungewöhnlichen Entschluss auch abnimmt. Wenn Myriam einen radikalen Weg geht, um Defiziten in ihrer Ehe auf die Spur zu kommen, muss der Zuschauer, das auch nachvollziehen können. Doch die Motivation dieser Frau bleibt unklar. Der Wunsch, den eigenen Mann durch ihre absurden Recherchen verstehen zu wollen, sind vielleicht im ersten Moment durch Panik oder Angst vor der Konfrontation zu erklären. Das trägt aber nicht soweit, dass die folgenden Handlungen glaubwürdig werden, in denen Myriam ihr ganzes Leben auf den Kopf stellt. Die Figur wird so der Lächerlichkeit preisgegeben, die die Kinozuschauer aber eher verzweifeln lässt, weil der Film sich offensichtlich ernsthaft mit einem Beziehungsthema beschäftigen und keine Satire sein will. Das Scheitern liegt vor allem darin, dass der Film über „die Dinge zwischen uns“, also zwischen Frau und Mann, nichts Realistisches erzählt. Frau und Mann werden eher denunziert.

Auch die Subplots, die sich Regisseurin und Drehbuchautorin Iris Janssen ausgedacht hat, helfen nicht weiter: Dass die Freundin Sylvia alleinerziehende Mutter ist, die unter der Unvereinbarkeit ihres Jobs und den Bedürfnissen ihres Kindes leidet, hätte interessant sein können, wenn man eine Entwicklung erkennen könnte, die nicht lediglich in einem plötzlichen Entschluss mündet, trotz finanzieller Not den Job hinzuwerfen. Auch der Selbstmord eines gemeinsamen Freundes des Ehepaars bleibt nichts weiter als eine bemühte Wendung, damit Myriam und Bernd wieder eine Gemeinsamkeit entdecken. Die führt schließlich dazu, dass sie am Ende im Industriegebiet unweit des Bordells stehen - eine arg symbolische Bauruine im Hintergrund - und vielleicht anfangen endlich miteinander zu reden.

Eine Idee macht keinen Film

Subversion und Waldidylle

Unter der idyllischen Oberfläche lauert die Verstörung: Der Bürgermeister sitzt in Unterwäsche im Schlafzimmer und knallt mit der Peitsche, zwei zwielichtige Polizisten hetzen nachts im Auto einen Mann und sitzen tagsüber im Büro, warten auf Anrufe und kreuzen dann ein Gesicht auf den Fahndungspostern auf der Wand durch. Alle Einwohner holen sich bunte Pillen aus der Apotheke, die sie gierig in großen Mengen in sich hinein stopfen. Der junge Lehrer, der neu ins Dorf kommt, bringt den Kindern Verben näher: „Die Vögel fliegen, die Blumen blühen, die Regierung regiert, das Gewehr schießt“, skandiert die Klasse im Chor.

Regisseur Uwe Brandner sagte vor der Aufführung in der Berlinale Special-Reihe Aufbruch der Filmemacher: „Ich wollte etwas zeigen über Ordnung und Rebellion mit schönen Bildern“. Dem Zuschauer bietet er eine Folge von lose verbundenen, oft sehr kurzen Szenen, aus denen sich langsam eine Geschichte herausschält. Das ist manchmal verwirrend aber immer spannend. Teile eines Puzzles fügen sich skizzenhaft zusammen: Das Dorf ist auf das Wohlwollen „der Herren“ angewiesen, die einmal im Jahr eine große Jagd veranstalten. Deshalb sind der Jäger und auch der Lehrer, die inzwischen ein geheimes Liebespaar sind, immer auf der Jagd nach herrenlosen Hunden und wildernden Wölfen im Wald. Große Aufregung herrscht in der Gemeinde, als ein unbekannter zweibeiniger Wilderer Rehe zu schießen beginnt. Das wird den Zorn „der Herren“ erregen.

„Die Herren“ kommen schließlich mit Hubschraubern. Man sieht sie nicht, hört nur ein Schussinferno aus dem sonst so stillen Wald. So plötzlich wie sie gekommen sind, verschwinden "die Herren" auch wieder in die Ferne. Doch Brandner steuert den Film auf einen tötlichen Höhepunkt zu: Der Jäger hat seinen Freund den Lehrer als Wilderer entlarvt und führt ihn ins Dorf. Der Schuldige stirbt im Kugelhagel der Polizisten, es werden keine Fragen gestellt. Dann lädt der Jäger durch und erschießt die Uniformierten. Brandner hat die Subversion in einer latent gewalttätigen Gesellschaft auf die Spitze getrieben.

Jesus was a Crowd Surfer

Organisiert wurde dieses Mega-Missionsevent von der Organisation Youth with a Mission und ihrer deutschen Sektion in Hurlach. Tilman Pforr ist einer der YWAM-Mitglieder. „Jesus liebt dich“ folgt Pforr, dem amerikanischen Prediger der 411-Church Scott Rourk und seinem New Yorker Neu-Konvertiten Cody Mui sowie dem Sambier Gershom Sikaala in ihren Bemühungen, die fußballverrückten dieser Erde bei der WM auf den Weg der Tugend zu bringen. Bei dieser Missionierung ist die Kamera nah dabei. Die Evangelikalen haben es nicht einfach und das liegt nicht in erster Linie an der Sprachbarriere. Schnell wird klar: Dem gemeinen Fußballfan fehlt es am Sinn für die Religion, es sei denn, Jesus kann dafür sorgen, dass der Ball ins Tor geht. Ein großartiger Dialog von Pforr mit einem Jugendlichen im Trikot der Klinsi-Elf vor einer Großleinwand in Nürnberg geht so: „Unser Gespräch war noch gar nicht zu Ende, darf ich für Dich beten?“ – „Aber erst nach der Nationalhymne.“

Es sind nicht nur die Fans, auch bei anderen Deutschen und Europäern stoßen die Evangelikalen auf wenig Verständnis. Besonders die Amerikaner sind auf die kulturelle Inkompatibilität eines amerikanisch geprägten Sendungsbewusstsein und der europäischen Zurückhaltung in religiösen Dingen wenig vorbereitet. Als sie Gratisbibeln verteilen (die haben sie zuvor skurriler Weise bei messianischen Juden in Potsdam abgeholt), stellen sie frustriert fest, dass viele der Bücher von den Passanten im nächsten Papierkorb entsorgt werden.

Es ist die Stärke des gemeinsamen Filmprojekts des Regieteams Lilian Franck, Matthias Luthardt, Michaela Kirst und Robert Cibis, dass sie nicht der Versuchung nachgeben, bei einer Aneinanderreihung von kuriosen Szenen stehen zu bleiben. Wenn sie Tilman Pforr bei der Auftaktveranstaltung von Youth with a Mission in Hurlach zeigen, wird auch in Ansätzen deutlich, wie diese Bewegung funktioniert und warum sie abseits der WM erfolgreich ist: Im tiefsten Oberbayern predigt Pforr im Stil eines TV-Evangelisten vor mehreren hundert Jugendlichen zu lauter Musik, bis diese vor religiöser Inbrunst völlig aus dem Häuschen sind. Danach wird bereitwillig gespendet. Schließlich tanzen sie christlich Pogo inklusive Crowd Surfing. Bei einer Veranstaltung in der Kirche am Südstern in Kreuzberg predigt der Ex-Fußballer Paulo Sergio. Hinterher werden drei deutsche Jugendliche, die sich spontan entschieden haben der Bewegung beizutreten, „in der neuen Familie“ begrüßt. Gefragt wie es war, kann ein Mädchen kaum Auskunft geben: „Es ging wie von alleine, ich dachte, ich muss jetzt nach vorne gehen“, dann schluchzt sie, „überall kribbeln“. Ein Junge im Heavy Metal T-shirt sagt zaghaft: „War halt schon ein bisschen anders als sonst immer.“

Diese kurzen Szenen erklären wesentliche Punkte im Vorgehen der Evangelikalen: Sie schaffen eine unkonventionelle Umgebung, in der sich Jugendliche wohlfühlen, bieten konkrete Projekte an, bei denen jeder mitarbeiten kann und sie setzen vor allem auf Emotionen. Dass sie dabei eine Art emotionale Überrumplungstaktik anwenden, ist ein großes Problem. Wer das mit Recht kritisiert, muss auch darüber nachdenken, warum Sinnverlust und emotionale Defizite, die offensichtlich vorhanden sind, sowenig von anderen Organisationen für Angebote genutzt werden – seien es Kirchen, NGOs, Vereine etc.

„Jesus liebt dich“ ist ein spannender Film. Auch deswegen, weil das Regieteam die Evangelikalen nicht von vorneherein zu Radikalen erklärt. Pforr und die anderen Protagonisten lassen sich eben nicht so leicht mit einigen extrem reaktionären evangelikalen Kirchen in den USA in einen Topf werfen. Das Regieteam nimmt eine kritische Perspektive ein, ohne in Bausch und Bogen zu verurteilen. Der Zuschauer ist aufgefordert, sich seine eigenen Gedanken zu machen. Gedankenfutter bietet die exzellente Website zum Film mit Infos, ausführlichen Ausschnitten und Hintergrundmaterial zum Filmthema.

"They fuck with your mind"

Die Aussagen der ehemaligen Soldaten sind in ihrem grausamen Detailreichtum oft schwer zu ertragen. An den Gesichtern der Männer am Mikrophon kann man ablesen, welche Emotionen die geschilderten Ereignisse bei ihnen auslösen. Schnell wird klar, dass die Dehumanisierung des Feindes der Schlüssel für den grausamen Umgang mit Zivilisten und Soldaten war. Ein Veteran sagt, dass das ein Hauptpunkt in der Ausbildung der Marines gewesen sein. Die Botschaft: Vietnamesen sind keine Menschen. Am letzten Tag der Ausbildung sei folgendes passiert: Ein Ausbilder habe ein junges Kaninchen mitgebracht und mit ihm gespielt und es gestreichelt. Dann habe er ihm plötzlich den Bauch aufgeschlitzt, die Eingeweide herausgerissen und diese unter die jungen Soldaten geworfen. „They fuck with your mind“, fasst er leise mit leerem Blick zusammen.

Berichtet wird darüber, wie Gefangene fast routinemäßig in der Luft Transporthubschraubern geworfen wurden. Diese Praxis sei nie angeordnet aber geduldet worden. Dazu gab es die Anweisung die Gefangenen nie vor dem Abflug, sondern immer erst nach der Landung zu zählen, da man sonst nie wisse, ob die Zahlen übereinstimmen. Im Guerillakrieg wurde jeder Vietnamese zum Feind. Jeder tote Vietnamese wurde automatisch zum Vietcong erklärt, so dass die Unterscheidung zwischen getöteten feindlichen Soldaten und Zivilisten zur reinen Fiktion wurden.

Der Film legt offen, wie demoralisiert die Veteranen bereits im Einsatz waren. In dem schwierigen Gelände waren besonders die Infanterie oft desorientiert und ständigen Angriffen aus dem Hinterhalt ausgesetzt, die Kommunikation funktionierte nicht, es gab zahllose sinnlose Einsätze für nutzlose Geländegewinne. Also vertrauten die U.S.-Truppen auf ihre überlegene Luftwaffe. Die Aufnahmen der Kämpfe zeigen die Flächenbombardements und vor allem die Angriffe aus den helicopter gunships, mit ihrer Raketen- und Granatwerferbewaffnung und mehreren bemannten Maschinengewehren. Gerade mit den Maschinengewehren wurden auch Flüchtende aus der Luft beschossen. Die Soldaten am Boden rückten nach. Ihre Aufgabe bestand darin, versteckte Guerillakämpfer aufzuspüren und Dörfer niederzubrennen, um den Vietcong-Truppen Unterschlupf- und Verpflegungsmöglichkeiten zu nehmen.

Die Teilnehmer der Hearings schildern, wie dabei auch Alte, Frauen und Kinder Opfer wurden, ungeschützte Dörfer aus der Luft angegriffen und Verletzte getötet wurden. Schließlich kam es zu einem Wettkampf der Truppenteile, möglichst viele vermeintliche Vietcong zu töten. Zum Beweis schnitten Soldaten den Leichen ein Ohr ab. „I turned into an animal. I don’t want to be an animal anymore”, sagt einer. Darum geht es bei den Anhörungen. Die Veterans Against the War haben nur ein Ziel: Der Krieg soll beendet werden. Deswegen wollen sie die Öffentlichkeit informieren, um den öffentlichen Druck auf die Mitglieder des U.S.-Congress zu erhöhen. Die Winter Soldier Hearings mit dem Mut auch über eigene Verfehlungen zu sprechen, waren ein erster Schritt zu den Anhörungen vor dem U.S.-Senat im April 1971. Der frühzeitige Rückzug der Truppen blieb eine Hoffnung, Am 30. April 1975 fiel Saigon. Erst die militärische Niederlage beendete den Krieg.

„Winter Soldier“ verkündet seine Botschaft gegen den Krieg mit einem Minimum an Inszenierung und ist gerade deshalb so effektiv. Es zählt das gesprochene Wort. Er ist als Beitrag der exzellenten Reihe „War at Home“ in der Sektion Berlinale Special ein wirkungsvolles Gegengift gegen die optisch aufgeblasene, misslungene Pseudodokumentation „Standard Operating Procedure“.

Wo bleibt die Menschenwürde im Krieg und auf der Leinwand?

Die Verhältnisse im amerikanischen Militärgefängnis von Abu Ghraib wurden am 28. April 2004 zu einem öffentlichen Skandal, als von Soldaten aufgenommene Fotos von Misshandlungen im U.S.-Nachrichtenmagazin 60 Minutes gezeigt wurden. Am 10. Mai veröffentlichte Seymour M. Hersh in der Zeitschrift New Yorker einen Artikel, der die Taten detailliert darstellte. Hersh zog sein Wissen unter anderem aus einen 53seitigen internen Bericht der U.S.-Armee zu den Vorgängen in dem Militärgefängnis. Der Bericht befasst sich insbesondere mit Ereignissen, die von Oktober bis Dezember 2003 stattfanden, es werden mehrere „sadistische, eklatante und mutwillige kriminelle Misshandlungen“ festgestellt, darunter Vergewaltigung eines männlichen Gefangenen durch anale Penetration mit Gegenständen, das Hetzen von Hunden auf einen Gefangenen, wobei es zu Bisswunden kam, das nackte Vorführen von Gefangenen, das Schlagen von Gefangenen. Täter waren sowohl Soldaten der U.S.-Militärpolizei als auch Angehörige anderer U.S.-Militärorganisationen. Mehrere Soldaten dokumentierten diese Taten mit Digitalkameras.

Die Geschichte hinter den Bildern

Dabei lässt er einige Täter ausführlich in Interviews zu Wort kommen – unter anderem die Angehörigen der Militärpolizei Javal Davis, Lynndie England und Sabrina Harman und Angehörige des Militärgeheimdienstes. Ergänzt wird dies durch Aussagen eines Ermittlers der Armee, der die Bilder detailliert auswertete und vor allem die zeitliche Abfolge der Aufnahmen genau nachverfolgte. Wenn die Täter die allgemeine Situation in Abu Ghraib beschreiben, wird sichtbar, wie überfordert sie mit den Zuständen in dem Militärgefängnis waren, das regelmäßig von irakischen Aufständischen beschossen wurde. Die Militärpolizisten, die zu Aussagen bereit waren, waren im Jahr 2003 ohne Ausnahme Anfang oder Mitte zwanzig. Gleichzeitig wird deutlich und nachvollziehbar, wie in einer militärischen Organisation – im Nebeneinander von regulärer Armee und Geheimdienstorganisationen, deren Auftrag, Befehlsgewalt und Verantwortlichkeit keiner der regulären Soldaten kennt - ein Netz aus persönlichen und hierarchiebedingten Abhängigkeiten entsteht, in der schließlich alle internen Kontrollmechanismen, der gesunde Menschenverstand und der moralische Anstand außer Kraft gesetzt werden. Dies zu zeigen ist der eine große Verdienst von Errol Morris’ Film.

„Standard Operating Procedure“ wird an dem Punkt zu einem dokumentarisch fragwürdigen Unterfangen, an dem er auf eine dramatisierende Rekonstruktion der Ereignisse setzt. Die bekannten Bilder der Misshandlungen werden zum Teil in Filmszenen umgesetzt, die auch das davor und danach zeigen. Zu dieser Art der Umsetzung gehören ein opulenter Soundtrack, der in Verbindung mit dem Gezeigten eine ästhetische Monstrosität ist und Bilder, die eben dem Genre Horrorfilm entlehnt sind. Ein blutender Mann wird aus der Zelle geschleift, eine Leiche in Eis gepackt, ein Hund fletscht die Zähne und bellt dem Zuschauer überlebensgroß direkt ins Gesicht. Er wolle den Albtraum Abu Ghraib auch für den Zuschauer erfahrbar machen, sagte der Regisseur nach dem Film. Das ist ein beängstigendes Statement. Zeugt es von Naivität oder von Größenwahn?

Auf jeden Fall ist es dem investigativen und dokumentarischen Anspruch und den Sachverhalten unangemessen aber vor allem – und das ist das wichtigste – lässt es den Gesichtspunkt der Würde der Opfer außer acht. Wer das Leid in Filmszenen dramatisiert oder Originalfotos in maximaler Vergrößerung immer wieder auf die Leinwand wirft, auf denen die Genitalien und die Gesichter von angeketteten Menschen zu sehen sind oder Menschen sexuell entwürdigt werden, der ist als Anprangerer von Verletzungen der Menschenwürde absolut unglaubwürdig. Dabei spielt es überhaupt keine Rolle, dass diese Fotos schon öffentlich bekannt sind. Durch die Darstellung auf der Leinwand un den ästhetischen Kontext von Sound und Effekten erhalten sie eine neue, grausame Qualität.

Die Ethik des Filmens

Sebastian Heidinger ist Regisseur der Dokumentation „Drifter“ (Kamera: Henner Besuch). Der Film zeigt das Leben dreier Jugendlicher in der Drogenszene am Berliner „Bahnhof Zoo“. Heidinger studierte Film- und Fernsehregie an der Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin. Der 29-jährige ist Gesellschafter der „Boekamp und Freunde Filmproduktion“. festivalblog.com sprach mit ihm über seinen Film „Drifter“, der am Sonnabend, 16. Februar, um 21:30 Uhr im Cinemaxx 3 und am Sonntag, 17. Februar, um 13 Uhr im Colosseum in der Sektion Perspektive Deutsches Kino gezeigt wird.

Warum hast Du das Thema gewählt und war es Dir von Anfang an klar, dass Du den Film in Berlin machen wolltest?

Es war klar, dass wir den Film in Berlin machen wollten, aber nicht dass es konkret um Junkies oder Stricher gehen sollte. Die Prämisse war relativ vage: Wir wollten einen Film über obdachlose Jugendliche in Berlin machen. Wir wollten nicht Punks oder Jugendliche portraitieren, die ihre Opposition so offen zeigen. Wir wollten Jugendliche finden, die quasi unsichtbar sind und in unserem Alltag nicht auffallen. Meiner Ansicht nach ist es heute für Menschen am Rand der Gesellschaft viel leichter, oberflächlich dazuzugehören. Man kann sich Markenklamotten anziehen oder besitzt ein Handy, doch die innerliche Entfremdung ist trotz dieser äußerlichen Annäherung viel stärker geworden. Es sind also unsichtbare Randgestalten unserer Gesellschaft.
Wir hatten dann eine sehr lange Vorlaufzeit und haben an verschiedenen Orten versucht, mit diesen Jugendlichen in Kontakt zu kommen, teilweise auch über Sozialarbeiter und Hilfsorganisationen. Die spannendsten Leute haben wir dann am Zoo gefunden. Es war nicht überraschend, dass auch Drogen eine Rolle spielten. Eine Droge wie Heroin erschwert die Arbeit aus filmischer Sicht, weil der Konsum natürlich sehr mit Stereotypen besetzt ist und alles andere sehr schnell Gefahr läuft in den Hintergrund zu rücken. Das gleiche galt auch für den Ort „Bahnhof Zoo“ und den Mythos, der damit verbunden ist.

Du meinst ein Vorurteil nach der Art, da will jemand „Christiane F.“ für das 21. Jahrhundert machen?

Eine Neuauflage dieses Themas hat mich anfangs nicht interessiert, sondern eher gestört, auch weil die Jugendlichen mit denen wir gesprochen haben, diesen Mythos kannten und ihn auch bedienen konnten. Sie wollten die „neuen Kinder vom Bahnhof Zoo“ darstellen. Im Lauf der Zeit haben sie dann gemerkt, dass uns diese Allüren nicht unbedingt interessieren. Während des Arbeitsprozesses haben wir dann gelernt, den zugrunde liegenden Mythos als Chance zu begreifen. Man konnte sich an etwas reiben, mit Klischees und dem Mythos brechen.

Wie lange hat der Prozess gedauert bis zum ersten Einsatz der Kamera mit diesen drei Hauptpersonen?

Wir haben drei Monate Vorlaufzeit gehabt. Wir waren jeden Tag mit einem VW-Bus, in den wir hinten eine Couch reingestellt haben, vor Ort und hatten etwas zu essen und Getränke dabei. Damit haben wir den Ort erst mal für uns eingenommen, damit wir selbst uns da nicht mehr so unwohl fühlen. Am Anfang ist man einfach ein Fremdkörper, ein Tourist. Uns war ziemlich schnell klar, dass Beharrlichkeit unsere wichtigste Tugend ist. Wir standen da und waren darauf angewiesen, dass die Jugendlichen uns langsam als Inventar akzeptieren und immer wieder zum Beispiel auf einen Tee vorbeikommen und uns etwas erzählen, weil sie uns spannend finden. Nur so hat sich ein Vertrauensverhältnis aufgebaut. Wir haben von Anfang an gesagt, dass wir Filmstudenten sind und einen Film machen wollen, auch dass wir keine Gagen zahlen können. Dass wir einfach Leute suchen, die Lust auf eine gemeinsame Dokumentation haben. Wir haben die Jugendlichen auch gefragt, was sie sich von so einem Film versprechen, wenn sie mitmachen. Irgendwann haben wir gefragt, ob wir zum Beispiel eine Geschichte, die sie erzählt haben, auf Ton aufnehmen könnten. Ein paar Wochen später haben wir auch Kamerainterviews gemacht. Am Zoo gibt es keine Privatsphäre, alles ist öffentlich, außer du bist in einer Toilette. Der Bus war erstmal ein geschützter Raum. Erst als das Vertrauen da war, sind wir dann auch nach draußen gegangen. Bis es soweit war, hat es etwa drei Monate gedauert.

Was haben die Jugendlichen auf die Frage geantwortet, warum sie mitmachen?

Aileen zum Beispiel hatte kurz vorher eine Therapie abgebrochen, bei der sie viele Probleme mit den Betreuern und den anderen Therapieteilnehmern hatte. Sie hat gesagt, sie wolle mitmachen, um den Leuten, „die immer so klug daherreden zu zeigen, wie es wirklich ist“, gerade in Bezug auf die Betreuer.

Du warst jetzt mehrere Monate ganz nah an den Jugendlichen dran. Wie nah, glaubst Du, bist Du mit dem Film an ihre Realität gekommen? Oder wolltest Du der Realität gar nicht so nah kommen, sondern bestimmte Elemente unterstreichen?

Oft verlässt man die Realität, um sich ihr auf Hinterwegen wieder anzunähern. Die filmische Arbeit ist natürlich manipulativ. Die Montage verdichtet und der zeitliche Ablauf ist bis zu einem gewissen Grad gestaltet. Aber nur so kann man auf einer filmischen Realitätsebene der Wirklichkeit näherkommen, wie wir sie beim Dreh gespürt und erfahren haben. Wir haben in dem Film auch so etwas wie einen Minimal-Plot – die Beziehung zwischen den Dreien – herausgearbeitet, denn den braucht man, damit die langen, beobachtenden Einstellungen getragen werden.

Wie stark hast Du da beim Dreh eingegriffen?

Ich habe schnell gemerkt, dass alles zusammenbricht, wenn man zu sehr forciert. Da musste ich meinen gestalterischen Willen auch zurücknehmen, in der Hinsicht war der Film auch eine Demutsübung. Ein Beispiel ist das Briefeschreiben zwischen Aileen und Daniel, nachdem Aileen nicht mehr in Berlin war. Wir haben nie gesagt: Schreib doch mal einen Brief. Aber wir haben dafür gesorgt, dass Papier und Stift da waren. Das hat Daniel darauf gebracht, einen Antwortbrief zu schreiben. Aber letzten Endes musste das von ihm kommen.

Die große Stärke des Films ist, dass er ganz ohne klassische Interviews auskommt. Hat sich das durch das Material erst im Schnitt ergeben oder hattest Du das von Anfang an so im Kopf?

Ich wollte auf jeden Fall einen szenischen Dokumentarfilm machen. Wo genau zwischen Fiktion und Dokument er sich bewegen sollte, das haben wir offen gelassen. Das hängt von den Hauptpersonen ab. Wenn Aileen und Daniel auf der Couch im Bus miteinander sprechen, gab es am Anfang vielleicht eine Frage, die dann einen Dialog zwischen den beiden angestoßen hat. Wir haben unglaublich viele Interviews als Back-up-Material gedreht, es gab auch viele Nebenfiguren usw. Das brauchten wir auch für uns, um die Zusammenhänge zu verstehen. Im ersten Rohschnitt gab es noch Interviews, die erklärenden Charakter hatten. Das war ein Ausdünnungsprozess. Wir wurden im Schnitt mutiger, haben das Material immer mehr verstanden. Wir haben gelernt, dass die Stärken des Materials in der Beobachtung liegen, nicht in der Auserzählung.

Der Film ist auch deshalb so interessant, weil er sich auf das Hier und Jetzt konzentriert und auf das psychologisierende Erforschen der Vergangenheit oder die Frage nach der Zukunft verzichtet.

Ich fände es auch anmaßend, in 80 oder 90 Minuten Schlüsselmomente einer Biographie ausfindig zu machen, sie rekonstruierend in eine Kausalkette zu bringen und dann zu sagen: aus den oder den Gründen ist jemand jetzt da, wo er ist. So wird man einem Menschen nicht gerecht. Es war für mich als Filmemacher aber wichtig, diesen Hintergrund zu kennen. Denn ich muss wissen, was ich im Film weglasse.
Ich vertraue der Rekonstruktion von biographischen Momenten als Erklärung nicht. Da sind ganz einfache Szenen oft aufschlussreicher. Wenn Angel auf beste Hausfrauenart ein Schnitzel zubereitet, dann spüre ich etwas von seiner Vergangenheit, dass er bei seiner Oma aufgewachsen ist oder was auch immer. Erzählen kann er mir ja alles mögliche. Ein Körper lügt nicht so leicht. Deshalb ist es immer aufschlussreich zu beobachten, wie jemand etwas tut, wie er seinen Arbeitsprozess gestaltet.

Das stimmt. Allein wenn man sieht, wie akribisch Angel seine Utensilien in seine Plastiktüten packt, versteht man, wie der funktioniert.

Wir haben auch die Dinge stark in den Fokus gerückt, die eine Verbindung zu unserer normalen Welt herstellen. In einem schleichenden Prozess wird dann klar: So groß ist der Unterschied zwischen einem Stricher und einem Gymnasiasten gar nicht: Das betrifft Aussehen, Hygiene, Ordentlichkeit aber auch die Art, wie man sich artikulieren kann. Damit geht der Film auch gegen die Dämonisierung von Randgruppen an. Man meint ja, man wüsste wie ein Stricher oder Junkie lebt. Da gibt es genügend Klischees. Deshalb dieser Blick auf Handlungen. Diese Szenen sind wichtig, weil der Zuschauer sieht: Da passiert etwas, was ich aus meinem Leben auch kenne. Zum Beispiel Sicherheit schaffen durch Ordnungsstrukturen, die man sich baut.

Gibt es denn trotzdem Zukunftsperspektiven in irgendeiner Form?

Es gibt sie nicht. Sie reden von Plänen, aber diese Zukunftspläne sind genauso fluktuierend wie die Menschen in dieser Szene. Wenn ich an das Gefühl der Drehphase zurückdenke, gab es nicht so was wie Zukunft. Natürlich gab es Punkte in diesem Zyklus aus Geldbeschaffen und Drogen, an denen sie gesagt haben „ich hab’ keinen Bock mehr auf diesen Scheiß, ich mache eine Therapie“, aber das war am nächsten Morgen schon wieder vergessen. Der alltägliche Druck lässt dich nur über die unmittelbar anstehenden Handlungen nachdenken.

Wie schwierig war es das Thema Drogen darzustellen? Konntest Du gleich mit der Kamera dabei bleiben, wenn sich jemand einen Schuss setzte?

Nein, absolut nicht. Das erste Konsumieren haben wir im letzten Drittel der Drehzeit gefilmt. Das ist wirklich schwierig zu drehen, ohne einen bloßen Voyeurismus zu bedienen. Wir hatten uns vorgenommen, den Vorgang möglichst neutral wie ein Arbeitsprotokoll zu filmen. Aber durch die Situation, dass wir plötzlich in dieser Münztoilette waren, in diesem Vakuum - die Musik, die Luft, die Enge und das Neonlicht - und dann zum ersten Mal zu sehen, wie sich jemand diesen Stoff in die Vene pumpt, das ist uns nahe gegangen. Mit dem Rohmaterial waren wir unzufrieden. Erst durch harte und selektive Schnitte in der Montage konnten wir zu einer Sachlichkeit zurückkommen - ohne das, was uns in dem Moment so angegangen hat, zu verheimlichen.

Wie hast Du Dich von diesem Projekt wieder gelöst?

So richtig gelöst habe ich mich noch nicht. Vor kurzem war ich bei Daniel und habe ihm den Film gezeigt. Es ist nicht mehr so intensiv, ich hänge nicht mehr jeden Tag am Zoo. Und natürlich kann ich den Kontakt nicht mehr so intensiv halten, wie während der Drehzeit. Wir haben ein Jahr geschnitten. In diesem Arbeitsprozess werden die Bilder dann zu Material und sind nicht mehr Teil deiner Realität. Mit Aileen versuche ich seit einem Jahr Kontakt aufzunehmen. Sie ist die einzige, die den Film noch nicht gesehen hat. Angel hat ihn gesehen und als gut empfunden und vor allem, dass wir die Menschen richtig getroffen haben. Als er sagte, „so war es“, war das ein Riesenkompliment.

Das Interview führte Steffen Wagner.

Alltag ist Irrsinn

Der Regisseur Michael Fengler hat mit diesem Film etwas zur damaligen Zeit völlig Neues gemacht: Er hat einen Spielfilm im Stil einer Dokumentation gedreht. Übrigens ohne die Hilfe von Fassbinder. Der fand den Film so unmöglich, dass er seinen Namen wieder aus dem Vorspann streichen lassen wollte. Darauf musste er verzichten: Es war schlicht zu teuer, den Vorspann neu zu gestalten.

Das Ergebnis von Fenglers künstlerischer Vision ist auch fast vierzig Jahre später brillant. Der Film zeigt eine Reihe von Alltagsszenen aus Herrn Rs. Leben. Wie Michael Fengler nach dem Film erzählte, wurden die Dialoge bewusst nur skizziert, die Regieanweisungen waren minimal. Mit den alltäglichen, nicht gebauten Sets (Wohnzimmer, Büro, Kneipe), dem nicht nachbearbeitetem Ton und dem fast durchgängig natürlichen Licht, ergibt das einen Reportagestil, der Interesse weckt und zusammen mit dem unheilverkündenden Titel eine große Spannung erzeugt.

Die Dialoge sind das Herzstück: Der spießige Familiennachmittag mit den Schwiegereltern ist so, wie ihn jeder schon erlebt hat: Nach belanglosem Geplapper fliegen von einer Sekunde zur anderen auf einmal verbale Giftpfeile zwischen Rs. Mutter und seiner Frau, die sofort wieder von niederträchtiger Leutseligkeit abgelöst werden. Herr R. versucht unterdessen, sich unsichtbar zu machen. Die Firmenfeier (laut Fengler ein first take), auf der R. seine berufliche Zukunft verspielt, weil er einmal nicht den Mund hält, ist einerseits so komisch und andererseits so niederschmetternd entlarvend, dass es Loriot nicht besser hingekriegt hätte.

Herr R. bleibt danach so passiv wie zuvor, aber man spürt, wie es in ihm arbeitet. Sein Amoklauf ist kurz und heftig, der Anlass nichtig, das Ergebnis katastrophal. Der Zuschauer bleibt zurück und denkt: Eigentlich ist es ein Wunder, dass nicht jeden Tag unzählige Amokläufer Schneisen der Verheerung durch den irrsinnigen Alltag schlagen.

Filme beschäftigen ich nicht nur mit Fiktion, sondern auch mit der harten Realität. Die zeigen die zahlreichen Dokumentationen auf dieser Berlinale. "Standard Operating Procedure", der erste Dokumentarfilm überhaupt im Berlinale-Wettbewerb, stellt die Frage, welche Mittel zur Bekämpfung des Terrorismus legitim sind. Sony Pictures Classics und Participant Media laden begleitend zum Film von Errol Morris am Mittwoch, 13. Februar, um 15 Uhr zu einer öffentlichen Diskussion ein. Die Veranstaltung findet im Ballsaal (1. Stock) des Ritz Carlton Hotels, Potsdamer Platz 3, statt.

Zum Thema "Diplomacy in the Age of Terror: The Impact of Diminished Rule of Law on International Relations" diskutieren:

Dr. Allen Keller (Director Bellevue/NYU for Survivors of Torture), Wolfgang Kaleck (Generalsekretär des European Center for Constitutional and Human Rights), Lord Peter Goldsmith (ehemaliger UK Oberstaatsanwalt), Lionel Barber (Financial Times) und Herta Däubler-Gmelin (MdB, Vorsitzende des Bundestagsausschusses für Menschenrechte und humanitäre Hilfe).

Moderiert wird die Runde von Olivia Schoeller, US-Korrespondentin der Berliner Zeitung in Washington.

Das sind Nihilisten, die wollen nur foltern

Ein Eliteinternat irgendwo in einem romantischen Schloss in Deutschland: Dyrbusch (Niklas Kohrt) hat das, was man Neudeutsch „leadership potential“ nennt: Er ist ein arroganter Wichtigtuer, der verquastes, pseudointellektuelles Zeug von sich gibt, aber er hat unbegrenztes Selbstbewusstsein. Für Bogatsch (Michael Ginsburg) ist er damit unwiderstehlich. Bogatsch ist zwar nicht der Hellste, aber er strahlt eine Aggressivität aus, die von der ersten Sekunde an beunruhigt. Dyrbusch ist der Kopf, der den Plan ausheckt: Mit diesem ganzen Unsinn von Moral, Ethik und sozialer Verantwortung, den sich die Verwahranstalt für Kinder reicher Eltern auf die edle Fahne geschrieben hat, soll jetzt Schluss sein. Er will saufen, die Sau rauslassen und dabei einige Experimente in Sachen Nihilismus und Erniedrigung betreiben. Um Macht geht es, gibt er Bogatsch zu verstehen und sonst gar nichts. Den hochintelligenten Internatssonderling Leibnitz (Janusz Kocaj) haben Dyrbusch und sein Kettenhund schon rekrutiert, als Konstantin (Franz Dinda) von einer Beerdigung ins Internat zurückkommt. Nachdem Konstantin den Initiationsritus des Pimmelzeigens durchlaufen hat, kann Dyrbusch mit der Durchführung seines Plans beginnen.

Die Vier hauen nachts regelmäßig ab und besaufen sich in einer Laube, die Dyrbusch auf dem Campingplatz am See aufgetrieben hat. Eines Abends sind Dyrbusch und Bogatsch kurz davor eine junge Frau zu vergewaltigen, die ihnen beim Baden im See über den Weg läuft. Konstantin ist wie erstarrt, aber Leibnitz geht dazwischen. Damit ist die Konstellation klar: Leibnitz hat sich gegen die Gruppe gestellt, obwohl Drybusch in schon als Schwächsten identifiziert hat. Jetzt wird er das Ziel aller weiteren Spiele, die schnell in Folter ausarten. Konstantin ist der Einzige, der die katastrophale Entwicklung erkennt und aufhalten könnte. Aber er traut sich nicht. Als Konstantin endlich seinen Mut zusammennimmt und zum Mentor (Michael Schweighöfer) geht, hört dieser ihm nicht zu. Am Ende drückt Bogatsch Leibnitz’ Kopf solange in eine Wassertonne, bis der fast stirbt. Er überlebt, aber bricht psychisch zusammen. Als Leibnitz sich vom Mentor unter Druck gesetzt fühlt, verletzt er den Lehrer in einem Panikanfall schwer..

Der Film ist genauso nihilistisch wie seine Hauptfigur Drybusch. Der Film widert einen an - mit den Folterszenen, der holzschnittartigen Gruppendynamik, der Figur des Mentors, die nur ein lebloses Abziehbild ist und mit den unerträglich romantisierenden Bildern, die Stuber immer wieder vom Schloss und seiner Umgebung inszeniert. Holger Jäckle führt mit seinem Drehbuch eine Versuchsanordnung durch, nichts weiter. Und wo er es braucht, liefert er die nötige Küchenpsychologie gleich mit. „Er will dazugehören, weil seine Eltern die Reichsten hier sind“, erklärt Drybusch, als Konstantin den gequälten Leibnitz dazu bringen will, endlich etwas gegen seine Peiniger zu unternehmen.

Wenn dieser Film einen Beitrag zum Thema Jugendgewalt liefern will oder darüber wie die Erziehung von Eliten versagt, ist das gründlich misslungen. „Teenage Angst“ führt nur ein Experiment vor, das den Zuschauer abstößt, erzählt aber keine Geschichte, die den Zuschauer berührt und zum Nachdenken bringt.

Was hat Falten und macht Krach? Keith Richards.

Garagenrocker unter Dampf: Ein Hörfilm

In diesem Film geht es vor allem um Sound. Von seinen angeblich 16 Kameras hätte sich Martin Scorsese 13 sparen können. Die Stones aber klingen wie eine alte Dampflok mit glühendem Kessel, die in jeder Kurve zu entgleisen droht. Es rumpelt, stampft und jault, dass es eine wahre Freude ist. Die Tonspur dieses Films klingt wie der teuerste Live-Bootleg aller Zeiten. Mick Jagger ist des öfteren ziemlich außer Atem, die Herren Richards und Wood vergreifen sich in voller Lautstärke an den Saiten und erwischen nicht immer die richtigen. Charlie Watts trommelt stoisch dazu. Ladies and gentlemen: The oldest garage band in the known universe! Man hört also alles das, was man auf den polierten offiziellen Live-Dvds und Cds mit all ihren Overdubs nie hört. Dabei bleibt, anders als beim herkömmlichen Soundboard-Bootleg, jedem Instrument sein eigentümlicher Klang - soll heißen: Gesang, Gitarre, Bass, Keyboards und Bläser sind im Mix so perfekt unterscheidbar, dass man die Summe der einzelnen Teile und alle schmutzigen, kleinen Fehler hört. Besser geht’s nicht.

Hinzu kommt: Die Songauswahl ist grandios. Besonders dann wenn die alte Dampflok Kohlen nachlegen muss, es also etwas langsamer wird. „Some Girls“ und „Far Away Eyes“ sind zwei Höhepunkte aus der Countryecke und bei „You Got the Silver“ beweist Keith Richards zum xten-Mal: Er kann zwar nicht singen, das aber besser als jeder andere. Herausragend ist eine Coverversion. Den Muddy Waters-Song „Champagne und Reefer“ spielen die Stones gemeinsam mit Buddy Guy: Blues und sonst gar nichts. Jagger beweist Größe und lässt sich von dem 71jährigen Bluesman gelassen an die Wand singen. Diese Gelassenheit ist allen Filmästheten zu wünschen, dann klappt’s auch wieder mit den Gesichtszügen.
Mit freundlicher Empfehlung von Muddy Waters:

Yeah, bring me champagne when I'm thirsty.
Bring me reefer when I want to get high.
Well, you know there should be no law
on people that want to smoke a little dope.
Well you know it's good for your head
And it relax your body don't you know.

Unser Autor mit einem dankbaren Fan

Als ich durch die Arkaden am Potsdamer Platz eile, sehe ich sie: Die Mühseligen und Beladenen, die nach Berlinale-Karten lechzen und in endlosen Schlangen stehen. Diabolisch kichere ich in mich hinein. Ich habe sie, die Eintrittskarte ins Paradies. Einen grün-roter Lichtbildausweis, der mir aufgrund einer „außergewöhnlichen Gehbehinderung“ (Wie geil klingt das?! Bin ich etwa einer von den Gewöhnlichen? – Natürlich nicht.) eine 80-prozentige Schwerbehinderung bescheinigt. Was noch viel wichtiger ist: Ein dickes schwarzes B auf der Vorderseite verkündet amtlich trocken „Die Notwendigkeit ständiger Begleitung ist nachgewiesen.“

So ist das, liebe Filmnerds ... Aufgrund dieser amtlich beglaubigten Hilflosigkeit kann ich gleich im Service Center der Berlinale das Ding drehen, den Bruch machen, den Jackpot knacken – ganz legal. Mehrere Stunden habe ich in der vergangenen Woche mein Hirn arbeiten lassen, das noch außergewöhnlicher ist als mein verblüffender Gehapparat.

Ich habe das Berlinale-Programm gewälzt, Filme aufgelistet und an diesen Listen gefeilt, bis ich mein persönliches, überschneidungsfreies Berlinaleprogramm vom 22 Filmen zusammengestellt hatte. Diese kleine Wunschliste habe ich an den Vorverkauf gemailt, der mich nur einen stark später zurückrief, um grünes Licht zu geben: Alles habe geklappt, ich könne die Karten am 7. abholen.

Jetzt bin ich also auf dem Weg, um Beute zu machen. Und weil ich ein Profi bin, geht das in Minutenschnelle. Während die Journalistenmeute wie blökendes Vieh in Reihen vor den Pressekassen zusammengetrieben wird, mache ich es mir souverän auf dem Stuhl des Schwerbehindertenkartenvorverkaufs bequem. Konspirativ murmele ich meinen Namen. Der freundliche Servicemitarbeiter nimmt meine Mail aus einem Ordner, wirft einen kurzen Blick auf den Zauberausweis und druckt 44 Karten aus – pro Film jeweils eine für mich und eine für die Begleitperson. Unauffällig lasse ich das papierne Gold in meine Jackentasche gleiten. Aber ich war nicht vorsichtig genug.

Das Volk, der Mob, der hinter mir steht, hat etwas mitbekommen. Die Menge nimmt Witterung auf: Dieser Typ hat Karten, viele Karten, zu viele Karten! Warum!? Dieser Drecksack! Und er musste noch nicht einmal anstehen. Der humpelt doch nur, weil er nach der letzten Sauftour aus der Kneipe gefallen ist. So rumort es in ihren Köpfen, das spüre ich. Ich drehe mich um und blicke in viele glühend-neidische Augenpaare. Die, die noch verzweifelt auf Presse- und Mitarbeiterkarten warten, wünschen sich jetzt mindestens ein Holzbein. Mein höhnisches Grinsen lässt sie zurückweichen. Kurz vor dem Ausgang stellt sich mir einer in den Weg. Ich setze meinen Elektroschocker ein, der normalerweise in Schlachthöfen zu Betäubung von Schafen eingesetzt wird. Lautlos zuckend bricht der Schreiberling zusammen. Dann bin ich draußen. Die Karten machen eine schöne Beule in meine Jackentasche. Die Berlinale kann losgehen.

Genauso war es, ich schwöre. Aber vielleicht hat mich auch nur das Berlinalefieber gepackt.

Daniel Day-Lewis als Daniel Plainview. (Quelle: Berlinale)

Der Berlinale-Wettbewerbsbeitrag „There Will Be Blood“ von Paul Thomas Anderson wurde heute von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences für acht Oscars nominiert, darunter auch die wichtigsten Nominierungen in den Kategorien „Bester Film“ und „Beste Regie“. Anderson wurde außerdem für das „Beste adaptierte Drehbuch“ nominiert. Daniel Day-Lewis tritt in der Konkurrenz „Bester Hauptdarsteller“ gegen George Clooney, Johnny Depp, Tommy Lee Jones und Viggo Mortensen an. Day-Lewis spielt die Hauptrolle des kleinen Minenbesitzers Daniel Plainview, der 1898 auf Öl stößt und in den nächsten drei Jahrzehnten zu einem der reichsten Öl-Tycoone Südkaliforniens aufsteigt. Andersons Film basiert auf Upton Sinclairs Roman „Oil“ aus dem Jahr 1927.

Weitere Nominierungen für ihre Arbeit an „There Will Be Blood“ erhielten: Robert Elswit (Cinematography), Jack Fisk und Jim Erickson (Art Direction), Dylan Tichenor (Film Editing) und Matthew Wood (Sound Editing).

“Eggesin möglicherweise“ von Olaf Winkler und Dirk Heth, Deutschland 2006

Die beiden Filmemacher liefern einen Strom von Eindrücken, sie wollen „einfach nur den Fluss der Dinge beobachten, ohne gewaltsam einzugreifen“, wie es in einem Zitat des japanischen Kafka-Preisträgers Haruki Murakami heißt, dass sie ihrem filmischen Essay voranstellen. Dieser Strom von aus dem Off gesprochenen Briefauszügen des Drehbuchautors Winkler, Ausschnitten aus offiziellen und privaten Filmen aus der NVA-Zeit, Gesprächen mit Eggesiner Bürgern und Bildern von Abbrucharbeiten macht es dem Zuschauer nicht leicht, die Eindrücke einzuordnen.

Deutlich wird aber, wie die Eggesiner sich abmühen, um mit den radikalen Veränderungen ihrer Stadt fertig zu werden. Sie sitzen in Bürgerrunden mit Experten, die Düsteres verkünden und den Menschen eigentlich genau das sagen, was sie ohnehin schon wussten: „periphere Lage ... keine Industriecluster ... kein innovatives Element ... Mit dieser Wirtschaftsstruktur kann man es aus eigener Kraft nicht schaffen.“ Die Eggesiner tun etwas: Wenn der Arbeitsplatz verloren geht, engagieren sie sich ehrenamtlich oder sie greifen zur Eigeninitiative wie der ehemalige Offizier, der eine Kneipe übernimmt. Bürger und Kommunalpolitiker schaffen es immerhin ein Stadtentwicklungsprojekt auf die Beine zu stellen, das im Rahmen des Bundeswettbewerbs „Städtebau Ost“ die Silbermedaille gewinnt. Trotzdem sind die Verbesserungen marginal, die sie durch diese Anstrengungen erreichen, wenn man die desolate Gesamtlage betrachtet: Die Abwanderung lässt sich nicht stoppen. Beim Zuschauen hinterlassen die immer wieder auftauchenden Aussagen der Eggesiner – der Tanzlehrerin, der Dorfpoetin, des jungen Büchsenmachers oder des Kneipenwirts einen hilflosen und langsam resignierenden Eindruck. Die Filmerzählung fängt diese Stimmung ein.

Trotzdem bleibt ein zwiespältiger Eindruck. „Eggesin möglicherweise“ wirkt stilistisch überfrachtet. Es gibt ein Ungleichgewicht zwischen den Bildern und den Statements der Betroffenen einerseits und den ästhetischen Stilmitteln der zum Teil pathetischen Briefpassagen und der musikalischen Untermalung andererseits. Außerdem gibt es Verfremdungseffekte durch rückwärtslaufende Filmteile oder einen bewussten Gegensatz von Film- und Tonspur. Manchmal verliert man sich in diesem Bilder- und Tonstrom und würde gerne in längeren Passagen mehr von den Eggesinern selbst erfahren. So fehlt ein Spannungsbogen, um die Konzentration beim Zuschauer zu erhalten. Es ist eine interessante Idee, sich dem Problem des Strukturwandels mit essayistischen filmischen Mitteln zu nähern, aber „Eggesin möglicherweise“ hätte vom sparsameren Einsatz einer Ästhetisierung profitiert.

"Jesus Camp" von Heidi Ewing und Rachel Grady, USA 2006

„Jesus Camp“ ist vor dem Hintergrund einer politischen Auseinandersetzung in den USA entstanden. Die äußerste religiöse Rechte hatte in den Präsidentenwahlen vom November 2004 den überwiegenden Teil ihrer Anhänger in einer beispiellos effektiven Kampagne zur Wahl von George W. Bush mobilisiert. Im Jahr 2005 starben dann in kurzer Zeit zwei der auf Lebenszeit vom Präsidenten ernannten Richter des Supreme Court, der höchsten juristischen Instanz der USA. Das war für die religiöse Rechte das Signal, die politischen Zinsen für ihren Einsatz im Wahlkampf zu fordern: Bush sollte zwei möglichst konservative Richter benennen und der Senat sollte die Nominierungen bestätigen. Durch diese Personaldebatte rückten in der öffentlichen Diskussion verschiedene gesellschaftliche Fragen noch stärker in den Fokus, insbesondere das Recht auf Abtreibung und die Rechte von Homosexuellen. Diese Debatten wurden mit großer Schärfe ausgetragen und gerade von den radikalen Christen weiter zur Mobilisierung genutzt.

Im Zentrum der Dokumentation steht Becky Fischer. Fischer wirkt, wie wir uns eine Durchschnittsamerikanerin vorstellen: Freundlich, gemütlich, bieder und irgendwie solide. Sie ist Predigerin der „Christ Triumphant Church“ in Missouri und veranstaltet Ferienlager für Kinder zwischen fünf und zwölf Jahren. Ihr Ziel formuliert sie vor laufender Kamera: „Ich will, dass die jungen Leute genauso radikal ihr Leben hergeben für die Bibel, wie das junge Muslime in Pakistan, Palästina und in anderen Gegenden der Welt tun.“ Diese Aussage kann man nicht missinterpretieren. Zwei Sätze zuvor hat sie fast bewundernd über die „Feinde“ gesprochen, die ihre Kinder so ausbildeten, dass sie bereit seien, sich für die „Sache des Islam“ umzubringen.

Mit diesen Zitaten hat „Jesus Camp“, der 2007 eine Oscar-Nominierung als bester Dokumentarfilm erhielt, das Terrain abgesteckt und führt uns in die Welt des „Kids on Fire“-Camp. In dieser Welt sind alle Werte außer Kraft gesetzt, die eine aufgeklärte Gesellschaft kennt. Es zählt nur noch „der perfekte Wille Gottes“, wie ihn die Prediger interpretieren. Die Techniken, die sie nutzen, sind die der Manipulation. Der Kamera zeigt im Close-up gnadenlos wie die Kinder so stark emotional aufgewühlt werden, dass sie einerseits in ständiger Angst aufgrund der eigenen „Sündhaftigkeit“ leben und andererseits stolz darauf sind, zu den Ausgewählten der neuen Generation zu gehören. Man kann darüber streiten, ob die beiden Regisseurinnen nicht auch Grenzen überschreiten, weil sie die Gefühlswelt der Kinder mit der Kamera offenlegen. Dabei sollte man jedoch immer im Blick behalten, dass die Kamera ganz klar nicht der Auslöser für diese psychischen Ausnahmezustände ist – das sind eindeutig die Leiter des Camps: Brandstifter im religiösen Wahn.

Die Methode der emotionalen Überwältigung ist ebenso effektiv wie perfide. Den Teilnehmern des Camps wird jede Möglichkeit genommen, selbst über etwas nachzudenken oder sich ein eigenes Urteil zu bilden. Das wird besonders in dem Moment deutlich, wenn sich religiöse und politische Inhalte der sogenannten Predigten vermischen. Schließlich sollen die Kinder Kämpfer in dem von den wiedergeborenen Christen erklärten „culture war“ werden. Es wird für George W. Bush und seinen Kandidaten als Richter am Supreme Court und gegen die Abtreibung gebetet, Global Warming und Darwins Evolutionstheorie werden als gefährliche Irrlehren gebrandmarkt. Die Agenda der radikalen Christen ist politisch. Die Kinder sollen als Missionare wirken und dabei neben der Heiligen Schrift auch noch politische Botschaften verkünden. Das ist auch das, was sie in ihren Familien zu hören bekommen, wie der Film in einigen Szenen zeigt: So folgt er zum Beispiel der neunjährigen Rachael und dem zwölfjährigen Levi nach Hause. Die Kinder werden nicht in der Schule, sondern von den eigenen Eltern unterrichtet. Für sie gibt es nur ein Weltbild und keine Zweifel.

Ewing und Grady ist ein journalistisch herausragender und überwältigender Dokumentarfilm gelungen, weil sie die Dinge zeigen, wie sie sind - ohne zu kommentieren oder vordergründig zu inszenieren. Am Ende von „Jesus Camp“ ist man ebenso erschöpft wie ratlos. Wie kann so etwas in einem Land passieren, was nicht zuletzt gegründet wurde, um religiöse Freiheit zu garantieren und das schon 1791 in der ersten Verfassungsänderung die strikte Trennung zwischen Staat und Kirche festschrieb? Ein Star der religiösen Rechten, der Prediger Ted Haggard, der im zweiten Teil des Films zu Wort kommt, sagt: „Wir wachsen schnell genug, um den Ausgang jeder Wahl zu entscheiden, wenn die Evangelikalen zur Wahl gehen.“ – Gott steh’ uns bei.

Filmvestival der "Aktion Mensch" startet in Berlin

Die 13 Filme des ueber morgen-Festivals:

„A Scanner Darkly“ (Der dunkle Schirm) von Richard Linklater USA, 2006

Undercover-Ermittler Fred erhält den Auftrag, einen gewissen Bob Arctor zu observieren - der niemand anderes ist als er selbst. Richard Linklater verfilmt den legendären Roman von Kultautor Philip K. Dick mit Stars wie Winona Ryder, Keanu Reeves, Robert Downey Jr. und Woody Harrelson, doch mit der Technik eines Animationsfilms. In überwältigender visueller Ästhetik Linklater zeichnet das düstere Bild eines paranoiden Überwachungsstaates.

„Smell of Paradise“ (Der Duft des Paradieses) von Mariusz Pilis und Marcin Mamon, Polen/Niederlande 2005

Im Kampf für eine vom Islam dominierte Gesellschaft gehen Religion und Politik eine unheilvolle Allianz ein.. „Der Duft des Paradieses“ nimmt den Zuschauer mit auf eine Reise zu den politischen Brennpunkten rund um den Globus.

„Eggesin möglicherweise“ von Olaf Winkler und Dirk Heth, Deutschland 2006
Zu Zeiten der DDR waren in Eggesin 27.000 Soldaten stationiert. Dann kam die Wende und der Standort wurde aufgelöst. Die örtliche Wirtschaft brach zusammen, junge Leute wandern ab. Mehr als ein Drittel der Einwohner sind bereits fort, weitere dreißig Prozent sollen noch folgen. Doch die Bürger von Eggesin resignieren nicht. Sie versuchen, sich zu organisieren und mit Einfallsreichtum das Beste aus ihrer Situation zu machen.

„Gelée Royale - der Staat bin ich“ von Antje Knapp, Deutschland 2004

Ob Stadtviertel, Insel, Wohnzimmer oder Tischplatte: nichts ist zu klein, um nicht ein eigener Staat werden zu können. Selbsternannte Monarchen präsentieren ihre Wohnzimmerutopien, deutsche Amtsträger philosophieren über Deutschland und Bewohner des »Freistaat Christiania« in Kopenhagen berichten aus ihrer basisdemokratischen und autonomen Gemeinschaft, die seit 35 Jahren existiert, aber mittlerweile gegen die konservative dänische Regierung ums Überleben kämpft.

„Hinter dem Zuckervorhang“ (El Télon de Azúcar) von Camila Guzmán Urzúa, Kuba/Spanien/Frankreich 2006

Fidel geht es schlecht und vielen Kubanern geht es auch nicht gerade gut. Von revolutionärer Begeisterung ist seit dem Wegfall der großzügigen Wirtschaftshilfe durch die Sowjetunion nicht mehr viel zu spüren. Camila Guzmán Urzúa wuchs in den Achtzigern in Kuba auf. Sie zeichnet ein wehmütiges Bild vergangener Ideale von sozialer Gleichheit, Erfüllung aller Grundbedürfnisse durch den Staat die einer tiefgreifenden Desillusionierung gewichen sind.

“I Broke my Future - Paradies Europa” von Carla Gunnesch, Deutschland 2006

Demokratie, soziale Versorgung, Wohlstand - was für uns Selbstverständlichkeiten sind, klingt für viele Menschen außerhalb der »Festung Europa« wie das leibhaftige Paradies. Hunderttausende versuchen jedes Jahr, als Asylbewerber oder Illegale die Grenzen zur EU zu überwinden. Die Dokumentation begleitet vier junge Afrikaner in Berlin, deren Träume längst zerbrochen sind. Ihr Alltag besteht aus Angst vor Kontrollen, Ausbeutung als illegale Arbeitskraft und der schwindenden Hoffnung auf eine Lebensperspektive.

„Jesus Camp“ von Heidi Ewing und Rachel Grady, USA 2006

Becky Fischer, die sich selbst stolz als radikale Christin bezeichnet, hat einen Traum: Sie will Kinder im Alter von fünf bis zwölf auf den großen Kampf mit Nicht- und Andersgläubigen vorbereiten. Schließlich, so Becky, wissen Christen wie sie die Wahrheit und alle anderen nicht. In knapp 90 Minuten zeigen Heidi Ewing und Rachel Grady, wie der Glaube zur Manipulation ausgenutzt werden kann.

„Lip oder die Macht der Phantasie“ (Les Lip) von Christian Rouaud, Frankreich 2007

1973 beginnt in der französischen Stadt Besançon ein soziales Experiment: Weil die Arbeiter der Uhrenfabrik Lip um ihre Arbeitsplätze fürchten, besetzen sie ihre Fabrik und übernehmen die Uhrenproduktion in Eigenregie. Zwei Jahre lang gelingt es ihnen, die Produktion weiterzuführen, Konzepte selbstbestimmter und gleichberechtigter Arbeit zu erproben und Entlassungen zu verhindern, bis die Fabrik 1975 zerschlagen wird.

„Menschen, Träume, Taten“ von Andreas Stiglmayr, Deutschland 2006

43 Frauen, 35 Männer und 33 Kinder haben sich den Traum vom selbstbestimmten Leben erfüllt: Seit zehn Jahren leben sie zusammen im Ökodorf »Sieben Linden«. Ihr Gesellschaftsentwurf basiert auf genossenschaftlichem Eigentum, Mitbestimmungsrecht, Gemeinschaftskultur und Selbstversorgung. Dass Selbstbestimmung nicht mit paradiesischen Zuständen gleichzusetzen ist, zeigt Andreas Stiglmayr, der auch Probleme des Zusammenlebens nicht ausspart.

„Mit 25 geht's bergab“ von Milka Pavlicévic und André Schäfer, Deutschland 2005

Mit 25 hat der menschliche Körper seinen Leistungshöhepunkt erreicht und beginnt danach zu altern. Diesen Prozess versucht die weltweite Schönheitsindustrie mit Cremes und Chirurgie zu stoppen - und verdient daran Milliarden. Für viele Menschen ist der eigene Körper ihr wichtigstes Projekt. Ist Altern eine Krankheit? Ist eine Gesellschaft denkbar, in der es nur noch schöne Menschen gibt?

„The Wild Blue Yonder“ von Werner Herzog, Deutschland 2005

Filmemacher Werner Herzog erzählt in »The Wild Blue Yonder« die Geschichte zweier hoffnungsloser Begegnungen mit der jeweils anderen Art. Zwischen verlorenen Aliens, im All treibenden Astronauten und Astrophysikern, die über interplanetarische Super-Highways spekulieren, entdeckt er die gefährdete Schönheit des Planeten Erde.

„Unser Planet“ (The Planet) von Michael Stenberg, Linus Torell und Johan Söderberg, Schweden/Norwegen/Dänemark 2006

Bis 2010 werden sieben Milliarden Menschen die Erde bevölkern, 2050 sollen es neun Milliarden sein. Sie alle auf dem Niveau der westlichen Industrieländer zu versorgen, würde die Ressourcen von fünf Planeten erfordern. Müssen wir radikale Abstriche an unserem Lebensstandard vornehmen, um das Überleben aller zu sichern? Ist die Menschheit zu einem Kurswechsel überhaupt fähig?

„Verschwörung der Herzen“ (Kabal i hjerter) von Oyvind Sanberg, Norwegen 2006

Kåre Morten und Per, zwei Freunde mit Down-Syndrom, führen im norwegischen Bergen ein ganz normales Leben, bis Kåre Morten sich in Maybritt verliebt. Zwischen Herzklopfen, Liebesbriefen und einer skeptischen Mutter lernt er, mit seinen Gefühlen umzugehen und vor Problemen nicht wegzulaufen.

“Grounding – Die letzten Tage der Swissair“ von Michael Steiner, Schweiz 2006

„Grounding“ funktioniert hervorragend als Wirtschaftskrimi, denn wer hätte das gedacht? Ausgerechnet die Schweiz, Sinnbild für solides, verlässliches und vor allem ungeheuer einträgliches Unternehmertum, ist der Nährboden für eine der katastrophalsten und vor allem spannendsten europäischen Unternehmenspleiten. Die Schweizer stürzte diese Pleite vor sechs Jahren sogar in eine Identitätskrise, so stark war die Identifikation mit der Fluglinie, die nicht umsonst das Schweizerkreuz auf der „Heckflosse“ ihrer Maschinen trug. Steiner inszeniert seine Geschichte um die letzten Tage der Airline gekonnt und ungeheuer dicht. Er montiert in seinen Spielfilm immer wieder Fernsehausschnitte, die Interviews mit den echten Handelnden zeigen. Als Zuschauer fliegen einem die Details im verkrüppelten Wirtschaftsenglisch der heutigen Managerkaste nur so um die Ohren: Da wechselt die „Phoenix-Strategie“ die „Hunter-Strategie“ ab und Berater säuseln beseelt von Synergien. Auch wer nicht jede Einzelheit versteht, begreift schnell: Die Zahlen der „refreshing airline“ sehen nicht gut aus.

Das Monetäre ist in dieser Geschichte jedoch nicht das wirklich Spannende. Interessant sind die Intrige, der Skandal und der Kampf von (meistens) Mann gegen Mann. Steiner personalisiert und polarisiert stark: Auf der einen Seite steht Mario Corti, den der neue Verwaltungsrat als Retter installiert, nachdem der alte Verwaltungsrat zurückgetreten ist, weil sich Swissair im Sturzflug befindet. Corti verlässt seinen sicheren Job als Finanzchef bei Nestlé und hängt sich von der ersten Sekunde an voll rein. Er will es ehrlich schaffen für die Mitarbeiter, für das Unternehmen und die ganze Schweiz. Allein die roten Zahlen sind noch dicker als gedacht, wie Corti feststellt, nachdem er eine realistische Bilanz aus seinen bockigen Managern herausgepresst hat. Corti spart, spart und spart, verkauft Gesellschaften und entlässt Mitarbeiter, kann aber im Jahr 2001 nicht das reinholen, was die Jagd nach Airlines seit 1995 gekostet hat. Als Gegenspieler fungieren die Chefs der Schweizer Vorzeigebanken UBS und Credit Suisse und diverse Bundespolitiker, die sich im September 2001 nicht darauf einigen können, wer mit welchem Anteil die Restrukturierung finanzieren und die Swissair flüssig halten soll.

Steiner konzentriert sich nach einer knappen Darstellung der Vorgeschichte auf die Amtszeit Cortis von März 2001 und besonders auf die Tage unmittelbar vor dem ominösen 2. Oktober 2001. So beschleunigt er den Film ungemein und kann trotzdem nach die Parallelhandlung der privaten Nöte dreier Swissair-Mitarbeiter einbauen, die aus den jahrelangem Missmanagement entstehen. Dieser Erzählstrang ist an einigen Stellen etwas zu pathetisch, aber zwei Dinge werden nur zu deutlich: Die Motivation der Mitarbeiter ist bis zuletzt ungebrochen und doch sind sie dem Desaster des Zusammenbruchs „ihrer“ Fluglinie hilflos ausgeliefert.

„Grounding“ reißt auch kurz an, was nach dem Oktober 2001 geschah. Zunächst wurde die Swissair über eine Nachfolgegesellschaft mit insgesamt 4,3 Milliarden Franken von den Banken und dem Schweizer Staat, der einen Kredit von sF 1,45 Milliarden beisteuerte und eine Beteiligung von 600 Millionen beisteuerte, wieder flüssig gemacht. „So wurde die klinisch tote Swissair zum Zombie Swiss“, wie die Weltwoche im März 2003 schrieb. Diesem Zombie geht es jetzt wieder bestens, nachdem er von der Lufthansa für die vergleichsweise geringe Summe von 310 Millionen Euro übernommen wurde, was die Schweizer erneut erzürnte. Der Film führt es vor Augen: Pleiten sind für Manager selten teuer, für Mitarbeiter und Steuerzahler aber meistens. Immerhin – das Schweizerkreuz auf dem hinteren Leitwerk ist auch der Swiss geblieben.

"Darling" von Johan Kling, Schweden 2007

Eva ist Mitte 20, sieht gut aus, lässt sich jeden Abend von ihrem Freund Micke zu einer hippen Party fahren und arbeitet als Verkäuferin in einer Stockholmer Edelboutique. Eva ist eine blöde Zicke. Sie ist arrogant, oberflächlich, selbstsüchtig und unendlich gelangweilt. Sie betrügt Micke mit dem unerträglichen pseudophilosophischen Literaturschwätzer Nico und nutzt ihre Arbeitszeit zum Telefonieren mit ihren Freunden. Dass Eva deswegen ihren Job verliert, nimmt man als Zuschauer mit großer Freude und Zustimmung zur Kenntnis. Auf ihren Jobverlust reagiert sie wie ein kopfloses Huhn, zumal auch noch ihr Seitensprung aufliegt und Micke sie rauswirft. Eva kann ihren Lebensstil nicht ändern und beginnt Schulden zu machen. Fassungslos stellt sie fest, dass der schwedische Wohlfahrtsstaat ihr nicht unter die Arme greifen will, weil ihr zwei Wochen Arbeitszeit fehlen, um Anspruch auf Unterstützung zu haben.

Bernhard ist „60 - 61 um genauer zu sein“, wie er immer nervös über sich selbst sagt. Bernhard hat vor einiger Zeit seiner Job bei einem schwedischen Elektronikkonzern verloren, wo er 30 Jahre als Ingenieur gearbeitet hat. Seine Frau hat ihn für einen jüngeren Mann verlassen. Jetzt hockt er allein in einem großen Haus in Stockholm, das er sich eigentlich gar nicht mehr leisten kann. Bernhard nervt in seiner Schwatzhaftigkeit, die ihn aus Unsicherheit jedem seine Lebensgeschichte erzählen lässt. Gerade deswegen entwickelt man aber auch Sympathie für ihn. Bernhard ist überfordert und unterwürfig aber beharrlich auf Jobsuche. Schließlich wird er von einer Computerfirma auf Probe für 30 Tage als Vertreter für Modems eingestellt. Am Monatsende beraten die beiden jungen, dynamischen Geschäftsführer über ihn: „Was machen wir mit Bernhard? Er hat durchschnittlich verkauft, nicht schlechter als die Anderen.“ – „Ach, es fühlt sich nicht gut an, einen 60-jährigen im Team zu haben. Der beschädigt unsere Marke, außerdem ist er so ein Schleimer.“ Das war’s für Bernhard.

In der Mitte des Films geschieht das, was noch am Anfang undenkbar war. Evas und Bernhards Wege kreuzen sich – bei McDonald’s beim Burgerbraten. Für Eva ist dieser Job das Letzte, Bernhard dagegen ist dankbar. Hier bringt ihm sein mehr als 30 Jahre jüngerer Chef sogar so etwas wie Respekt entgegen. Schnell entwickelt sich zwischen Eva und Bernhard eine Freundschaft. Diese Freundschaft ist für beide so etwas wie ein Rettungsring: Eva hat festgestellt, dass unter man den Stockholmer Aufsteigern wenig Freunde hat, wenn das Geld fehlt. Bernhard ist seiner Ex-Frau nur gleichgültig und seiner Tochter lästig.

So richten sich die beiden eine kurze Zeit aneinander auf. Doch Filmemacher Johan Kling bleibt konsequent. Schnell ist klar, wer in dieser Geschichte den persönlichen Abstieg fortsetzt und wer noch eine Chance auf den Wiederaufstieg hat. Die Lebenswege von Eva und Bernhard überschneiden sich nur für kurze Zeit. Danach driften sie wieder auseinander. Für eine melancholische Freundschaft lassen die Arbeitswelt und die unterschiedlichen Wünsche und Ziele der Generationen keinen Raum. Der Verrat der Freundschaft geschieht fast ohne zu zögern. Das Ende ist bitter.

"Fairplay" von Lionel Bailliu, Frankreich 2007

Der Mensch spielt gern und arbeitet eher ungern, ob er aber spielt oder arbeitet, er will gewinnen. Das Spiel und die Zusammenarbeit funktionieren für alle Beteiligten am besten, wenn sich alle fair verhalten und Regeln befolgen. Die Crux dabei: Wer skrupellos genug ist, die Regeln zu brechen, kann seinen Weg zu Gewinn oft erheblich vereinfachen.

Lionel Bailliu lässt in „Fairplay“ Menschen aufeinanderprallen, die bei ihrer Arbeit im demselben Unternehmen unter Druck stehen. Der Chef Charles führt den Laden mit eiserner Hand, was die Kollegen Jean-Claude und Alexandre, an der Oberfläche Freunde, in ein hartes Konkurrenzverhältnis zwingt. Der noch junge Alexandre bekommt sowohl vom Freund als auch vom Chef beim Sport vorgeführt, wie wenig Regeln bedeuten, wenn es ums Gewinnen geht. Doch bei der Arbeit, also im „richtigen Leben“, sind die Einsätze noch höher. Jean-Claude spinnt eine Intrige, um Charles als Chef abzulösen und gleichzeitig Alexandre als Konkurrent loszuwerden. Dabei schreckt er auch nicht davor zurück, die Kolleginnen Nicole und Béatrice für seine Zwecke zu manipulieren. Als Firmenchef Charles seine Mitarbeiter mit auf eine Canyoning-Tour nimmt und in einer Situation, in der Kooperation gefragt ist, alle Rivalitäten ans Tageslicht kommen, bahnt sich eine Katastrophe an.

Bailliu hat einen streng durchkomponierten Film gemacht, der vor dem Hintergrund von sportlichen Wettkämpfen die vermeintliche Erbarmungslosigkeit des Wirtschaftslebens zeigt und überzeichnet. Dabei gelingen ihm einige starke Szenen, zum Beispiel wenn Charles und Alexandre aus einem bloßen Squashspiel eine testosterongetriebene Auseinandersetzung um die berufliche Zukunft machen. Das Manko des Films ist, dass er seine Rolle als Lehrstück überbetont. Die Dialoge bleiben trotz guter Schauspieler oft hölzern und die Charaktere eindimensional. Deshalb funktioniert er nicht als Satire, sondern führt etwas vor, was der Zuschauer schon längst verstanden hat: Wenn einer um jeden Preis gewinnen will, verlieren alle anderen und der Gewinner seine Menschlichkeit.

„Work! Don’t Work“ - 2. Filmfestival Münster

Im deutschsprachigen Kurzfilmwettbewerb, dem Klassiker und Publikumsliebling des Festivals, zeigen junge Filmemacher und Filmemacherinnen ihre Arbeiten, die an Filmhochschulen oder unabhängig davon entstanden. 52 Kurzfilme – von der charmanten Fingerübung bis zur poetischen Dokumentation von Filmpreisträgern wie Rainer Komers – konkurrieren um den mit 5.000 Euro dotierten Großen Preis der Filmwerkstatt, gestiftet von der Grimm & Partner Unternehmens- und Wirtschaftsberatung, den Förderpreis des WDR Studio Münster in Höhe von 2.500 Euro und den Publikumspreis (1.000 Euro), gestiftet von den Münsterschen Filmtheater Betrieben. Inspiriert durch das Thema Arbeit wurde erstmalig eine Schülerjury aus den Abgangsklassen der Haupt- und Realschulen in Münster eingeladen, die aus den Schulvorführungen einen Preis für den besten Kurzfilm über Arbeitslust und -frust verleiht.

Einmalig in Deutschland ist die Sektion „Filmspiegel“ mit den aktuellsten und herausragenden Produktionen aller Genres aus den Niederlanden, die eine einzigartige Handschrift haben.

Im Rahmenprogramm zeigt ein kurzer Gang durch die Spielfilmgeschichte die wahren „Helden und Heldinnen der Arbeit“ – wie immer ist es ein Genuss, mit Filmwissenschaftler Dr. Hans Gerhold den Bogen von „Kuhle Wampe“ (D 1932) über „Karbid und Sauerampfer“ (DDR 1963) bis zu Kaurismäkis „Mann ohne Vergangenheit“ (SF 2002) zu schlagen.

Die Reihe „Münster Connection“ ist den Filmschaffenden der Region – vom begabten Amateur bis zum alten Profi – aus dem Umfeld der Filmwerkstatt, der Kunstakademie oder der FH Design gewidmet. In diesem Rahmen ist auch ein Preview des neuen Films von Peter Lilienthal zu sehen, der in Co-Produktion mit der Filmwerkstatt entstand: „Camilo – Der lange Weg zum Ungehorsam“ ist eine engagierte Dokumentation über den ersten offiziellen Deserteur des zweiten Irakkriegs.

”Scott Walker: 30 Century Man” von Stephen Kijak (Panorama)

Scott Walker ist ein musicians’ musician. Von Musikerkollegen, besonders in England, wird er fast kultisch verehrt. Diese Verehrung brachte den Stein ins Rollen, der Stephen Kijak seinen Dokumentarfilm ermöglichte. David Bowie, der den Film mit produziert hat, Johnny Marr, Jarvis Cocker, Brian Eno, Radiohead, Alison Goldfrapp und unzählige andere sprachen vor dem Kamera über Walkers Musik. So ließ sich schließlich sogar Walker selbst überreden, sich für den Film interviewen zu lassen. Mehr noch: Kijak hatte die Möglichkeit, bei den Aufnahmen des 2006er Albums „The Drift“ zu filmen. Es entstand das Portrait eines Musikers, der abseits von allen musikalischen und erst recht kommerziellen Strömungen seine kreative Energien in Musik umsetzt, die nichts mehr mit Pop zu tun hat, sondern zeitgenössische Musik im Wortsinn ist.

Unter seinem richtigen Namen Scott Engel war der Musiker, der sich später Scott Walker nannte, Ende der 50er Jahre ein Teenstar in den USA. Von 1965 bis 1967 hatte er mit den „Walker Brothers“ eine Reihe von Hits in England und Europa (Make It Easy on Yourself, The Sun Ain’t Gonna Shine Any More). Dann folgten in schneller Folge Soloalben, mit denen Walker vor allem als Interpret von Cover-Versionen Erfolg hatte. Seine Stimme, er ist der einzige Sänger der Popgeschichte, der sich mit Roy Orbison messen kann, ist dabei sein größtes Kapital. Für sein Album „Scott 4“ (1969) schreibt er alle Songs und verfolgt seine eigene konzeptionelle künstlerische Vision. Das Album wird ein Flop. Auch aufgrund des Drucks der Plattenfirma, nimmt er bis 1974 noch vier Alben mit Cover-Versionen auf. Danach folgt die Reunion der Walker Brothers, die drei Alben aufnehmen. Nach dem letzten Walker Brothers Album von 1977 verstummt der Musiker Scott Walker für sieben Jahre. Das Album „Climate of Hunter“ (1984) gilt heute als Platte des Übergangs auf der Entwicklung hin zu avantgardistischer Musik.

Das nächste Album von Walker erscheint erst 1995: Das experimentelle „Tilt“. Im Interview sagt Walker, dass er das Album eigentlich gar nicht veröffentlichen wollte. „Tilt“ ist viel zu avantgardistisch, um kommerziell erfolgreich zu sein, für Kritiker und Musikerkollegen ist es eine Offenbarung. Walker singt mit seiner Baritonstimme nicht wirklich zu Songs im eigentlichen Sinne, Soundscapes ist ein besserer Begriff. Selbst Producer Peter Walsh beschreibt das Album als „verstörend“. Walker singt assoziative Texte, die abgrundtief dunkle Stimmungen ausdrücken. Der „All Music Guide“ beschreibt es als „utterly divorced from even the outer limits of rock reality“. Sound-Guru Brian Eno sagt im Film “es ist fast peinlich, er hat sich mit einem einzigen Geniestreich an die Spitze der kreativen Avantgarde gesetzt.“ Die Statements der anderen Musiker in Kijaks Film lassen sich mit dem Satz zusammenfassen: „es ist nicht zu verstehen, aber fantastisch.“

Danach gab es wieder eine 11-jährige Pause bis zu „The Drifter“. Die Dokumentation zeigt exemplarisch an den Aufnahmen zum 2006er-Album, wie Walker arbeitet. Dabei wird deutlich: Walker sucht nach dem richtigen Sound und scheut dabei den ungewöhnlichen Weg nicht. Ein fast mannshoher Holzwürfel wird gebaut und im Studio als Percussionsinstrument genutzt, ein Musiker bearbeitet eine Rinderhälfte mit bloßen Fäusten. Peter Walsh berichtet davon, wie er monatelang nach den richtigen Eselsrufen gesucht hat. Gleichzeitig nutzt Walker ein klassisches Orchester, denen er im Dienste des ungewöhnlichen Klangs alles abverlangt. Walkers Anweisungen sind klar, er achtet auf das Detail und hat sichtlich Spaß im Studio. Etwas, das man von dem als introvertiert und schwierig geltenden Musiker gar nicht erwartet hätte. Die Ergebnisse sind ungewöhnliche Klangwelten, die trotzdem nicht unzugänglich sind. Der NME schreibt: „His voice is fluttering like a dove over a blackened landscape.”

Der Film ist so spannend wie Walkers Musik. Stephen Hijak ist die Spannung gelungen, weil er eben diese Musik so ausführlich zu Gehör bringt. Hervorragend ist sein Kunstgriff, die Musik mit extra für den Film produzierten grafischen Animationen zu hinterlegen. Sehr geschickt nutzt er auch die Testimonials der zahlreichen Stars, gerade weil er dieses Mittel nicht bis zur Ermüdung einsetzt, wie es häufig in Dokumentationen vorkommt. Die Begeisterung von Bowie, Albarn & Co. überträgt sich und macht neugierig auf die gleichzeitig minimalistische und komplexen Alben Walkers. Darüber hinaus bekommt man eine Idee in den kreativen Prozess, auch wenn Scott Walker selbst etwas ratlos ist. Darüber spreche er nicht gerne, weil er abergläubisch sei: „You have to feel the phenomenon of words and music coming out of silence.“ Das Schönste an “30 Century Man” ist der Blick, den man auf den Künstler werfen kann: Scott Walker ist eben kein ausgebrannter Kultstar, der mit seiner Stellung jenseits des Mainstreams kokettiert und sich in der Bewunderung der Anderen sonnt. Er ist ein Künstler, dessen Interesse allein der Ausschöpfung der eigenen Fähigkeiten gilt – frei von allen Zwängen – und dabei ist er gerade auf einem Höhepunkt angekommen.

Den Panorama-Publikumspreis des Jahres 2007 hat der britische Film "Blindsight" von Lucy Walker gewonnen. Die Kritik zum Film finden Sie hier: "Blindsight"

“300“ von Zack Snyder (Wettbewerb a.K.)

Es begab sich im Jahr 480 v. Chr. an den Thermopylen einem Engpass zwischen dem Meer und den Trachinischen Felsen in Mittelgriechenland: Im griechischen Bündnis war es zu schweren Zerwürfnissen gekommen, wie man sich gegen die vorrückenden Truppen des mächtigen Perserkönigs Xerxes I verteidigen solle ... blah, blah, blah ... Das ist alles völlig wurscht. Wer es genau wissen will, soll sein Geschichtsbuch aus der 7. oder 8. Klasse rauskramen. Also: Leonidas ist so’n richtiger Spartaner, ein echt harter Knochen und der Xerxes kommt da irgendwo aus Asien daher und will Stress machen. Das geht natürlich gar nicht, weil erstens ist er ein Barbar und überhaupt. Leonidas denkt sich also eine ganz listigen Plan aus, um Xerxes’ Übermacht an dem Engpass gepflegt wegzumetzeln. Über die Schlacht hat Frank Miller einen Comic gezeichnet und Zack Snyder hat aus dem Comic einen Film gemacht.

Wie gesagt, Leonidas ist ein richtiger Mann nicht so ein Weicheikönig mit Krone und Thron, sondern ein richtiger Kämpfer. Wie alle Spartanerkrieger trägt er einen roten Umhang so lässig über die Schulter gelegt, dass man seine tollen Bizeps und seine Super-Bauchmuskeln sehen kann. Erstaunlicherweise sind die Spartaner ansonsten nur mit sexy Lederslips und Sandalen bekleidet. Deshalb kichern die beiden jungen Damen hinter mir wohl auch ständig ganz wuschig. Das Kichern hört allerdings auf, als die ersten abgetrennten Körperteile durch die Gegend fliegen. Wozu ein bisschen Filmgewalt doch gut sein kann. Überhaupt ist viel lustiger, dass die Schauspieler sprechen, als seien sie ein Ensemble der Royal Shakespeare Company nach dem achten Pint.

Xerxes dagegen ist eine circa 2 Meter 10 große Tunte mit einem Faible für Piercings und einer ganz tiefen Stimme. Mächtig ist er schon, denn er hat eine riesige Flotte und ein Megaheer aus Persien mitgebracht. Herodot phantasiert von fünf Millionen, die im Film wie drei Fantastilliarden aussehen und in Wirklichkeit wohl etwa 170.000 Mann gewesen sind. Auch egal, Zack Snyder kann so jedenfalls sehr schöne Schlachtenbilder auf die Leinwand zaubern. Anders als in „Sin City“ sind die Figuren nicht verfremdet, sondern real gefilmt. Grandios ist das Panorama drum herum. Snyder muss sich sehr viele Hieronymus Bosch-Gemälde angesehen haben, seine Produktionsfirma heißt nicht umsonst „Cruel and Unusual Films“. Wenn die Spartaner zum Beispiel die Leichen der Feinde zu einer meterhohen Mauer aufschichten, ist das sehr eindrucksvoll.

Optisch reizvoll ist auch, dass die Perser ein Mutantenheer mitgebracht haben. 3-Meter-Riesen und andere Freaks, die fürchterlich entstellt sind und brüllend auf die Spartaner eindreschen. Zum Glück kann man sie relativ leicht mit der Lanze durchstechen oder mit dem Schwert in Stücke hauen. Hinzu kommen ein dinosaurerartiges Nashorn und Riesenelefanten, die für Unterhaltung auf dem Schlachtfeld sorgen, aber an dem Engpass relativ nutzlos sind und prompt wie so viele andere Feinde in die heißen Quellen hinabstürzen.

Das größte Problem der Spartaner ist, dass sie nur 300 sind und die arkadischen Hilfstruppen in ihren sado-maso-mäßigen Lederoutfits nicht besonders gut kämpfen können. Trotzdem mähen sie die immer wieder anstürmenden Persertruppen sehr einfallsreich nieder. Denn genau darum geht es in dem Film: Was kann man mit einer Lanze oder einem Schwert anfangen, um den Gegner möglichst ohne Umweg in die ewigen Jagdgründe zu befördern? Das Blut fließt und spritzt dabei aufgrund der dunkel-erdigen Farbästhetik in für das Auge angenehm zurückgenommenem rostrot. Dazu dröhnt ein wahlweise wagnerianischer, metallicaesker oder vangelisianischer Soundtrack, über den Leonidas ab und zu irgendetwas von Ehre und Vaterland brüllt. Mehr Kitsch geht nicht.

Alles was es noch an Handlung gibt, ist zu vernachlässigen. Die Intrigen der Politiker in Sparta, die keine Verstärkung schicken wollen, weil irgendwelche dusseligen Götter dagegen sind, gibt immerhin Leonidas’ Frau Gorgo die Gelegenheit zu zeigen, dass auch spartanische Frauen nicht ohne sind: Mit flammenden Worten ruft sie den Rat an, zusätzliche Truppen zu schicken und verschafft dann dem Verräter Theron eine sehr gesundheitsschädliche Begegnung mit ihrem Schwert. Am Ende fallen Leonidas und seine 300 aufgrund des Verrats des Ephialtes, der den Geheimfad im Rücken der Spartaner dem Feind preisgibt. Aber sie fallen natürlich in Erde und Würde und belohnt mit dem ewigen Ruhm der Geschichte.

Und jetzt? Wer ruft als erster das böse F-Wort? Ist das nicht total faschistisch, gewaltverherrlichend, fremdenfeindlich, jugendverrohend ... blah-blah-blah ... Wer den Film ernst nimmt, ist selbst Schuld. Im „International“ ham wir uns amüsiert wie Bolle.

Díc hospés Spartae nos té hic vidísse iacéntes, dúm sanctís patriae légibus óbsequimúr.

"a.k.a. Nikki S. Lee" von Nikki S. Lee (Forum)

Die südkoreanische Fotokünstlerin Nikki S. Lee ist eine Meisterin im Spiel mit Identitäten. In ihren inszenierten Bildern übernimmt sie immer andere Rollen. Für ihren Film „a.k.a. Nikki S. Lee“ nimmt sie zwei grundsätzliche Identitäten an: Die der introvertierten „Nikki A“, die am liebsten allein in ihrer Wohnung liest oder sich um Ausstellungsdetails kümmert oder ernsthafte kunsttheoretische Diskussionen führt und die der jetsettenden „Nikki B“, die die Kunstwelt bereist, um Sammler zu treffen, neue Aktionen zu planen und den Kunstbetrieb am Laufen zu halten. Bei dieser Konstellation von einer Dokumentation zu sprechen wäre sicher naiv, dennoch gibt der Film Einblicke in das anstrengende Künstlerleben zwischen Kunst und Business.

Nikki S. Lee wäre nicht Nikki S. Lee, wenn sie das Unterfangen des Dokumentieren nicht gleich zu Beginn ad absurdum führen würde. „Jetzt bin ich allein in meinem Hotelzimmer, weil ich auf Reisen gerne allein in meinem Hotelzimmer bin. Aber natürlich bin ich nicht allein, weil der Kameramann immer dabei ist“, erklärt sie. Der Zuschauer verbringt mit der Künstlerin eine interessante Zeit, vom Gewöhnlichen – Nikki A kauft in Frankfurt einen Fön – bis zum Extravaganten – Nikki B auf einer völlig dekadenten Party bei der Biennale in Venedig.

Ein Paradox fällt schnell auf: Egal ob Nikki A oder Nikki B - die Künstlerin wirkt immer ganz natürlich, obwohl oder gerade weil sie sich inszeniert, ist nicht zu entscheiden. Das könnte aber auch daran liegen, dass sie häufig unter Galeristen, Kuratoren und privaten Sammlern ist. Gerade letztere sind so offensichtlich überspannt und prätentiös, dass man meinen könnte, Kunst habe negative Auswirkungen auf die Hirndurchblutung.

Kurios sind die Einblicke in Nikki S. Lees künstlerische Arbeit. Ein Höhepunkt ist ein Fotoprojekt, für das Nikki in die Rolle einer jüdischen Braut schlüpft. Hier kann man sehen wie komplex und detailreich die Inszenierungen sind, die sie für ihre Kunst nutzt. Am Ende des Films hat man über die „echte“ Nikki S. Lee sicher nichts erfahren, denn die gibt es für das Publikum nicht. Aber man hat gesehen, wie hart das Kunstgeschäft ist, in dem es eine hervorragende Idee ist, seine eigene Künstlerpersönlichkeit durch das Schlüpfen in eine Rolle zu schützen. Ansonsten verliert man zwischen den Hysterikern der Kunstwelt wahrscheinlich den Verstand.

“När Mörkret Faller“ von Anders Nilsson (Panorama)

Es gibt viele Formen von Gewalt: Die Ohrfeige, den Faustschlag ins Gesicht, eine Frau mit dem Kopf gegen die Wand zu schlagen, den Schuss, die eigene Tochter auf der dunklen Landstraße vor einen fahrenden LKW hetzen zu lassen. Der schwedische Regisseur Anders Nilsson zeigt in seinem Film „Bei Einbruch der Dunkelheit“ („När Mörkret Faller“) alle diese Formen der Gewalt und noch einige mehr. Der Film erzählt drei parallele Geschichten, in denen Menschen der Gewalt ausgeliefert sind, gegen die Recht und Gesetz nur wenig Schutz bieten. „Bei Einbruch der Dunkelheit“ ist ein düsterer Sozialkommentar, den Nilsson als Krimi inszeniert.

Im Mittelpunkt einer der drei Geschichten stehen die beiden Mädchen Leyla und Nina. Sie wachsen in einer Einwandererfamilie auf, die in einer anonymen schwedischen Vorstadt wohnt. Nina ist 19, Leyla wenig jünger. Die Familie verdächtigt Nina, sich mit Jungs zu treffen. Die Situation eskaliert, als Nina bei einer Familienfeier eine SMS und etwas später die Nachricht eines Jungen auf der Mailbox erhält. Für die Familie ist es eindeutig: Nina ist eine „Hure“. Schläge sind nur die erste Reaktion. Wenig später versuchen der Vater und andere männliche Verwandte sie zum Selbstmord zu zwingen. Nina und Leyla können sich in ihrem Zimmer verbarrikadieren, von wo Nina aus dem Fenster flieht. Nina wendet sich an die schwedischen Sozialbehörden und wird in einer sicheren Wohnung untergebracht.

Doch nicht nur für Einwanderer ist familiäre Gewalt ein Problem, sie grassiert auch in der Oberschicht des sonst so sozialbewussten schwedischen Folkhemmet. Carina, eine der erfolgreichsten Journalisten des Landes, wird seit Jahren von ihrem krankhaft eifersüchtigen Mann geschlagen. Als sie einen Journalistenpreis erhält, gerät er völlig außer Kontrolle, weil er seinen eigenen Beitrag zum Erfolg nicht ausreichend gewürdigt sieht. Er demütigt und schlägt sie jetzt sogar vor den Kindern. Carina ruft die Polizei und klagt ihren eigenen Mann an.

Nina hält unterdessen die Einsamkeit in der staatlichen Wohnung nicht mehr aus. Sie nimmt zu Leyla und dann auch zu ihrer Mutter Kontakt auf. Plötzlich ist eine Lösung da: Nina soll heiraten, einen Mann aus der Heimat, den sie noch nie gesehen hat. Sie willigt ein. Die Familie fährt nach Deutschland. Dort führt die Sippe bei einem Zwischenstop einen mörderischen Plan aus: Auf der vielbefahrenen Landstraße unweit des Motels hetzen Onkel und Cousins die junge Frau solange in der Dunkelheit hin und her, bis sie von einem LKW überfahren wird. So ist die „Familienehre“ gerettet. Für die Polizei ist es ein Unfall, die Leiche wird in die Heimat gebracht. Einige Zeit später liest der Vater der Familie am Frühstückstisch ein angebliches ärztliches Attest vor. Das Ergebnis: Nina sei keine Jungfrau mehr gewesen, deshalb hätten alle richtig gehandelt.

Nur Leyla wehrt sich gegen die Lüge. Sie hat den Mord beobachtet und geht zur Polizei, die die Ermittlungen aufnimmt. Auch Leyla wird von den Behörden in einem sicheren Appartement untergebracht. Aber auch sie nimmt wieder Kontakt zu ihrer Mutter auf. Als sie sich heimlich mit ihr in einem Kaffee trifft, wird ihr auf einmal schwindlig. Kurz bevor sie ohnmächtig wird, wird ihr klar, dass ihre Mutter ihr Schlafmittel gegeben hat und genauso in den Mordplan eingeweiht war. Auch Leyla wird nach Deutschland verfrachtet, aber in letztem Moment von ihren Brüdern gerettet. Die hatten unter den Familientraditionen auch zu leiden: Wenn sich die Schwestern nicht „anständig“ verhalten, werden sie dafür verantwortlich gemacht. Schließlich werden die am Mord beteiligten verhaftet. Leyla muss jetzt auf eigenen Füßen stehen, ihrer Geschwister kommen in Pflegefamilien.

Die Journalistin Carina ist in einer wesentlich besseren Situation, um sich zu wehren. Sie entschließt sich nicht nur sich von ihrem Mann zu trennen, sondern auch Gewalt gegen Frauen zu einem öffentlichen Thema zu machen. Dabei erhält sie außer von ihrer Schwester und ihrer Schwiegermutter nur wenig Unterstützung, Ihre Redaktionskollegen fragen sich, ob sie an ihrer Situation nicht doch selbst Schuld ist. Carina lässt sich nicht abschrecken. Sie hat das Angebot bekommen, für das europäische Parlament zu kandidieren und macht ihre Gewalterfahrung mit Erfolg zum Wahlkampfthema.

In einem dritten Handlungsstrang, der überflüssig wirkt, geht es um den Fall eines Restaurantbesitzers und des Türstehers, die rein zufällig in das Visier von Kriminellen geraten. Diese Story funktioniert schlicht nicht. Formal dient sie dazu, einen Krimiplot als Rahmen zur Verfügung zu stellen, der oberflächliche Spannung und noch einige Actionsequenzen liefert. Das ist schade, weil in den beiden anderen Geschichten genug Spannung liegt. Offensichtlich hat Anders Nilsson, der in den vergangenen Jahren eine in Schweden sehr erfolgreich Thriller-Trilogie gemacht hat, in die beiden familiären Geschichten nicht genug Vertrauen gehabt.

Das Fazit von „Bei Einbruch der Dunkelheit“ fällt zwiespältig aus. Zwei der drei Geschichten sind dramaturgisch hervorragend und emotional sehr eindringlich. Problematisch sind allerdings die vielen Gewaltszenen. Gewalt ist abstoßend und sollte auch so dargestellt werden. Deshalb ist eine realistische Darstellung von Gewalt notwendig, wenn Gewalt ein Teil der gesellschaftlichen Realität ist. Trotzdem bleibt fraglich, ob die Fülle der Gewaltszenen der Intention des Filmes nützt. Nach mehr als zwei Stunden geht man mit einer Menge Wut im Bauch aus dem Kino. Wut behindert bekanntlich das Denken und das vernünftige Handeln – und das ist zur Verhinderung von Gewalt eben unverzichtbar.

„AlleAlle“ von Pepe Planitzer (Perspektive Deutsches Kino)

Für Hajo Domühl (Milan Peschel) läuft es nicht. Er ist ein Säufer, macht gerade mit seiner Gerüstbaufirma pleite und jetzt sitzt er volltrunken in seinem Wagen auf der Landstraße irgendwo im gottverlassenen Brandenburg und die Karre verreckt. Auf einmal ein Wunder: Die alte Mühle fährt wieder, allerdings nur durch Muskelkraft bewegt. Hagen (Eberhard Kirchberg) schiebt. Hagen ist ein Baum von einem Kerl. Hagen schiebt Domühl wie ein Berseker über fünf Kilometer, was auch damit zu tun hat, dass Hagen geistigbehindert ist. Am Nachmittag hat in das Heim losgeschickt, er soll jetzt bei seinem Onkel wohnen. Doch den findet Hagen nicht, stattdessen landet er mit seiner Käfigmaus in Domühls versiffter Wohnung mitten im Nichts in südlich von Berlin.

Domühl ist nicht gerade sympathisch. Ein echter Spinner, der im Suff dummes Zeug erzählt und vor allem über Ina (Marie Gruber) nachdenkt, die gerade aus dem Knast kommt und jetzt in der Wohnung über ihm wohnt. Die Ina will er klarmachen, wie er Hagen erzählt. Und man hat den Eindruck, dass er Hagen vor allem deshalb bei sich hausen lässt, weil er ihn ohne Unterbrechung volltexten kann, ohne dass der widerspricht.

Ina dagegen fühlt sich einsam und vom Aufschneider Domühl abgestoßen. Das seltsame Trio (oder Quartett, wenn man die Maus mitzählt) lebt ziemlich hoffnungslos in dem fast abbruchreifen Haus. Doch langsam ändern sich die Dinge. Domühl übernimmt auf seine nölige Art Verantwortung für Hagen, auch wenn er ihn eigentlich loszuwerden versucht. Ina findet einen Job im örtlichen Schnapsladen und verliebt sich in Domühl, nachdem der ihr mit Blumen für 170 Euro und einen selbstgebastelten Holzschiffchen auf etwas verquere Weise den Hof macht. Denn Domühl ist ein verkrachter Romantiker, der die gesamte ehemalige russische Kaserne „Altes Lager“ geerbt hat. Die hatte sein Vater in einem Anfall von Größenwahn für 1 Mark erstanden, bevor er besoffen auf dem Gerüst erfror. Nun sitzt Domühl auf der völlig wertlosen Liegenschaft und baut dort riesige Holzmodelle von Autos, Schiffen oder dem Fernsehturm für Spielplätze.

Trotzdem sieht auf einmal alles etwas besser aus. Die, die fast am Ende sind, stützen einander und retten durch ihre gegenseitige Hilfe ihren letzten Rest von Würde und Hoffnung. Dann droht das endgültige Aus: Die Bank dreht Domühl den Geldhahn zu, Ina muss wegen der Auseinandersetzung in einer Kneipe wieder in den Knast und Hagen, dessen Onkel sich inzwischen mit dem ersten Pflegegeld ins Ausland abgesetzt hat, spült in einem Anfall verzweifelter Solidarität, weil Domühl ja auch alles verloren hat, seine Maus im Klo herunter.

Regisseur Pepe Planitzers Drehbuch basiert auf dem Theaterstück „Burnout“ von Oliver Bukowski. Ihm ist eine Adaption gelungen, die ohne jede Effekte den Schauspielern Raum für eine manchmal bedrückend realistische Darstellung gibt. Die emotionale Beziehung der Figuren trägt den Film. Eberhard Kirchberg hat den Part des Hagen bereits auf der Bühne übernommen. Der Kontrast seines wortlosen Spiels zu dem am Rande der Verzweiflung brabbelnden Peschel und der tieftraurigen aber kämpferischen Marie Gruber als Ina macht „AlleAlle“ zu einem großen kleinen Film. Das bestätigte auch der minutenlange Beifall nach der Aufführung am Dienstag.
„AlleAlle“ hat eine emotionale Tiefe, die den meisten Filme auch mit riesigem Aufwand nicht gelingt. Die verzweifelte Situation der Charaktere wirkt realistisch, obwohl sie fast absurd ist. Am Ende macht die Dramaturgie wieder eine Kurve zum Guten. Doch der Zuschauer spürt, dass diese Hoffnung trügerisch ist. Wenn nur noch die einander stützen, die schon am Boden liegen, ist das eine sehr wackelige Angelegenheit. Ein glückliches Leben ist möglich aber unwahrscheinlich.

“Andy Warhol: A Documentary Film” von Ric Burns

Ric Burns hat einen Dokumentarfilm gedreht. Dabei hat er das Kleine Ein-Mal-Eins des Dokumentarfilmdrehens bis zum letzten Komma befolgt. Sein vierstündiger Film erzählt das Leben Andy Warhols streng chronologisch. Verwandte, Zeitzeugen, Kunstkritiker und Kuratoren kommen zu Wort. In einem ausführlichen Voiceover wird das Leben Warhols erzählend vorangetrieben, dazu tönt ohne Pause einschmeichelnde Musik. Es ist ein Desaster. Das Allerschlimmste: Obwohl die Dokumentation ein Desaster ist, guckt man sie zwanghaft bis zum Ende, weil das Thema Warhol so faszinierend ist.

Warum Ric Burns zu den oben beschriebenen völlig verstaubten dramaturgischen und ästhetischen Mitteln gegriffen hat, um einen Mann zu beschreiben, der das künstlerische Arbeiten und die Wahrnehmung von Kunst – und das gilt auch für den Film – im 20. Jahrhundert revolutioniert hat, ist völlig rätselhaft. Die Erzählstimme aus dem Off stammt von der Künstlerin Laurie Anderson. Sie spricht schwülstige Texte mit soviel Pathos, dass es selbst Guido Knopp peinlich wäre. Ähnlich ist es mit wörtlichen Warhol-Zitaten, die von Jeff Koons gesprochen werden. Dieses Pathos wird durch die nie endende Hintergrundmusik ins Schmerzhafte gesteigert. Besonders schlimm wird es ,wenn Ausschnitte aus Warhols Filmen, die ursprünglich nicht vertont waren, mit Musik hinterlegt werden. Neben diesen handwerklichen Unzulänglichkeiten, stößt die lineare Erzählweise besonders auf. Warhol hat als Künstler immer wieder mit Gesetzen des Kunstbetriebes und den Grenzen der Wahrnehmung gespielt, was einen innovativeren Umgang mit filmischen Mitteln doch geradezu herausfordert, vor allem wenn man das Interesse des Publikums vier Stunden lang wach halten will.

Zu Ric Burns Entlastung kann man vermutlich anführen, dass der Film für eine mehrteilige Fernsehdokumentation gedreht worden ist. Dieser Eindruck drängt sich jedenfalls auf. Positiv ist außerdem zu verbuchen, dass der Film ein großes Gewicht auf die Kunst Warhols und nicht nur auf die Person Warhol legt. Darüber hinaus hat Burns interessante Gesprächspartner, insbesondere den Warhol-Kurator der ersten Stunde Irving Blum, den Kunstkritiker Dave Hickey und das Factory-Faktotum Billy Names. Die Statements geben viele interessante Anknüpfungspunkte zum Nachdenken über den Künstler Warhol, wiederholen sich aber auch manchmal und sind in der Fülle erdrückend.

Letztlich ist es nur der Person Andy Warhols zu verdanken, wenn der Zuschauer bei dieser Dokumentation nicht schon nach kurzer Zeit aufgibt. Belohnt wird dies mit einer Fülle von interessantem Archivmaterial. Burns ist es nicht gelungen, dem Thema Andy Warhol ästhetisch gerecht zu werden. Aus einem unerhörten Rechercheaufwand und einem erheblichen Zeitbudget holt der Regisseur so nur wenig Ertrag. Der Zuschauer kann hinterher darüber sinnieren, was alles möglich gewesen wäre.

"The Good Sheperd" von Robert De Niro (Wettbewerb)

De Niro beginnt seinen Film kurz vor der Schweinebucht-Episode. Da ist Edward Wilson bereits eine wichtige Figur in der CIA. Das bemerkt der Außenstehende nicht. In seiner Rolle schleicht Matt Damon durch Washington, als würde er die gesamten Weltprobleme auf seinen Schultern tragen. Er könnte ein Buchhalter in einer beliebigen Firma sein, aber er arbeitet mit Information und Desinformation, führt Agenten und ist eine wichtige Schaltstelle in der Welt der Spionage, die die Nichteingeweihten immer für so glamourös halten.

In vielen Rückblenden zeigt uns De Niro einen ganz anderen Wilson, der sensibel ist, sich für Lyrik interessiert und ein brillanter Student ist. Aber schon als Kind hat seine Biographie einen dunklen Schatten bekommen. Sein Vater, der eigentlich Staatssekretär im Verteidigungsministerium werden sollte, bringt sich um. Der kleine Junge Edward findet die Leiche und wird schon da zum Geheimnisträger. Er nimmt den Abschiedsbrief des Vaters an sich und lässt ihn für Jahrzehnte ungeöffnet.

Das Leben des jungen Studenten wendet sich, als er 1939 in die geheime, elitäre Studentenverbindung Skull & Bones eintritt. Was ihn daran fasziniert, sind die hehren Grundsätze von Bruderschaft und absoluter Loyalität. So knüpft er sich eng an die konservative politische Elite des Landes. In diesem Geheimbund, der angeblich 1832 in Yale gegründet wurde und um den sich hunderte Verschwörungstheorien ranken – die Männer der Familie Bush sollen dort in der dritten Generation Mitglieder sein – wird der Nachwuchs für wichtige politische Posten rekrutiert. Edward Wilson gerät so in den Umkreis der CIA-Vorgängerorganisation Office of Strategic Services (OSS). Die Mitgliedschaft in Skull & Bones wird auch sein Privatleben für immer verändern. Edwards, der in die Studentin Laura verliebt ist, wird auf einer Verbindungsfeier von Margaret Russell (Angelina Jolie) der Schwester seines besten Freundes verführt. Der Sex bleibt nicht ohne Folgen: Margaret ist schwanger und kurz danach ist Wilson Schwiegersohn in einer einflussreichen Senatorenfamilie. Am Tag der Hochzeit entscheidet sich der Bräutigam für die Geheimdienstkarriere, wird in das Londoner Büro versetzt und geht nach dem Krieg nach Berlin.

Wilson hat klare Prioritäten gesetzt: Vaterland vor Familie. So verpasst nicht nur die Geburt, sondern auch die ersten Lebensjahre seines Sohnes Edward Jr., ein Versäumnis, das ihn einholen wird. Auch als er nach Amerika zurückkehrt, schließt er seine aus seinem Leben aus. Er macht nicht nur aus seinem Beruf ein Geheimnis, sondern bleibt für Frau und Kind ein Rätsel. Er beruhigt sich damit, dass er nur so für die Sicherheit seines Landes, seiner Agenten und seiner Familie sorgen kann - ein gefährlicher Selbstbetrug. De Niro macht durch die mehrfachen Rückblenden die fast krankhafte Veränderung Wilsons besonders deutlich. Matt Damon spielt den Studenten Edward Wilson als prinzipientreuen Romantiker. Der erwachsene Wilson dagegen ist unter dem Druck seiner Geheimnisse zu einem emotionslosen Bürokraten geworden, der gleichzeitig bedrohlich wirkt – er ist für Mord und Folter verantwortlich – und verloren – er hat seine Träume für immer begraben.

De Niro entwickelt seine Geschichte langsam mit vielen Details. Der Film ist in seiner Dramaturgie fast rührend altmodisch, so wie auch die Agenten auf beiden Seiten auf uns wirken. In seiner Weise ist der Film so übersichtlich, wie es der Kalte Krieg vermeintlich war: Hier die Guten, dort die Bösen. Den Mangel an Tempo und – seltsam bei einer bei einer Agentengeschichte – auch an Spannung machen die Schauspieler wett. Matt Damon agiert minimalistisch, Angelina Jolie als Gegenpol furios, emotional und vor allem verdammt gut aussehend. Die eigentlichen Trümpfe sind die unglaublich guten Nebendarsteller: In größeren Rollen William Hurt, John Turturro, Michael Gambon, die Liste lässt sich beliebig fortsetzen. Herausragend spielt Eddie Redmayne als der bereits erwachsene Sohn Eward Wilson Jr. Jede Wette, der erst 25-jährige Brite ist in ein paar Jahren ein Star.

De Niros genaue Art des Erzählens muss man mögen, sonst wird man sich langweilen. Sicher, die Geschichte steuert mit etwas viel Pathos auf den tragischen Moment zu, als sogar Wilsons mittlerweile erwachsener Sohn Edward Jr. in die Geheimdienstintrigen hineingezogen wird. Auch steht De Niro, wie schon in „A Bronx Tale“, sehr im Banne von Coppola und Scorsese, wenn man Art der Inszenierung und die Symbolik betrachtet – eine wichtige Verhandlung Wilsons mit einem KGB-Offizier findet bei einem klassischen Chorkonzert von Edward Jr. statt. „The Good Sheperd“ liefert das Sittenbild einer Familie, verknüpft mit der Beschreibung der Pathologie eines Männerbundes - klassisches Kino eben, was zumindest beim amerikanischen Publikum nicht ankam. Das mag auch daran liegen, dass der Film deutlich macht: Das mit den Guten und den Bösen war auch im Kalten Krieg nicht so einfach.

Wer genau zugehört hat, weiß es jetzt: Robert De Niro ist im Grunde seines Wesens ein Geheimagent. „Geheimagenten“, sagt De Niro in seinem 50-minütigen Gespräch mit Volker Schlöndorff am gestrigen Sonntag in der American Academy, „Geheimagenten erzählen Dir nichts, wovon sie nicht wollen, dass Du es erfährst.“ So hält es auch De Niro selbst, wenn es um seinen Beruf oder sein Leben geht. Das war der Grund dafür, warum des Gespräch Schlöndorff-De Niro eher ein Schlöndorff-Monolog mit kurzen De Niro Einwürfen war. Eine Tatsache, über die sich Matt Damon königlich amüsierte, der während des Gesprächs quasi auf der Ersatzbank Platz nahm und für einige Kurzeinsätze eingewechselt wurde.

Schlöndorff wollte mit De Niro nicht nur über dessen Wettbewerbsfilm „The Good Sheperd“ sprechen, sondern auch über das große Ganze – das Filmemachen, das Wesen der Schauspielkunst und biographische Hintergründe. Das gelang natürlich nicht. De Niro antwortete meist knapp und gab irgendwelchen Mythen über die Schauspielerei und das Regieführen wenig Nahrung. Was die Aufgabe eines Schauspielers sei? „He has to serve a director’s vision.“ Ein Schauspieler könne eigene Vorschläge mache, wenn er im Prozess sei, sich die Rolle anzueignen. „I like to listen to everybody, but during filming don’t beat it to death by discussing. In the end you have to do it.” Genauso einfach beschrieb De Niro die Hauptaufgabe des Regisseurs. „On the set you have to move things along“ und – Jungregisseure aufgepasst – “keep the camera rolling, you never know what you get.” Matt Damon bestätigte ebenfalls die einfachen Rezepte: „I just followed his [De Niros] orders“.
Natürlich hat De Niro einiges an Recherchearbeit für den Film geleistet, so wie auch die Schauspieler. Darunter waren auch Gespräche mit ehemaligen CIA-Mitarbeitern. Aber das, was man dort erfährt – siehe das Eingangszitat – ist eben schwer einzuschätzen. Ohnehin, so De Niro, habe ihn die Dimension des Familiendramas im Drehbuch, das Melodram, am meisten interessiert. Das Politische oder die Bewertung der Arbeit der CIA rückt dagegen in den Hintergrund. „I don’t like to take a position, I want to tell a story“, erklärte De Niro. Den Kalte Krieg als Thema finde er „terrifying and fascinating“. Wenn es nach ihm geht, will er noch zwei weitere Filme über diese Zeit machen und die Geschichte bis zum Fall der Mauer und darüber hinaus erzählen.

Dann versuchte Schlöndorff einen Ausflug ins Private. Ob De Niro in seiner denn eher ein „street kid“ gewesen sei oder eher das Leben eines Bohemians geführt habe? Die Antwort, die nicht nur bei Matt Damon ein Lacherfolg war : „Beides.“ Ein kleine Berlin-Anekdote ließ sich De Niro immerhin entlocken: 1964 habe er sich kurz mit Erwin Piscator getroffen, habe sich dann aber mit dem Segen des ehemaligen Leiters des Schauspielkurses an der „New School“ keine Vorstellung angesehen, weil er zu einem Rendezvous musste.

Nach Gesprächsende konnten dann noch alle einen Blick aus größerer Nähe auf De Niro und Damon werfen. Auch die zuvor in den Nebenraum verbannten Zuhörer waren inzwischen freigelassen worden. Die Fotografen knipsten wie wild Bruno Ganz an der Seite von De Niro, Matt Damon mit Martina Gedeck usw, während Rezzo Schlauch etwas zu schmollen schien, weil ihn überhaupt niemand knipste, nicht mal die vielen Amateurfotografen mit ihren Handys.

Ist das Hollywood? Die Aufregung in der American Academy ist jedenfalls immens. Robert De Niro hat sich zum Plausch mit dem Academy-Gründungsmitglied Volker Schlöndorff angesagt. Also strömen die Aufgeregten, denen es noch gelungen eine Einladung zu ergattern. An der Anmeldung habe ich eine gelbes Kärtchen mit Schachbrettmuster erhalten, das mich leider in den Nebenraum mit Leinwand verbannt. Gut, De Niro auf der Leinwand ist ja nichts Schlechtes. Mit im Nebenraum eine ganze Rotte der schreibenden Zunft und etliche Zeitgenossen, die, wie ich messerscharf aus ihren Outfits folgere – schwarzer Anzug mit schwarzem Hemd oder schwarzem Rolli – Filmschaffende oder sonst wie Kreative sein müssen. Und richtig, Sie reden über Filmverleih, „haste die Gedeck gesehen“ und über ihre „neuen Projekte“. Sie sehen super aus, haben sich aber nicht wirklich was zu sagen.

Es ist kurz nach halb zehn. Wir warten. Dann werden die Kameras im Nebenraum eingeschaltet und auf der Leinwand beginnt ein Stummfilm. Die Hauptdarsteller: Ein Podium, zwei Ledersessel, diverse Fotografen und Statisten. Als Hintergrund der Wannsee in Schneelandschaft. Na dann gucken wir mal Film, ist ja schließlich Berlinale. Die Fotografen fotografieren die leeren Sessel und drängeln immer wieder hektisch aneinander vorbei. Einer pult sich mit dem linken Zeigefinger im linken Ohr und steckt den Finger dann nachdenklich in den Mund. Das ist zwar kein großes Kino, aber irgendwie auch spannend. Plötzlich läuft Otto Schily durch’s Bild. Er lacht. Das hat man bei Otto Schily noch nie gesehen. Dann gibt es sogar Ton. Der Direktor der American Academy, Gary Smith, erklärt um zehn vor zehn, dass „Bob“ wegen des Wetters 20 Minuten später kommt.

Der Stummfilm geht weiter. Die Fotografen lümmeln sich jetzt in den Ledersesseln herum. Otto Schily läuft durch’s Bild und lacht immer noch. Auch im Nebenraum gibt es jetzt Getränke und Häppchen. Die Stimmung steigt. Auf einmal kommt Volker Schlöndorff in seiner patentierten Volker-Schlöndorff-Lederjacke herein. Er macht einen verwirrten Eindruck. Da ich in meinem Anzug, mit einem weißen Hemd und Krawatte NICHT aussehe, wie ein Filmschaffender oder Kreativer, fragt er mich „ob ich weiß, wie das hier läuft.“ Das weiß ich natürlich auch nicht so genau. Ich äußere die Vermutung, dass er im großen Hauptraum erwartet wird und zeige auf die Leinwand mit den leeren Sesseln. Das leuchtet ihm ein. Er bedankt sich und verschwindet.
Nach einigen Minuten wird es auf der Leinwand hektisch: Ein Mann mit so einem Knopf im Ohr scheucht die Fotografen von den Sesseln und blickt einige Minuten sorgenvoll und regungslos direkt in die Kamera. Dann auf einmal anschwellendes Gemurmel, erster Beifall und Blitzlichtgewitter. Wir sehen Robert de Niro von hinten. Matt Damon ist auch da. Volker Schlöndorff und De Niro setzen sich. Der Stummfilm ist zu Ende.

"Killer of Sheep" von Charles Burnett (Forum)

Bevor der Film auf der Leinwand läuft, läuft schon ein Film im Kopf ab. Dieser Film im Kopf kommt mit wenigen Infos aus und bewegt sich in erschreckend stereotypen Bahnen. Wenn also das Berlinale Heftchen schreibt, dass Charles Burnetts „Killer of Sheep“ aus dem Jahr 1977 „aus dem schwarzen Milieu von Los Angeles erzählt“, wird im Kopf ein Blaxploitation-Video mit coolen Brothers und fiesen Cops eingeworfen oder als Alternative das Sozialdrama komplett mit Unterdrückung, Ausbeutung und dem heroischen Kampf gegen die soziale Marginalisierung. Burnett hat vor 30 Jahren etwas völlig anderes gemacht: Er hat einen stillen, einfühlsamen Film gedreht, der in einem quasi-dokumentatorischen Stil das Leben eines Schlachthofarbeiters, seiner Familie und seiner Freunde in Alltagsszenen erzählt. Als Special Screening eröffnete der Film, der vor 26 Jahren schon einmal auf der Berlinale lief, in diesem Jahr das Forum.

Der Film beginnt mit einer Moralpredigt eines Vaters für seinen vielleicht 10-jährigen Sohn: „Du sollst Deinen Bruder nicht, schlagen, denn Dein Bruder ist in der Not, der einzige der Dich verteidigt.“ Die Ohrfeige gibt es danach von der Mutter noch gratis dazu. Zusammenhalt und Solidarität sind die Werte, an die der Vater appelliert. Doch das Leben der Familien, die in einer der ärmsten Gegenden Los Angeles’ leben, wird von anderen Faktoren bestimmt – vom ständigen Geldmangel und der puren Erschöpfung durch das Bemühen unter schwierigen Bedingungen irgendwie über die Runden zu kommen.

Charles Burnett, der damals die UCLA Film School besuchte, drehte seinen Abschlussfilm fast ausschließlich mit Laiendarstellern aus seinem privaten Umfeld in Watts. Einziger professioneller Schauspieler war Henry G. Sanders (später viele Fernsehrollen in den USA), der die Hauptfigur spielt, den Schlachthofarbeiter Stan. Vor allem wegen dieser Rahmenbedingungen drehte Burnett vor allem am Wochenende und natürlich mit geringen Produktionsmitteln auf 16mm. (Der Film wurde im Jahr 2000 restauriert und auf 35mm kopiert.) Trotzdem wirkt der Film nicht amateurhaft. Ganz im Gegenteil – von Burnett selbst in schwarz-weiß gefilmt, verfügt der „Killer of Sheep“ über eine Authentizität, die sich nicht im quasi-dokumentarischen Stil erschöpft, sondern vor allem auf der Persönlichkeit und Präsenz der Darsteller beruht. Hier sind es die kleinen Gesten, die das vermitteln, was das Leben der Menschen im Armenviertel ausmacht. Wenn Stans Frau leise feststellt, dass er seit Monaten nicht mehr gelächelt hat oder wenn die Kinder vor allem mit Steinen und Schutt spielen.
Charles Burnett verzichtet auf einen herkömmlichen Plot, arbeitete aber mit einem Drehbuch und nur wenig mit Improvisation . Es sind kleine Episoden aus Stans Leben, die für das Leben der gesamten Community stehen. Stan der für 15 Dollar einen alten Automotor kauft, der dann leider vom fast Schrott reifen Pick Up fällt. Stan, dessen Familienausflug auf die Rennbahn schief geht, weil der Wagen seines Freundes einen Platten hat und Stan, der ein dubioses Angebot von zwei Kleingaunern ablehnt. Dazwischen immer wieder kurze Szenen aus dem Schlachthof.

Burnett machte nach dem Film deutlich, dass er vor allem die Werte der dort gezeigten community filmisch darstellen wollte – deshalb auch die wichtige Funktion der beschrieben Eingangsszene. Diese Leute seien trotz ihrer schwierigen sozialen Situation eben nicht radikal gewesen. „That’s why I couldn’t be a spokesperson, the people should speak for themselves.“ Das gelingt dem Film außerordentlich eindrucksvoll. Die Stimmung kann man am besten als trotzig-resignativ beschreiben. Das Ziel ist nicht aus diesen Verhältnissen hinauszukommen – denn diese Chance ist verschwindend gering – sondern mit Würde und Anstand zu überleben. Und genau das ist für die Protagonisten der Kern eines gelingenden Lebens, ganz ohne Heroismus und Kitsch. Ein Geniestreich ist Charles Burnett mit der Musik im Film gelungen. Die Musik bricht das Stilmittel des quasi-dokumentatorischen, ohne das Maß an Authentizität zu verringern. Sie wirkt nicht nur als Verstärker der Bildwirkung, sondern schafft eine emotionale Ebene, die die Botschaft der Films unterstreicht. Die Szene, die den Tanz von Stan und seiner Frau zu Dinah Washingtons „The Bitter Earth“ zeigt, gehört zum Traurigsten, was ich je auf einer Leinwand gesehen habe.

„Killer of Sheep“ wurde nach seiner Fertigstellung 1977 fast nie öffentlich gezeigt. Erst 1981 lief er auf der Berlinale, wo er den Kritikerpreis des Forums gewann und dann auch auf anderen Festivals. Das, so Burnett heute, verschaffte dem Black Independent Film eine Plattform. 1990 wurde der Film als einer der ersten 50 Filme in die National Film Registry aufgenommen und 2002 von der National Society of Film Critics zu einem der „100 Essential Films“ gewählt. Die restaurierte Fassung ist auch in den USA wieder in Einzelaufführungen zu sehen. Auch 30 Jahre nach „Killer of Sheep“ bleibt Burnett angesichts der Wirkung des Independent Black Cinema skeptisch: In Hollywood bleibe man nach wie vor lieber bei den Stereotypen von „Cops and Robbers“ und „Crime, Drugs, and Violence“, wenn es um das Leben in Vierteln wie Watts gehe.

Der leicht hysterische Berlinale-Irrsinn - wir sind cool, kreativ, tragen seltsame Brillen und reden alle in einer Art hyperrealer babylonischer Sprachverwirrung durcheinander - kommt auch 2007 in der Lobby des Hyatt wieder zur vollen Entfaltung. Die Langhaarige im Sessel gegenüber textet mit etwa 103 Dezibel in einer vermutlich osteuropäischen Sprache auf ihren Begleiter ein, während die drei asiatischen Herren am Nebentisch nicht minder laut dafür aber in einem deutlich höheren Frequenzbereich miteinander kommunizieren. Akustisch erinnert die Lobby an eine Viehauktion. Dann bricht die Langhaarige jäh ab. Hat Sie die Stimme verloren? Nein. Sie hat festgestellt, dass ihr Latte Macchiato 6 Euro kostet.

Interview mit dem Leiter des Forums, Christoph Terhechte

Christoph Terhechte sitzt seit zehn Jahren im Auswahlkomitee des Forums und ist seit 2001 Leiter der Berlinalesektion. ::festivalblog sprach mit ihm über die Entwicklung des Forums, den Auswahlprozess und das Programm des Forums 2007.

Was bedeutet das Etikett „junger Film“ heutzutage für das Forum?

Vor zwei Jahren hat die „Berliner Zeitung“ geschrieben: Jugend war im Forum noch nie eine Frage des Alters. Wir sind nicht das Forum der jungen Filmemacher, es geht um Formen und Ausdrücke, die man als jung bezeichnen kann. Aber das ist sicherlich ein etwas antiquierter Begriff, der mehr Sinn ergeben hat zur Zeit der Gründung des Forums, als das Festival ziemlich altehrwürdigen Charakter hatte. Dagegen musste etwas Junges gesetzt werden. Heutzutage verwenden wir das „jung“ gar nicht mehr – Internationales Forum des jungen Films, bevor man das ausgesprochen hat, hat man ja schon den ersten Film gesehen. Aber der Geist, der dahinter steckt, ist natürlich immer noch der gleiche. Es geht darum, den so genannten Mainstream zu konfrontieren mit Themen und Formen, die nicht so starr und festgefahren, also alt, sind.

Wie findet eigentlich der Auswahlprozess zwischen den einzelnen Sektionen der Berlinale statt? Schlagen Sie sich manchmal um Filme?

Nein, das ist heute nicht mehr so. Früher, zur Zeit von Moritz de Hadeln und Ulrich Gregor, gab es tatsächlich zwei Auswahlprozesse, wo der eine vom anderen nicht wusste, was er ausgewählt hatte. Ich erinnere mich beispielsweise, dass de Hadeln sich mal beschwerte, das Forum habe ja in Japan schon all die guten Filme eingeladen, und es wären für ihn keine mehr übrig. Wenn man dann früher da war, war es eben so. Aber es ist heute ganz anders, wir sprechen uns ab, und es gibt ja auch Vorstellungen davon, was wo am besten aufgehoben ist. Selbstverständlich gibt es Filme, die in den verschiedenen Sektionen überall ihren Platz finden könnten. Es gibt Filme, die erst ins Panorama oder Forum eingeladen werden, und dann in den Wettbewerb „upgegradet“ werden. Die letzten beiden Goldenen Bären waren Forums-Entdeckungen und wurden ursprünglich ins Forum eingeladen – Grbavica und der südafrikanische Carmen-Film. Das freut uns aber auch, wenn unsere Arbeit auf diese Weise Früchte trägt.

Bewerben sich Filmemacher auf eine bestimmte Sektion?

Einige ja, einige machen aber auch ihr Kreuzchen überall und versuchen es bei allen Sektionen. Wir sind eigentlich immer ganz erfreut, wenn die Leute wissen, wo sie hinwollen und sich Gedanken darüber gemacht haben, in welche Sektion ihr Film am besten passt.

Wie viele Filmemacher bewerben sich denn fürs Forum?

In diesem Jahr waren es weit über 1.000 Filme, so dass man einen ausgeklügelten Auswahlprozess in Gang setzen muss, weil man natürlich nicht alle 1.000 Filme mit dem Auswahlkomitee sehen kann. Jeder Film wird erst einmal von ein oder zwei Personen gesichtet, dann weiterempfohlen, noch einmal von zwei Personen angeschaut, und erst am Ende ist dann die Runde, bei der das Auswahlkomiteesich den Film gemeinsam ansieht.

Wie viele Filme laufen in diesem Jahr im Forum?

Wir haben 39 Filme ausgewählt, davon hat einer Überlänge, sodass es 40 Vorführplätze sind, die wir belegen. Dann gibt es Sondervorführungen, wie etwa den Guy Maddin Film und „Killer of Sheep“ von Charles Burnett, der schon 1981 im Forum lief und jetzt in einer neuen Kopie zu sehen ist. Für den Bollywoodfilm „Don“ haben wir auch schon unglaublich viele Anfragen von Leuten, die wissen möchten, wann der Film läuft, weil sie extra dafür von weit her anreisen möchten. Oder der Frederick Wiseman Film, den wir erst sehr spät aufgenommen haben, weil er doch eine große Herausforderung für unsere Übersetzerin der Untertitel darstellt: Das ist ein Film, in dem von vorne bis hinten geredet wird, der Film ist vier Stunden lang, das ergibt etwa 4.000 Untertitel.

Weshalb wurde das Forum-Programm von ehemals über 90 Filmen auf etwa 40 Filme reduziert?

Ich habe irgendwann gesagt, es ist zuviel, nachdem ich gemerkt habe, dass ich es noch nicht einmal schaffe, mit jedem der eingeladenen Regisseure ein anständiges Gespräch zu führen. Da habe ich gesagt, das kann nicht sein. Man lädt die Leute hier ein, man macht sich unheimlich viel Mühe, man möchte jedem Film und Filmemacher gerecht werden. Dann muss man eben die Zahl der Filme reduzieren, um sich für jeden einzelnen richtig einsetzen zu können. Unsere Gäste haben ein Recht darauf, mit dem Auswahlkomiteee zu sprechen, und hier als Gäste zu stehen und nicht nur in den großen Topf geschmissen zu werden und durchs Festival zu irren. Ich glaube, das gefällt den Gästen auch an der Berlinale, dass sie doch viel persönlicher ist als die anderen großen Festivals.

50 Prozent der Forum-Filme 2006 sind ins deutsche Kino gekommen.

Ja, das ist ein schöner Erfolg. Dazu tragen natürlich auch die Freunde der deutschen Kinemathek bei, die einen Teil der Filme ins Kino bringen. Aber es gibt auch eine steigende Anzahl von meist kleineren Verleihern, die Forum-Filme in ihre Kinos aufnehmen. Und das ist toll. Das Forum ist für mich eben nicht nur eine Veranstaltung, die zehn Tage lang Filme feiert und dann vorbei ist, sondern ein Bestandteil der Filmkultur in diesem Land. Da ist die Zusammenarbeit mit den Freunden der deutschen Kinemathek entscheidend, aber auch mit den kleinen Verleihern und kommunalen Kinos, die an mehr als nur ans Geldverdienen denken.

Kann man eine Entwicklung aufzeigen, was die Breitenwirkung des Forums angeht?

Ja, es gibt eine positive Entwicklung, und die hat viel damit zu tun, dass wir uns auf weniger Filme konzentrieren und uns stark für diese einsetzen, und dass wir auch an die Zusammenarbeit mit dem Markt denken, dass wir die Kontakte zu Einkäufern und Verkäufern intensivieren. Das Forum ist eben nicht der Elfenbeinturm, den viele Leute auch immer wieder darin gesehen haben. Das beweist auch: Es gibt ein Publikum für diese Filme über das Festival hinaus.

Dieses Publikum ist über die Jahre hinweg sicher auch mit gewachsen.

Das Publikum wächst ständig mit. Die Filme, die wir zeigen, hielt man lange Zeit für nicht verleihbar. Jede Vorführung, die im Arsenal oder im Delphi ausverkauft ist und Standing Ovations erhält, beweist, dass es auch für die sogenannten schwierigen Filme ein Publikum gibt.

Von dem ehemaligen Protestcharakter des Forums ist allerdings nicht mehr viel geblieben.

Natürlich protestieren wir gemeinsam mit den Filmemachern gegen die Zustände in der Welt, die diese Filme beschreiben. Wir sind nach wie vor solidarisch mit politischen Bewegungen, mit denen die Filme verknüpft sind. Aber das Forum selber will nicht gegen die Berlinale protestieren, wie es vielleicht mal gewesen ist. Wir wollen auch nicht Bannerträger sein für eine bestimmte Art der Filmkultur. Es ist die praktische Arbeit, die wir machen, die etwas bewegt und nicht die große Geste.

Es gibt mehrere Regisseure, die immer wieder ins Forum eingeladen wurden – etwa Aki Kaurismäki oder früher Wong Kar-wai – das ist sehr schön, aber schafft das nicht auch gewisse Voransprüche?

Schauen Sie sich das aktuelle Programm an. Für jeden Filmemacher, der wieder bei uns im Programm ist, müssen wir mindestens zehn dieser alten Freunde vor den Kopf stoßen, weil wir ihnen absagen mussten. Wenn wir Erbhöfe pflegen würden, müssten wir 400 Filme zeigen und nicht 40. Unsere Arbeit besteht ständig auch daraus, Leute zu enttäuschen und ihnen zu sagen, diesmal nicht.

Viele Länder, aus denen Forum-Filme kommen, haben mit Zensur und politischer Unterdrückung zu kämpfen. Wie gehen Sie damit um?

Das ist ein wichtiger Aspekt. Wo wir aber immer vorsichtig sind, sind diese engagierten Filme, die sich oft sehr gut und intelligent mit einem Thema beschäftigen, aber überhaupt keine filmische Form dafür finden. Da sind wir eigentlich ziemlich erbarmungslos und sagen, wichtig für uns ist, dass dabei ein interessanter Film rauskommt und nicht die schiere Beschäftigung mit einem Thema. Andererseits haben wir Filme wie den belgischen Beitrag „Le Cercle des noyés“, in dem die Leidengeschichte der schwarzen Opposition in Mauretanien erzählt wird – das ist filmisch in eine derart konsequente Form gebracht und so genau ohne jede Ablenkung erzählt, dass er mit diesem historischen Thema mehr Wirkung erzielt, als jeder engagierte Film zum Thema Darfur, den wir beispielsweise in diesem Jahr gesehen haben. Aber politisch relevante Filme sind natürlich nach wie vor ein Schwerpunkt für uns.

Wie kam die Entscheidung zustande, eine Okamoto Kihachi-Retrospektive zu machen?

Die Idee kommt aus Tokyo, von der Leiterin des Tokyo FilmEx Festival, mit der wir schon lange eng verbunden sind. Kihachi ist einer der ganz großen und bedeutenden Regisseure in Japan. Seine Filme sind aber in Europa zum großen Teil noch gar nicht gezeigt worden. Kihachis Witwe und Produzentin wird mit 25 Leuten seines Stabes anreisen und das Programm begleiten. Filmhistorisch ist das eine große Entdeckung hier für uns.

Das Interview führten Tiziana Zugaro-Merimi und Steffen Wagner.

Pat Garrett hat drei Wünsche: Er will alt und grau und reich werden. Dafür ist er zur falschen Zeit am falschen Ort. Das New Mexico Territory um 1880 bietet sich nicht für eine beschauliche Verrentung an. Außerdem hat Pat Garrett ein Problem: Er hat die Seiten gewechselt und ist vom Outlaw zum Sheriff geworden. Dafür verachtet ihn nicht nur sein alter Freund Billy the Kid, sondern sogar seine eigene Frau. Im Auftrag des Gouverneurs macht sich und der Großgrundbesitzer macht sich Garrett (James Coburn zeigt, dass auch der Vollstrecker des Systems cool aussehen kann) auf die Suche nach Billy the Kid (Kris Kristofferson mit Babyspeck). Am Ende hat sich der Outlaw quasi-selbstmörderisch in die Kugeln des Gesetzeshüters gestürzt. Garrett verzweifelt trotzdem an dem erfolgreich ausgeführten Auftrag und reitet allein in den Sonnenaufgang.

Sam Peckinpah inszeniert ein elegisches Drama in einer Zeit, in der der „Wilde Westen“ schon fast untergegangen ist. Die neue Ordnung des Gesetzes will sich zum Vorteil von Wenigen etablieren und ist dabei im Einsatz ihrer Mittel nicht wählerisch. Die alten Haudegen des Westens taumeln währenddessen leicht irritiert hin und her von der einen Seite des Gesetzes auf die andere. Sie haben alle bessere Zeiten gesehen. Als verlotterte Gestalten driften sie durch Elendskäffer. Die alten Regeln funktionieren auch nicht mehr. Im Duell hält sich Alamosa Bill (inzwischen zum Deputy Sheriff aufgestiegen) nicht an die ehernen Regeln und versucht den verfrühten Schuss. Pech gehabt, dass Billy damit gerechnet hat und ihm zuvor kommt.

Billy the Kid will seine Freiheit als Outlaw behalten und bläst freundlich lächelnd, als eine Art Hippie mit einem stark gestörten Verhältnis zur Gewaltlosigkeit, Hähnen und alten Freunden den Kopf weg, wenn er nicht gerade Frauen beglückt. Pat Garrett glaubt auch nicht so recht an das Gesetz und will dem ehemaligen Freund die Möglichkeit zur Flucht nach Mexiko geben. Kid aber will lieber nach seinen eigenen Regeln frei sein. Die Jagd ist eintönig, anstrengend und kostet viele Opfer. Wie die Jagd ist auch der Film: Meist langsam mit langen Einstellungen und schönen Bildern (untermalt von Bob Dylans Soundtrack), wird er immer wieder von Blutbädern unterbrochen.

Schließlich sind fast alle tot. Garrett hat The Kid besiegt. Verloren hat er aber gegen seine eigene Desillusionierung. 30 Jahre später ist dann alles vorbei. 1912 werden mit New Mexico und Arizona die letzten Western Territories zu Bundesstaaten. Recht und Ordnung haben gesiegt.

In seiner Begrüßung vor dem Film bezeichnete Wim Wenders das Projekt, eine Doku über Leonard Cohen zu drehen, als „toughest assignment in Rock n Roll“. Seiner Kollegin Lian Lunson, die sich an das Wagnis machte, hat eine Mischung aus Konzertfilm – Ausschnitte eines Cohen-Tribute Concert aus Sydney 2005 – und Interviews mit Kanadas Songwriter No 1 und anderen Musikern gedreht. Die Gespräche mit Cohen sind originell und machen neugierig auf mehr, was man von einigen Coverversionen und insbesondere Bono-Monologen nicht behaupten kann. Trotzdem sehenswert, weil das Charisma vom Leonard Cohen die Schwächen wettmacht. Hört Euch seine Musik an (and listen to the words).

„He is famous, his heart is a legend.“
Es ist seine Stimme, genauer gesagt seine Sprechstimme. Keine Ahnung wo Leonard Cohen die herholt. Der Mann könnte wahrscheinlich auch die Beförderungsbestimmungen der BVG vorlesen und man würde ihm begeistert zuhören. Er ist entspannt, souverän und witzig-ironisch, wenn es darum geht den eigenen Legendenstatus zu kommentieren. „There is nothing you can really invest in the realm of how important or significant you are.” In einer der schönsten Szenen liest er ein Vorwort vor, das er selbst für die chinesische Übersetzung seines zweiten Romans „Beautiful Losers“ geschrieben hat, die jetzt 40 Jahre nach der Veröffentlichung des Originals erscheint. Er schreibt: „This book is very difficult, if you take it seriously.“ Dabei ist Cohen einer der wenigen Songwriter, den man als Poet bezeichnen kann, ohne sich lächerlich zu machen – immerhin hatte er schon vier Gedichtbände und zwei Romane geschrieben, bevor er seine erste Platte machte.

Diesem Charisma und dieser Gelassenheit kommt die Technik der Filmerin sehr entgegen. Lian Lunson sagte nach dem Film, dass sie Cohen oft besucht hat: „He is a great cook.“ Die Kamera hatte Sie Kamera zunächst nie mitgebracht. Später entschied sie sich für das Videoformat, damit Sie ohne Crew arbeiten konnte. So kann sie dem Protagonisten im Film auf der persönlichen Ebene begegnen. Diese Gespräche sind die besten Passagen des Films, die durch Super-8-Sequenzen aus Cohens Familienarchiv noch ergänzt werden. Er erzählt über Musik, Frauen, Gott, Zen und das was den Künstler in jungen und alten Jahren so umtreibt. Dazu montiert Lunson immer wieder Aufnahmen von Cohens eigenen Zeichnungen und Illustrationen.

Eher zwiespältig sind die Aufnahmen aus dem Tribute-Concert in Sydney, die immer wieder eingestreut sind. Erstaunlicherweise scheitert Nick Cave an „I’m your man“ und noch dramatischer an „Susanne“, obwohl es schwer zu sagen ist, woran das liegt. Grandios dagegen drei Cover von Rufus Wainwright „Everybody knows“, „Hallelujah“ und „Chelsea Hotel#2“. Gerade „Hallelujah“ mit der wahnwitzigen Mischung aus Ehrfurcht und Lästerei muss man erstmal singen, ohne sich völlig zum Idioten zu machen:

Now I've heard there was a secret chord
That David played, and it pleased the Lord
But you don't really care for music, do you?

Übertroffen wird er nur von Antony mit „If it be your will“. Wie dieser Mann/diese Frau/wasauchimmer singt ist unglaublich. Schön, wahrhaftig, zu Herzen gehend, Rotzundwasser, Taschentuchalarm.

Insgesamt sind die Konzertausschnitte keineswegs schlecht. Sie unterbrechen nur den Erzählfluss des Films. Denn eigentlich würde der Zuschauer gerne mehr Zeit in Gesellschaft von Leonard Cohen verbringen.

Peinlich sind leider die Gespräche mit The Edge und Bono, die wollen Herrn Cohen unbedingt auf das Podest heben, auf dem der sich selbst nicht sieht. Wen interessiert eigentlich, was diese beiden zum Thema Cohen zu sagen haben. Egal. Zum Schluss spielt die U2-Kapelle als Background-Band für den Mann mit der tiefen Stimme „Tower of Song“. Da können sie wenig falsch machen, er singt sie in Grund und Boden:

I said to Hank Williams: how lonely does it get?
Hank Williams hasn't answered yet
But I hear him coughing all night long
A hundred floors above me
In the Tower of Song

So ist es: Und in diesem Turm der Lieder sitzt Bono im Kohlenkeller.

Many, many thanks to Jarkko Arjatsalo and his fantastic Website www.leonardcohenfiles.com

Endlich mal Insider-Infos: Wim Wenders Schwiegervater, der Erzeuger von Donata, heißt Helmut Schmidt. Bis 1980 war er Medizinaldirektor bei der Gesundheitsbehörde (Besoldung A15!). Dann schmiss er hin und lebt nunmehr als Bildhauer in Frankreich. Finanziert hat er den Ausstieg, indem er die Villa seines Opas in Dahlem verkloppte. Seine Alabasterköpfe werden momentan im Küchendesigncenter "Art linea", Uhlandstr. 101A, ausgestellt. All dies blies er vor Aufführung von "Leonhard Cohen - I'm your Man" in meine vor ihm plazierten Ohren und die seines nicht weniger verblüfften Nachbarn. Ich könnte Euch jetzt auch noch seine Telefonnummer nennen. ("Rufen Sie mich an an, wenn Sie wirklich interessiert sind.") Dies aber verbietet das journalistische Ethos.

Bei der Vorführung von „Leonhard Cohen – I’m your Man“ im Babylon quetschte sich Blixa Bargeld auf die miesen Nackenkrampf-Plätze in Reihe 2. Eine ganze Promireihe war dagegen für Wim Wenders und Anhang genau eine Reihe hinter dem eifrigen Blog-Schreiber Töffe reserviert.

Bilder, Bilder, Bilder! Alan Berliner, Regisseur, Autor, Editor, Produzent und Hauptdarsteller des Dokumentarfilms „Wide Awake“, ist ein Bilderjunkie. Kein Problem, wenn man im Filmbusiness ist, oder? „Oh doch“, versichert Berliner, der „Hellwach“ persönlich vorstellt und nach dem Screening ausführlich kommentiert, denn die Bilder halten ihn rund um die Uhr wach, weil sein nachtaktives Hirn ihn auch im Bett völlig unkontrolliert weiter mit Bildern befeuert. In „Wide Awake“ dokumentiert er seinen Kampf gegen die Schlaflosigkeit, den 24stündigen Wahnsinn von Kreativität und wie man trotzdem oder gerade deswegen einen interessanten und vor allem witzigen Film macht.

„I make films that use my life”, sagt Alan Berliner. Das kann man wörtlich nehmen. Wer mit ihm verheiratet ist, muss damit leben, hochschwanger um 4:31 morgens gefilmt und versehentlich geweckt zu werden, was Ehefrau Shari bemerkenswert gelassen hinnimmt. Mutter und Schwester werden darüber ausgequetscht, wie denn der kleine Alan als Baby und Kind geschlafen hat, mit diversen Ärzten diskutiert Berliner unter anderem die verschiedenen Techniken das Schäfchenzählens. Wenn das alles wäre, wäre diese Doku nichts Besonderes. Was den Film wirklich spannend macht, ist die Kombination mit Bild- und Szenenmontagen, die das Thema der Schlaflosigkeit in Bilder umsetzen und darüber hinaus davon erzählen, wie der Künstler Alan Berliner funktioniert und was seine Art des Filmemachens auszeichnet. Das ist sehr unterhaltsam, weil es trotz des teilweise experimentellen Umgangs mit Bild und Ton immer authentisch wirkt und jeder mit dem dauermüden Filmemacher mitfühlt, dessen Schlaflosigkeit zugleich Fluch und kreatives Kapital ist

Sonnabend gegen 12:15 Uhr.
Zwei Frauen - etwa Mitte 40 und Mitte 60 -
kommen durch den Seiteneingang in die "Arkaden" am Potsdamer Platz.

Jüngere Frau (glotzt auf Berlinale-Pavillon):
Berlinale? Was'n det?

Ältere Frau: Weeß nich'. Das mit die Skifahrer?